ANTONIONI - BERGMAN 30-10-2007 R.I.P.

Desde el Rincon del Cinefago queremos hacer nuestro pequeño homenaje a Ingmar Bergman y Michelangelo Antonioni, El cine pierde dos de los autores mas influyentes del siglo XX. Autores que le dieron un verdadero significado al concepto cine de autor, podria decirse que han sido los primeros y ultimos en hacer un verdadero cine de estas caracteristicas. Pasara mucho tiempo antes de llenar el vacio de estos dos grandes directores.que acercaron al gran publico peliculas como Blow Up o Persona.. EGLI RIPOSI IN PACE

TV CULT

Existen programas de la televion publica americana en la que practicamente cualquiera con un minimo de interes puede abrir su propio programa, la mayoria en la que se reciben llamadas dandose pie a las mas elirantes situaciones. Lets Paint TV! es un programa de televisión de Acceso Público en EE. UU creado por el artista John Kilduff. Muchos programas son grabados y simplemente muestran a Kilduff pintando, a veces sobre la posición, y de manera convencional. Sin embargo, hay también los episodios especiales en directos que consisten en la pintura de John Kilduff mientras él corre sobre una rueda de cinta mientras, cocina o mezcla bebidas, y recibe llamadas de espectadores. Algunos de estos episodios vivos también contienen tareas adicionales, como el juego al ajedrez, y él a veces pinta a los invitados especiales quien habla con el en el estudio.Kilduff él mismo es un artista calificado y expuesto actualmente que estudia p MFA en UCLA . Kilduff con frecuencia anima a espectadores a usar cepillos muy grandes para cubrir la lona tan rápidamente tan posible antes de la preocupación sobre detalles, como él siente que un lienzo vacía muy puede estar intimidando a principiantes. El programa se hizo más extensamente conocido en último 2006 cuando Kilduff comenzó las grabaciones uploading de episodios (sobre todo los directos) en el servicio en línea de vídeo YouTube, donde esto se ha desde entonces hecho un golpe de culto.

Official Let's Paint TV Website
Unofficial Let's Paint TV Fan Club

The Spirit of Truth.El Espíritu de Verdad " era el seudónimo de un televangelista quien apareció sobre un programa titulado " One Man Show ". El programa fue difundido en Los Angeles - la televisión de Acceso público basada durante los años 1990. Un vídeo del programa era descargado a YouTube en 2006, y el comportamiento delirante del televangelista , acabo haciéndose un fenómeno de Internet y convirtiendose en una figura de culto. Varios vídeos mas se hicieron disponibles en Internet a lo largo de los meses siguientes. Cuando los vídeos aparecieron sobre un episodio de VH1'S " "Web Junk 20 ", él fue identificado como " Rev-X . " La identidad del predicador fue revelada como Don Vincent el 27 de julio de 2006 en una entrevista en la edición del Espectáculo tHE Howard Stern sHOW. El 4 de abril de 2006, el programa de radio De Florida ·"The Guardian" saco una parte del Espíritu de Verdad, con el comentario de anfitriones Jefe el-y JDUBS. . La emisora de radio WRIF mencionó al predicador sobre su " Drew y Michael " el programa de mañana y su website . El rapero Sean Paul utilizo varios cortes del programa para sus tracks en su disco Jesus Price Superstar. Actualmente Vincent se encuentra en negociaciones para el lanzamiento de un nuevo programa "Black Entertainment Televion"

The Original Spirit of Truth Video
The Second Spirit of Truth Video
"Video 3 - Part One"
"Video 3 - Part Two"
"Video 4 - Part Two"
"New Rev. X video" - Part 1; Part 2
"Rev. X - Adore / Here I go" (removed)
"Rev. X - The Healing Dance"
"Rev. X - Hey Love"
"Rev. X -- The Sermon on the Mount

Spirit of Truth Official My Space
Howard Stern interview audio(mp3)

SPACED

Spaced es Una comedia de situación británica de televisión escrita por Simon Pegg y Jessica Stevenson, y dirigida por Edgar Wright director de "Shaun of the Dead" y "hOT fUZZ". Aun no estrenada en España Spaced se convirtio en una serie de culto casi desde la emision del primer episodio, Spaced se caracteriza por un montaje frenético, por multitud de referencias a la cultura Pop asi como demostraciones ocasionales de surrealismo. Dos series de siete episodios fueeron difundidas en 1999 y 2001 en el Chanel-4. Según Simon Pegg, la serie "Northern Exposure" y su empleo frecuente de secuencias de fantasía eran " una de las influencias claves " en la creación de la serie. De hecho, él y Jessica Stevenson defineiron LWT como " una mezcla de "Los Simpsons", "X.Files" y "Northern Exposure" . " Las referencias a la cultura popular - no exclusivamente a la ciencia ficción y películas de horror, cómics y vídeojuegos - son habituales. El Suministro del material gráfico para el cómic de Tim en la serie ' The Bear ', eran trabajos de "2000 AD" de Jim Murray y Jason Brashill creados exclusivamente para la serie. Spaced tiene un estilo cinematográfico claramente reconocible usado por su director Edgar Wright Rodado (excepcionalmente para una comedia de situación) con una sola cámara. Utiliza claras referencias a peliculas de genero esto tiene manierismos particulares estilísticos como el dispositivo que se repite de cambios de escena que ocurren en medio de una cazuela. La atmósfera de la serie también es establecida por el empleo de un sabor particular con el empleo de musica electronica contemporánea en su banda sonora. En la serie también es notable sus multiples referencias regulares al empleo de drogas.

http://es.youtube.com/watch?v=qHc0VDdhXVQ Primer episodio en "You Tube" (En Inglés)

Spaced Out Pagina oficial de Fans

CHARLY GARCIA

Siguiendo la estela de leyendas y figuras del rock modernos emerge la figura de Charly Garcia. Charly García es uno de los más reconocidos, compositores y productores latinoamericanos de rock, y ha sido líder de bandas como Sui Generis (1972-1975), Porsuigieco (1976), La Máquina de Hacer Pájaros (1977-1978), y luego llegando a la cumbre de su talento con Serú Girán (1978-1982), una superbanda (Los Beatles argentinos, para muchos) que reunía los mejores músicos de Argentina: el guitarrista/multi-instrumentista/cantante David Lebón, un joven bajista/tecladista/cantante (Pedro Aznar) que en esa época contaba con 19 años, y Oscar Moro, un histórico baterista que formó parte de Los Gatos (la primera banda de rock nacional, movimiento de rock en castellano propio de Buenos Aires, aunque Los Gatos eran de Rosario) dejando un legado de discos y canciones que quedaron para siempre en la historia de la música argentina. Desde 1982 y hasta la actualidad se extiende su etapa de solista, inigualable tanto en calidad como en cantidad de producciones. Si bien tanto la producción de los espectáculos como la composición y grabación de los discos lo tienen como figura principal, Charly ha incorporado en sus bandas solistas a músicos argentinos de primer nivel como Cachorro López (desde 1982 hasta 1984), Fabiana Cantilo (1982-1986), Fito Páez (1983-84), los G.I.T. - Pablo Guyot, Willy Iturri y Alfredo Toth - (1984-87), Richard Coleman (1986), Fernando Samalea (1987-1995), Carlos García López (1987-1993), Hilda Lizarazu (1987-1993), Fabián Vön Quintiero (1987-1995), Mario Serra (1996-2002), María Gabriela Epumer (1994-2003). Actualmente suele presentarse con una sólida banda formada por tres músicos chilenos, Kiushe Hayashida en guitarra y coros, Tonio Silva Peña en batería y Carlos González en bajo, él mismo en teclados, guitarra y voz, y un trío de cuerdas formado por Alejandro Terán (viola), Javier Weintraub (violín) y Julián Gándara (cello). En los años 90 comenzó con su eslogan "Say No More", por el cuál ahora se lo nombre como Mister SNM.

Fuentes extraidas de Wikipedia http://es.wikipedia.org/wiki/Charly_Garc%C3%ADa

JOHNY TERRIS , WEASEL WALTER Y EL TRANSGRESIVE ART

Despues de crear "Terfer Productions" el realizador Johny Terris comenzo a realizar una horneada de films extremos underground en Canada a finales de los 80 y comienzos de los 90, Ha sido descrito como el Dario Argento Underground, sus films estan unfluenciados por el cinema de Transgression de Richard Kern y Nick Zedd, la no wave punk , amenudo utiliza bandas sonoras con temas de Heavy Metal y un mensaje anti-star system Hollwodiense.
Weasel Walter es un musico tambien perteneciente a la llamada"Transgression art" movimiento fuertemente influenciado por el espiritu rebelde de las vanguardias de principios del siglo XX, La finalidad es romper todo tipo de norma y convencionalismo artistico, con esto se podría en multitud de ocasiones de caer en el error, con la falsa provocacion, la pesudo vanguardia el pseudo arte y otras manifestaciones que a dia de hoy carecen de cualquier sentido. El Trangressive art basicamente se basa en la transgresion de las normas, la moral y la sensibilidad del espectador, atraves de un mensaje con una fuerte carga nihilista. Nick Zedd y su "Cinema of Transgression" fue el primero en usar el termino , influenciado por cineastas underground como Keneth Anger, John Waters o Andy Warhol. Los trazos de la trangresion pueden considerarse como un valor de choque y de provocacion, ya que se ifluencia directamente el "Salon des Refuses" el Dada el Surrealismo, la filosofia de Mickail Bakthin , Georges Bataille, Nietszche, o la obra "El Hombre rebelde" de Albert Camus .Problabemente el libro que mejor plasma este sentimiento sea"Deathtripping: The Cinema of Transgression" de Jack Sargeant. Este movimiento trata temas como la dislocación psicológica y la enfermedad mental. Los ejemplos de esta relación, entre la transgresión social y la exploración de estados mentales que se relacionan con la enfermedad, incluyen muchas de las actividades en los trabajos de los Dadaístas y Surrealistas y en la literatura, de Albert Camus "L'Etranger" o J.D. Salinger "El Guardian entre el Centeno". Desde finales de los años 1990 un nuevo grupo de artistas transgressive ha surgido. En China varios artistas performances se hicieron conocidos para producir el arte transgressive, incluyendo Zhu Yu, quien alcanzó la notoriedad cuando se dio a conocer ante el publico con imágenes de él comiendo algo que pareció ser un feto humano, Yang Zhichao contribuyo con el performance del arte corporal extremo, y Peng Yucon con sus polemicas performances de matanzas de animales. Quizás el artista transgressive más famoso de principios de los años 80, fue Richard Kern quien comenzó a hacer películas en Nueva York con actores underground como Nick Zedd y Lung leg. Algunos de ellos hacian videoclips para bandas como Butthole Surfers o Sonic Youth. Los artistas subsecuentes transgressive de los años 90 superpusieron las fronteras de literatura, arte, y la música, el más notablemente GG Allin, ademas de Lisa Crystal Carver, Costes y Dame Darcy.Con estos artistas vino un énfasis mayor sobre la vida en sí misma (o la muerte) como en el arte, ya que más bien el arte solamente puede representar una parte o actitud de la vida . Ellos contribuyeron decisivamente a la creación de un nuevo tipo de arte visionario y música, e influyeron en artistas como Alec Empire, Cock E.S.P., Crash Worship, Usama Alshaibi, Liz Armstrong, Lennie Lee, Johnny Terris, Weasel Walter, Andy Ortmann, y el trabajo del autor de comic underground Peter Bagge con "Hate".Sin embargo, el término también puede ser aplicado a la literatura . Ejemplos recientes incluyen "Trainspotting" de Irvine Welsh , "Blood and Guts in High School" de Kathy Acker, "American Psycho" de Bret Easton Ellis, "Fight Club" de Chuck Palahniuk, y relatos cortos de J.G. Ballard's como "The Enormous Spaceio". Estos trabajos trataron con las publicaciones temas que, se consideraban, fuera de las normas sociales. Sus personajes enfermos mentales que abusan de las drogas, encasillados en una conducta violenta o totalmete amoral y asntisocial y que padecen todo tipo de perversiones sexuales.Entre los trabajos más notorios de arte transgressive para el gran público han sido la escultura, bricolages, y el arte de instalación que con timidez procuró ofender sensibilidades cristianas religiosas.Weasel Walter es otro ejemplo de este tipo de artistas funfador del grupo de musica experimental y fusion The Flying Luttenbachers mezcla no-wave, death metal, free jazz, gamelana, noise music, hardcore punk y modern classical

THE FRACT PACK

El fract pack es el apodo no oficial dado durante los 1990 2000 de un grupo de comediantes aparecidos en muchas comedias de exito Jack Black, Will Ferrell, Ben Stiller, Vince Vaughn, Owen Wilson, Luke Wilson y Steve Carrell. Adam Sandler , Mike Myers y Jim Carrey no estan oficialmente incluidos en el Frat Pack, pero tienen un estilo de registro similar al trabajo del grupo. El Usa Today publico un articulo en el que consideraba a esta generacion de actores como los mas representativos de la nueva comedia americana, Peliculas como Bottle Rocket y The Royal Tenenbaums de Wes Anderson ademas Todd Phillips dirigio Old School y Starsky & Hutch. Adam McKay dirigio Anchorman: The Legend of Ron Burgundy, y Talladega Nights: The Ballad of Ricky Bobby. Jay Roach dirigio Meet the Parents y Meet the Fockers. Judd Aptow es director y escritor de varias comedias de la Frat Pack Anchorman: The Legend of Ron Burgundy. Dirigio The 40-Year-Old Virgin seguida de Knocked Up. Esta generacion de actores se iniciaron en el famoso programa "Saturday Night Live", al igual que otros actores no pertenecientes al Frat Pack como Mike Myers ,Jim Carrey y Adam Sandler. El Frat Pack es la continuacion de la mejor tradicion de la comedia americana los hermanos Zucker, Woody Allen y Andy Kaufmman el maestro del anti-humor.Adam Sandler es otro nombre aparte de la comedia norteamericana al igual que algunas peliculas de Kevin Smith, el ingles Edward Right, Dennis Dugan, Danny Leiner, la series de la MTV jackass o Dirty Sanchez y otras manifestaciones y directores de comedia.

The Frat Pack Trib

JAMES GUNN

Gunn asistió a la Saint Louis University para su beca de teatro. Siguió sus estudios de graduado en la Universidad de Colombia, consiguiendo su MFA en Escritura creativa.
Gunn comenzó su carrera de rodaje con la Troma Entertaiment, para quien escribió y co-dirigió Tromeo y Juliet(1996).
Después de la contribución en varias peliculas Troma .Gunn escribió, produjo y dirigió su propia comedia de superhéroe,
Gunn también ha escrito una novela,The Toy Collector novela de culto post-moderna encuadrada dentro de la "Transgressional fiction" Con Lloyd Kaufman hizo "Todo lo que Tengo que Saber del Rodaje del Vengador Toxico" un libro sobre Kaufman y Troma. Durante sus años de colegio, también escribió tiras cómicas para varios periódicos de colegio y revistas underground
Como músico, Gunn prdujo un álbum con su cinta, The Icons ,la Mamá,We Like Here On Earth (1994). ha escrito la música para las películasThe Low Life(1994), y Scooby-Doo , Scooby-Doo 2.
El primer hit de Gunn para Hollywood fue Scooby-Doo (2002). desde entonces ha escrito guiones como Scooby-Doo 2: (2004) y Slither con claras referencias a maestros como Stuart Gordon, David Cronenberg o John Carpenter. James Gunn es también parcialmente responsable del guión de la nueva versión 2004 Dawn of the Dead a pesar del encubrimiento en los creditos. Después de que Gunn dejara el proyecto temprano para concentrarse en Scooby Doo 2.Sus ultimos proyectos han sido Slither (2006) y
LolliLove (2006)

James Gunn en Internet Movie Database
James Gunn at MySpace
JamesGunn.com Official Site
Retrieved from "http://en.wikipedia.org/wiki/James_Gunn_(filmmaker)"

COMEDIA CASTIZA

España de siempre mas en literatura que en cine ha tenido una muy buena tradicion en lo referente a la satira y la comedia, En Lope de Vega la novela picaresca, elquijote , Quevedo , Valleinclan, encontramos retazos de comedia, en muchos casos dentro de un marco social, en otros una comedia de risa amarga un tanto acida, y en el cao de Valleinclan y quevedo la connotancion mas grotesca y caricaturizada con el esperpento. Autores españoles como Miguel Mihura , publicaciones de humor grafico como la Codorniz o El Jueves han sabido dar un ejemplo perfecto de humor absurdo y denuncia social, humoristas como Luis Sanchez Polack, Gila, Antonio Ozores ponen el liston muy alto en la comedia de nuestro pais . Con la llegada de la democracia y la libertad de expresion se dieron numerosas manifestaciones de humor escatologico y sexual tradicion que se encargarian de heredar los 80 en algunos titulos, y que la mayoria de las veces se extenderian a los mas variados registro de comedia Titulos como Bajarse al Moro, el bosque animado Berlanga darian paso a la llegada de los 90 y la vertiente mas experimental y variada de la comedia castiza. Alex de la Iglesia, Santiago Segura, Javier Fesser, Karra Elijalde y muchos autores mas han puesto ha este genero en un lugar muy interesante con gran proyeccion de futuro no muy apreciado por la critica y el publico, pero que sin duda dara por llegar a titulos muy interesantes.

Airbag. Surgida de la imaginación de Karra Elejalde y Fernando Guillén Cuervo, hija del delirio y el exceso, definida como una fábula moral llena de inmoralidades, "Airbag" lleva consigo el germen de la controversia y de la provocación. Básicamente estructurada como una road movie, su historia crece como una espiral de locura y sorpresas. Torrente Santiago Segura sin saber muy bien donde se metia, estreno Tprrente una comedia totalmente amoral que se rie de todo sin tomarse nada en serio como una buena comedia debe hacer Segura hace mirarnos en el espejo para descubrir que todos tenemos algo del pesonaje Torrente en nosotros. Lo mas miserable y mezquino de nuestra condicion sale a luz de una manera en la que solo se puede reir, con cierta mala uva, eso si pero de una manera muy sana. El otro lado de la cama. Las relaciones de pareja son una fuente inagotable de inspiracion para comedias y tragedias. David Serrano renueva el musical, en una siemopre agradable de ver comedia con PAz Vega, Ernesto Alteiro y Guillermo Toledo

El milagro de P Tinto.una película surrealista comica española, relatada en retrospectiva, dirigida por Javier Fesser y escrita por él mismo junto con su hermano Guillermo Fesser (miembro de Gomaespuma). La película, estrenada en 1998 ganó el Premio Goya a los mejores efectos especiales

AMADOR

Obra maestra del Thriller español dirigida por ese genio incomprendido del cine español que es Francisco Regueiro. La pelicula esta fuertemente influenciada por el cine de Alfred Hitchcock y Clouzot, protagonizada por Maurice Ronet quien da vida a Amador, a traves de la voz en Off descubrimos a un personaje debil y misoginio que ve el homicidio como salida y unica solucion a sus problemas, la pelicula se desborda de la linea seguida del cine español de la epoca con peliculas de corte realista y social. Amador es un oscuro thriller que ofrece mas que interesantes planteaminetos cinematograficos en una pelicula española del año 64. Se debe revindicar Amador como ejemplo de interesaate e inovador proyecto del cine español del franquismo.

LAST DAYS

Film que narra los últimos dias de la vida de Kurt Cobain con Michael Pitt haciendo de Kurt con un parecido fisico mas que razonable y una interpretcion mas que convincente de la leyenda del rock, tambien estan la cantante de Sonic Youth Kim Gordon, el director y guionista Harmony Korine y Lukas Hass, La pelicula esta encuadrada dentro de la vertiente mas experimental que Gus Van Sant ha tomado con sus ultimos tres proyectos, Last Days, Gerry y Elephant. La pelicula juega con tiempos muertos y planos fijos que se alargan mas de lo convencional, con contar el mismo suceso desde distintos puntos de vista, con dialogos que no forman una narrativa habitual, realmente no se cuenta una historia con un argumento un desenlace y un desrrollo sino que mas bien es un acercamiento al cine de caracter hiperralista con una mirada detallada de los ultimos retazos de vida del cantante de Nirvana. De Van Sant hay que coger con buen pie esta pelicla y aceptarla con todo lo bueno y lo malo. Se podria pensar que esta manera de hacer peliculas es pedante estupido y es una manera simplona y pretenciosa de llenar un metraje de una hora y media con planos fijos de algo aparenemente irrelevante durante mas de 5 minutos, que 5 minutos en cine para un plano fijo es todo un mundo. A mi me parece que la pelicula intenta buscar su propio ritmo su propia atmosfera y lo consigue la mayoria de las veces , realmente es unapropuesta original no existe ni ha existido casi nadie que haga este tipo de peliculas con este planteamientos propuesto por Van Sant, Se aleja de todo tipo de convencionalismo si, pero tambien podra parecer extremadamente tediosa a quien este esperando un simple entretenimento en forma de montaje de videoclip, Last Days no entretiene no como lo harian otras peliculas es mas un acercamiento a los ultimos dias del cantante de Nirvana.

STREETS OF FIRE

> Hacer cine es como subirse a un tren en marcha. El destino está prefijado y no hay forma de modificarlo. Si uno se deja llevar resulta extraordinariamente agradable...» Walter Hill

Streets of Fire es más de lo que podemos analizar o escribir en este espacio. Vamos a dar algunas pistas, algunas sospechas, para poder entrever de qué trata una de las pocas obras maestras del cine de los últimos 30 años, y qué postula uno de los más fascinantes, difíciles y secretos autores de films de esta época: Walter Hill.

Streets of Fire, subtitulada una Fábula de Rock'n Roll, cuenta la historia de Ellen Aim (Diane Lane), estrella de rock que es raptada por Raven (Willem Dafoe) durante un concierto en el barrio llamado Battery. Su novio Billy Fish (Rick Moranis) no parece estar en condiciones para rescatarla. El caos parece apoderarse del lugar, y finalmente la dueña de un bar, Reva (Deborah Van Valkenburgh), decide llamar a su hermano, Tom Cody (Michael Paré), antiguo novio de Ellen, para que ponga las cosas en orden. Tom junto a McCoy (Amy Madigan), una amiga itinerante y disponible para la aventura, emprenden el viaje para traer de vuelta a Ellen. Esta es la fábula de Streets of Fire y es todo lo que necesitó Walter Hill para lograr una de las obras más originales y fascinantes del cine autoconciente.




¿Quién es Hill?
Como el mundo es perfecto, es comprensible que aún no se le haya prestado la atención debida, ya no merecida, pero ni siquiera necesaria a Walter Hill, para poder entender por dónde pasa el arte por antonomasia del siglo XX y ahora XXI. Poco, muy poco se ha escrito de WH que merezca la pena leerse. Hill es un artista que requiere mucho estudio, que requiere un tratamiento profundo, con metodología y conocimiento para poder entender de qué se trata su cine. Es uno de los estilos más difíciles por su transparencia, por su puesta inasible y su manejo del clisé. Lo mismo ha pasado con John Carpenter, quien es alabado por todas las razones equivocadas. Los execrables libros editados sobre su obra ("Prince of Darkness" de Giles Boulenger, "The Films of John Carpenter" de John Muir, etc.) no pasan de mediocridades miopes y reduccionistas que no han dado nunca un acierto en explicar la filosofía y la visión de JC. Ante tamaña falta de respeto, como cinéfilos que tenemos algunas pistas, preferimos mantenernos como monjes en secreto e intentar, entre nosotros, poner las cosas en orden. Contra esta ignorancia que ya se ha transformado en vergüenza ajena, preferimos el silencio y la contemplación. La ignominia de que aún no se haya reconocido en el Primer Mundo a Walter Hill como un genio, en realidad no llama la atención ni nos preocupa. Quizás esta miopía se deba a la propia incapacidad de la crítica ordinaria y despistada que suele atiborrar las editoriales y las páginas de la web con datos inútiles, estadísticas insufribles, ensayos olvidables y mala literatura crítica. Hace 30 años Walter Hill era un director a descubrir, hoy en día, escritores interesantes como Armond White y también John Demetry han comenzado a celebrar la obra de Hill, discutiendo sus valores intensamente.





¿Por qué Walter Hill es uno de los artistas más interesantes de los últimos años?

Porque ha trazado desde sus inicios un camino sin vacilaciones en su constante busca de la forma, porque nos ha entregado algunos films memorables y un buen puñado de obras maestras absolutas. Porque sigue, luego de 30 años, demostrando un genio inalterable para constituirse en opositor al cine actual resultado de acumulaciones de trivialidades, de subestimación y de mezquindad cultural. Porque planteó siempre una crítica visión del cine, una respuesta a la estética del audiovisualismo. Porque vislumbró el futuro del cine y estuvo siempre un paso adelante. Porque nunca cedió a las huestes de la carroña cultural. Porque postuló que si el cine debía constituir un "lenguaje", debía hacerlo a partir de un juego dotado de eficacia en cuanto juego, pero inútil a la hora de comprender o representar una realidad interna. Porque defendió la naturaleza fantástica del cine en toda su obra. Las películas de Hill son como alarmas intelectuales para recordarle al espectador qué es lo que está viendo, y qué es lo que recuerda del cine clásico. Y aún más, qué es lo que diferencia al cine de los demás medios en que el espectador se pierde constantemente: la televisión, el videoclip, etc. Para Hill, estos medios no son un problema, se los saca de encima casi sin esfuerzo (a diferencia de De Palma donde forman parte importante de un complejo de inferioridad que el director plantea constantemente desde Body Double —curiosamente del mismo año que Streets of Fire—) Es como que a partir de Streets of Fire, Hill postula una serie de principios respecto del espectador. Veamos: Siempre tiene que recordarle qué es lo que está viendo. Para ello apela al absurdo verosímil —desde la dirección de arte, la fábula y la diégesis, por un lado, y la prueba cinéfila constante, por otra—. Tiene que recordarles que están en el cine. Por eso cada escena parece citarse a sí misma, trabajando con elementos que, por ejemplo, la televisión no puede dar. No como efecto especial o efecto técnico, porque la televisión lo tomaría inmediatamente, sino como efecto estético intelectual. ¿O acaso alguien puede ver la televisión con fines estéticos? pareciera preguntarnos Hill. El arte contemporáneo está signado por la vida invasiva de todo aquello que rodea al artista y a su espectador. El problema ético se hace estético, como si fuese una aprensión con respecto al medio, en el cine esta situación se da a partir de lo técnico. Desde la Nouvelle Vague hasta Wenders se plantearon el problema de la separación entre la técnica y la facticidad. El cine norteamericano avanzó desde un punto de vista más experimentado trabajando el problema a partir de la reconversión del arte en géneros como rasgo de estilo. De allí las dudas de De Palma con respecto al material con el que trabaja (pensemos en el videoclip dentro de "Body Double") a diferencia de Hill o Friedkin, que no dudan porque no lo ven como a un problema ético. El cine nace sin "el aquí y el ahora de la obra de arte", partiendo de esa imposibilidad ontológica, el cine concibió una manera de remontar la falta de autoridad, de autenticidad de la obra reproducida. Obra expulsada del ámbito de la tradición, de la unicidad, vuelta vulnerable del encuentro azaroso entre espectador y obra. Esta manera secreta, poderosa en cuanto toma por sí los elementos constitutivos de la "atrofia del aura" —para citar a Walter Benjamin—, para reconstruir, mediante repeticiones, los nuevos valores de una autoridad renovada, es suma de funciones diversas entre las cuales la artística provoca una buscada reinstauración. El valor cultual de la imagen tiene su último refugio en el culto al recuerdo, sea éste referido a personas, lugares lejanos o desaparecidos. Allí es donde nace la idea de cinefilia. La preponderancia del valor cultual procede de la virtualización de lo sacro. El cine es el arte virtual por excelencia. Idea que Walter Hill concibió desde sus inicios y que lo separó, y lo sigue separando de la gran mayoría de directores norteamericanos contemporáneos. La cueva de Altamira, las columnas de Trajano, los tapices medievales, las catedrales góticas, la tragedia griega, son representaciones de la unicidad de la obra artística nacidas de una necesidad cultual y simbólica, necesidad que irrumpe en el cine como valor cualitativo de una naturaleza adoptada y adaptada como hechura de un objeto exhibitivo. Esto no es otra cosa que una fundamentación perceptible de los motivos por los cuales el cine es el arte más secreto. Porque podremos ver todas sus caras pero él nos mira con una sola.



Al igual que Hawks o Bogdanovich pareciera que Hill nació sabiendo. Desde su primer film: Hard Times postuló magistralmente temas fascinantes sobre la condición del héroe, el mito y la sociedad moderna, con una sabiduría y una excelencia en la puesta pocas veces vista. Como alguna vez explicó John Milius acerca de la diferencia entre los directores cinéfilos (Coppola, Lucas, De Palma, Milius, etc.) y los demás; dijo Milius, con la bella pedantería de un filólogo: «La diferencia es que nosotros conocíamos el cine».

Clasicismo y Liberalismo, dos ideas opuestas
La creación parte de la confrontación con lo clásico. El Arte debe buscar el equilibrio entre transgredir y conservar para poder trascender. Si no hay confrontación se cae en el conformismo. Si no hay creación se cierra el circuito entre tradición y traición, orden y caos, museo y poesía. Sin conservación no se puede lograr la dialéctica necesaria para la creación. La busca de la Creación dibuja un triángulo, un camino que pasa de lo racional a lo irracional, se vuelca al sueño y vuelve a lo racional. Recorrer ese camino, no quedarse en el medio, es la función del artista. La gran "trampa" del "establishment" es justamente ocuparse de los "artistas" que se quedan en la mitad del camino. El cine se separó del cinematógrafo y engendró un mundo propio. En ese mundo la puesta en escena intenta, como postulaba Joseph Conrad, hacer una rendición de justicia. Desde el momento en que construir catedrales y hacer cine son especificidades simétricas; hacer visible un mundo es acceder a sus múltiples visiones a partir de un punto de vista. La visión del artista no excluye la visión privada, la espiritual o cualquier otra que se muestre despojada de apriorismos, contenida en la pedestre tentación de adornar de distinciones teóricas a la artesanía. Filmar siempre una misma trama, insistir en la mostración del armazón del simulacro no es otra cosa que hacer ver que lo que se está mostrando no significa nada; que existe un sentido teleológico que está más allá, en el otro lado de las cosas (en el eje vertical por ejemplo). Esta es una de las ideas fundamentales del arte y aún no se ha entendido del todo. Se siguen citando a Minnelli, a Hawks como grandes genios del arte pero sin comprender de qué se está hablando. Sin la más mínima justificación. A Hill ni siquiera se lo intenta entender. El arte tiene el deber de hacerse cada vez más conciente. Así ocurrió en la pintura con Velázquez, en la literatura con Cervantes, en la música con Wagner y en el cine con Orson Welles. En el cine contemporáneo el artista tiende a perder la conciencia, tiene una suerte de duda terrena, y en otro lugar, que no es necesariamente el religioso confesional pero que sí es religioso en el sentido de re-ligar, lo religa con la tradición. Esa es la función del arte. Primero tiene una función ritual, una función de inclusión, luego pasa a ser una función de realidad que el espectador trata de alcanzar en sentido schopenhaueriano. El hombre para dedicarse al arte se pierde como hombre, sea artista o espectador que aspira a comprender una obra, y en esa misma pérdida está su salvación, su "santidad" como escribió Swedenborg. Hoy, la creación, para poder surgir, debe experimentar la paradoja de separarse y recrear al cine, de nutrirse de él y de excluirlo. De otra forma volverá de lo vivo a lo cristalizado, dejará el camino de lo irracional para permanecer en la indiferencia cómoda y segura de lo rutinario. Se perderá para siempre la busca de la belleza que es lo que denominamos "arte". Cuando una obra de arte muere con el paso del tiempo es porque nació muerta. El cine de hoy es un cine degenerado, un cine "sin centro" como decía Roberto Pagés. Esta pérdida de centro (que ya había sido explicada notablemente por H. A. Murena en "La metáfora y lo sagrado" y por Robin Wood en su "Howard Hawks") llevó al arte (a todo el arte pero es sintomático sobretodo en el cine, la literatura y la historieta) a una especie de anonimato siniestro donde todo se tornó tan público (por la negación de lo sacro) que los pocos artistas que hoy mantienen su arte son tan antinaturales, están tan desterrados de la normalidad, que su arte cae indefectiblemente en el desequilibrio de las formas (sea barroquismo o ascetismo, el artista elige el extremo), en la irritante compulsión de lo trascendente para poder representar. Sabemos que toda narración procede de una Inteligencia que organiza el caos generado entre el Mundo de esa Inteligencia y el otro, el Universal. Esa organización se encarga de enseñar una decodificación de los elementos de aquel Mundo hacia una inteligibilidad propia, precisa y crítica. Los errores en la decodificación producen extremos, el autismo o la pérdida de lo sacro son consecuencias de una falta de Inteligencia. Hill trabaja desde la puesta en escena porque es la forma en que su Inteligencia induce la causalidad que su Voluntad requiere. Si Hill ignorara esta situación caería en una suerte de paganismo artístico, equivocaría el papel de la Inteligencia en el arte, que es lo que sucede en la mayoría del cine que vemos últimamente.



La dificultad de aprehensión que provoca Hill parte de la básica afirmación borgeana de propender hacia una escritura para la manifestación de un universo ficcional. Cuando se traduce, "cinematograficamente" dramaturgia o novela, la escritura convoca palabras que se traducen en gestos que el cine revela buscando un estilo neutro, una lectura, un matiz que niega el código de la fuente, con el riesgo de caer en un modelo fijo, en una traducción mecánica de signos y citas que conducirían a un anti-decoupage semiótico. El trabajo del director comienza modelando estas traducciones (argumentos) dentro de un discurso que puede durar un plano, un filme, una saga o bien no terminarse nunca. (Los "for ever work-in-progress directors" de Truffaut) Son ejemplos de equilibrio perfecto los filmes de George Cukor o de Joseph Mankievicz donde se logra el sentimiento de, por ejemplo, Tennessee Williams sin que advirtamos al artista hojeando y tomando notas. La escritura en Hill toma cierta herencia "hemingwayana" que se bifurca en otras estéticas, otros lugares. Hill sabe que el arte le pertenece y que todo tiene su lugar, hasta el error. Siempre debemos teorizar si un filme funciona esteticamente. No importa cuán bien esté filmado desde el punto de vista técnico, fotográfico, escenográfico o actoral. En términos cinematográficos, Hill adapta una dirección definida hacia la inmediatez de la realidad en términos de imagen. De esta forma el espectador no puede no aceptar la mostración de un mundo fantástico desde un punto de vista realista porque la situación dramática que Hill desarrolla es tan necesaria e inevitable como su contexto y la interacción entre éstos. Aquí es donde reside la maestría de Hill para provocar con el mínimo esfuerzo (o así lo parece) un complejo laberinto de asociaciones que llevan a la interpretación y viceversa. El montaje, los decorados, las vestimentas, los movimientos de cámara, de personajes, la marcación actoral, el uso de la música y los sonidos, etc. son elementos que por una aparente y lógica falta de libertad que Hill se impone en el momento de narrar, desprenden relaciones simbólicas que, dada la perfecta organización de forma y credibilidad, constituyen un circuito abierto que contribuye a la alimentación de sentido del film por sí mismo.



Una de las cosas más interesantes de WH es su manera única de mostrar una visión del mundo suprimiendo toda opinión y noción al respecto del yo director, y al mismo tiempo crear esa opinión mediante el yo narrador sin ningún recurso que pueda ser creado fuera del cine. Por ejemplo: el tiroteo final de "Another 48 Hours" es su impresión de que ya no se puede filmar "La dama de Shanghai" de Welles, por un problema de credibilidad, ya que para ponerlo en escena se debe precipitar el artificio. En el cine europeo, los autores tienden a transformarse en un género en sí mismo pero intransferible. En cambio Hill concibe distintos géneros para no quedar pegado a ninguno, para simular la ausencia de un estilo narrativo en cuanto autor, justamente para lograr todo lo contrario.

Lo Fantástico en Hill
En el cine lo fantástico presenta el conflicto fáctico de lo visible frente al perseverante realismo del mundo representado.Streets of Fire recuperó para el cine la esencia de lo fantástico. Lo fantástico debe ser sin solución de continuidad, un choque que provoque una ruptura, el quiebre de un orden. Streets of Fire recuperó la tautología fundante del cine como hecho fantástico. Esto que fue una reacción natural en un autor como Walter Hill, provocó una limitación, una degradación de la aprehensión simbólica a la que es tan afecta el fantástico. Y es en esta falta de asimilación donde el trabajo del espectador favorece lo alegórico. Es por esto que Hill decide intentar otro camino, un contrasentido extremo que consiste en alterar el estado diegético, revertirlo para poder partir desde otro lugar. La habilidad de Hill, un director siempre adelantado a los tiempos, radica en liberarse de esta dominación a partir del mismo elemento que la limita: la falta de un orden para la instauración de lo fantástico. Tanto es así que el primer nivel de diégesis, el de situación, es sólo musical. Hill lo indicaba ya desde los títulos: "fábula de rock'n roll."



En el momento de filmar Streets of Fire, Hill estaba inventando una manera de sacar al cine adelante. Luego de "Apocalipse Now", luego de revelada toda la historia, había que rebobinar, había que barajar y dar de nuevo para acomodarse a una nueva era del cine. Es por ello que Streets of Fire utilizó recursos para cambiar la manera de mirar cine, fue necesario en ese momento para captar la atención. Para entender el manejo que hace Walter Hill de la imagen, citamos estas palabras de Walter Benjamin: «A medida que se seculariza el valor cultual de la imagen, nos representaremos con mayor indeterminación el sustrato de su singularidad» (1).
Conviene tener presente que la virtuosidad del estilo no es para Walter Hill, un formalismo que se agote en sí mismo, sino que se encuentra ligado, de manera interna a una concepción del discurso según el cual la imagen inmediatiza signos que se acumulan en una estrategia. Esa es la función del director y Hill la lleva a cabo con elegancia clásica. Esto debiera alcanzar la gravitación extrema de los límites arbitrarios que toda obra formula, a manera de juego, con el espectador. El cuestionamiento de un signo residual, la sustentación de la precaria validez de una abstracción, o su sospecha, pueden ser también parte de esa estrategia que el director derivó. Criticar la obra, teorizarla, es la respuesta simple, ordenada y justa.

El Anarquismo heroico
Hill sería, según Levi-Strauss, un anarquista de derecha. Sería el último estamento del anarquismo americano, un anarquismo conservador, que, curiosamente y a diferencia del anarquismo tradicional, quiere imponer el orden. O mejor dicho: un orden. Y ese orden es un orden trascendente que debe ser reinstaurado. Éste es el trabajo del héroe Hilliano. El héroe de Hill es de Derecha porque quiere conservar su propia Tradición pero al mismo tiempo es anarquista porque quiere que lo dejen en paz. Esta es la postura de Hill como artista y para entenderla profundamente debiéramos interrogar a Walter Benjamin. Benjamin postula que en la Modernidad, el problema del arte es la pérdida del intermediario jerarquizado. En la Edad Media, este papel lo cubrían las cofradías, las corporaciones y los gremios. Los artistas se remitían a ellos para poder continuar, para tener una guía que seguir. En el Renacimiento estaba el Tirano que discutía con los artistas y finalmente aprobaba la Obra. Estos personajes eran intermediaros jerarquizados del arte, porque nadie veía nada hasta que estuviera aprobado por ellos. Lo importante de estos intermediarios es que tenían un orden trascendente. En el cine clásico esto se degradó, pero continuó, hasta la década del 60, de alguna manera a través del cine de los grandes estudios y sus "tiránicos" productores. Hoy en día los directores de cine se enmascaran en la artesanía más pura para poder lograr, secretamente, el restablecimiento de este orden trascendente. Desde ese enmascaramiento, se enarbola la diatriba contra esta pérdida, donde el cine se constituiría en una posibilidad de poder, de hacerse cargo de esa situación. Así, Carpenter parece gritarnos en cada fotograma: "¿Uds. creen que yo hago películas de terror por las películas de terror en sí mismas? O De Palma: "¿Uds., insensatos, creen que muevo la cámara porque juego al barroquito?" o Hill: "¿Uds. piensan que yo hago cine de género por el cine de entretenimiento en sí mismo?"

Hill metaforiza su propia postura en la de sus héroes, que no tienen con quien hablar, a quien pedirle instrucciones.

Para lograrlo, los héroes Hillianos deben colocar a la Ley, a la Autoridad, en oposición a la lectura de sus valores tradicionales: justamente como un anarquismo de derecha en cuanto mecanismo de composición y representación —genial— que sólo puede darse, como recurso, en un lugar como Estados Unidos. El cine es valor agregado. Todo lo que Hill muestra guarda relación con el mundo fuera del film.



Fusiones, influencias, confluencias y confusiones
A lo largo de Streets of Fire, Hill va enunciando los epítomes del arte contemporáneo: la fusión, la cita, el atosigamiento testamentario, la reflexión sobre el pasado, el impulso autodestructivo del artista en los 70 y 80. Estas son las directrices donde abreva la estética hilliana. Hill desecha el realismo pictórico, no el platónico, filma el mundo de un realista mediante la introducción de la especulación y la idea del arquetipo en la esencia del arte. Hill es un individualista en un sentido estético, es más: es un individualista absoluto, filma para expresar el juicio total de cuanto le preocupa resumiendo toda su visión en unas pocas escenas. No ha habido quizás director que esté más conciente que Huston (y luego Eastwood) de estar al final de una época, como Hill de estar al principio de otra. Si no es otra cosa un cinéfilo que una perpetua y errante herida en el alma que quiere más y más cine para saciar un fuego que no se consume, y al cual se lo combate con intensidad religiosa, entonces Hill es un cinéfilo de ley. Filmar el mundo de un realista es pasearse por los decorados de un escenario moral. Eso es el cine de Hill. Como el sacerdote que construye el conocimiento de un mundo a partir de un atisbo en el confesionario, así funciona la puesta en escena Hilliana, como suma de abstracciones que forman una red de correspondencias a lo largo del film. Todo el cine, repito: todo, el cine de acción de los últimos 30 procede de Walter Hill, de The Warriors, de 48 hours y especialmente de Streets of Fire, hasta llegar a la extraordinaria Another 48 hours, que incluye su propia reflexión sobre estas cuestiones. El mismo Hill fue uno de los primeros en tomar conciencia de la idea de que se debía regresar a un estado de pureza estilística para poder confrontar con el sistema artístico liberal. El otro fue Carpenter. Ambos mantienen esa postura, la cual les da aire para poder seguir filmando. Para Hill sus fábulas no son compasivas, sí su puesta en escena. Se compadece por el hacer, desarmando ciertos componentes del discurso clásico, con un doble resultado: un sentido estético y otro estetizante. Justamente para que se note que no debe ser tomado como entretenedor en un sentido liberal. Jim Thompson, Borges, Hemingway, West Side Story, el futurismo italiano, Edward Hopper, Raoul Walsh, Von Stemberg y hasta casi cualquier cosa que se esté filmando en estos momentos, todos imprimen fotogramas de Walter Hill. Hay palabras en Shakespeare que un isabelino podría haber escrito en un momento feliz, seguramente esas cosas hubieran sido apreciadas. También es probable que esas palabras fueran admiradas y recordadas, pero esto no hubiese tenido importancia en Shakespeare. No porque no haya agregado algo a la literatura, sino porque no agregó nada a Shakespeare; a nuestra comprensión de la visión de Shakespeare y a nuestra síntesis respecto de esa visión. El problema surge en la medida en que fue Shakespeare quien escribió y no cualquier poeta isabelino, es decir: en la medida en que aquellas palabras forman parte de lo que ahora admiramos, que entendimos la diferencia en las apreciaciones entre un autor y la producción media. Esto es la teoría de autor. Así Shakespeare, en su momento, fue bien apreciado en esas otras cosas y no lo fue en cuanto a Shakespeare. Lo mismo le sucede a Hill en su tiempo contemporáneo, su arte produjo un medio que para su tiempo constituyó una forma anónima, universal de representación.

The Hill Set
Hill desecha también el realismo. Sólo conserva el realismo en la causalidad fáctica que condiciona la fábula. Lo demás es equilibrio Mitryano. El tratamiento del espacio es una de las claves de la puesta. La película empieza y termina en un escenario, entre ambos espacios, que es el mismo, circulan, también, otros escenarios donde se canta, se baila o se pelea. Hay una idea de espacios cerrados —contrapuesta a la idea de espacio abierto del western—. Inclusive los exteriores están mostrados como un único set que se desarrolla a lo largo de una calle. El resultado es una rara mezcla de opresión y falsa seguridad por el encierro. El barrio de Richmond es un par de calles mojadas, fachadas y vidrieras, y un laberinto de columnas que sostienen al ferrocarril que atraviesa a lo largo. El "pavoroso confín de lo fantástico" como apuntaba Baudelaire es el "Battery", lugar que es fin y principio de todos los posibles "road-movies" que Streets of Fire contiene. El Battery tiene varias caras. Una es la post-industrial (donde deambula el "oráculo" (2)) que da la idea de "falta de producción", de herrumbre, de una larga decadencia del ambiguo rótulo de "civilización". El Battery es inicialmente fantasmagórico y finalmente infernal. Es la cara terminal del Modernismo Baudelaireano. Hill emplea una escenografía muy arquitectónica (como un Fritz Lang pasado por un filtro psicodélico y reeducado por la historieta), pero para mostrar el vacío de la forma. Los interiores son los que llenan los espacios, provocan la asfixia: hay un futurismo abyecto, mostrada en forma tan sublime como fugitiva. En el Battery, el bar, el reducto de Raven, parece ser lo único que existe en el mundo; quizás es el mundo. El Torchie's es un mostrador, una banda tocando, una escalera, un pasillo y gente bailando. No hace falta más, tampoco menos. Si Driver era laberinto sin centro, Streets of Fire es centro sin laberinto: los personajes no intentan salir. Están presos del decorado, no son concientes de esa situación, con excepción del héroe. Actúan en función del mismo, padecen el decorado. Inclusive en los films en que Hill utiliza más la inteligencia que la inspiración, la busca de parcialidades para ordenar una visión del mundo es sintomática.
Crítica por Juan E.Lagorio

PARIS JET AIME

Pelicula colectiva en las que participan unos veinte directores , los hermanos Coen, Walter Salles, Gus Van Sant, Isabel Coixet, Frederic Aurbuttin..., los cuales participan en la pelicula con una historia de unos 10 minutos formando un entrelazado conjunto de 22 historias de amor con sorpresa fina. En un principio se iba a contar con Michel Gondry y Spike Lee pero abondonaron el proyecto . Antes de la llegada de "Chacun son cinéma ou Ce petit coup au coeur quand la lumière s'éteint et que le film commence" film que contara con Cimino, los Coen, Cronenberg, Oliverira, Egoyan, Amos Gitai, Iñarritu, Kiarostami, Kitano, David Lynch, Walter Salles, Roman Polanski, Gus Van Sant, Lars Von Trier, Wim Wenders, Won Kar Hai, Zang Yi Mu, Nani Moretti, y alguno mas, la lista es impresionante, nos llega Paris Jetaime. Esta pelicula es una agradable sorpresa en momentos de cierta confusion y reciclaje de ideas como pasa hoy en dia en la mayoria de las peliculas estrenadas que no tienen una identidad propia, y no se sabe muy bien si son productos comerciales o cine de autor, aun si lo verdadreramente importante es una pelicula es la emocion que pueda despertarte independientemente de las etiquetas puestas por criticos y no criticos de cine. Paris Jet Aime consiguio emocinarme con determinadas historias sobre todo la ultima "14th arrondissement" del norte americano Alexander Payne sin duda la historia mas destacada de la pelicula, tambien me gustaron el segmento de la Torre Eifel de Sylvian Chomet y el segmento dirigido por Oliver Schimidt, el de Isabel Coixet con un monologo interior que se sucede en tiempo real a la vez que va pasando la narracion es una aportacion muy correcta, como lo fue la extraña historia de reencuentro y desamor de Bob Hopkins , las grandes decepciones, debido a la grandes expectativas que habia con los grandes nombres fueron Gus Van Sant, Walter Salles, Los Coen , Alfonso Cuaron Tom Tywker , Vincenzo Naltalli, aunque si la veo una segunda vez seguro que cambio de opinion, todas las historias tenian algo que aportar al conjunto. La de Van Sant fue una historia de amor a primera vista entre dos muchachos con problemas idiomatiocs, la de los Coen una curiosa historia en el metro de las Tullerias con un Steve Buscemi turista en una misteriosa y hostil Paris, Walter Salles nos acerca un sencilla historia de una inmigrante que logra sorprender debido a su sencillez, el maestro del cine de Terror Wes Craven hace un acercamiento a Oscar Wilde y la pasion de los primeros dias de la relacion amorosa, Oliver Assayas tambien cumplio y Cuaron presento un bonito Plano Secuencia con Nick Nolte como protagonista, sin duda la mejor la ultima de Alexander Payne un cineasta capaz de encontarar en el espectador sensciones contrastadas.

BURNING MAN FESTIVAL

El festival Burning Man es el Woodstock del siglo XXI, un festival alucinante que merece la pena visitara la menos una vez en la vida llevado a cabo en la localidad de Reno, Nevada; Este festival organizado por la compañía Black Rock City, LLC, . Fue fundado en 1999 por Larry Harvey, y se lleva a cabo cada año hasta el termino del Labor Day estadounidense en Septiembre. Este festival se lleva a cabo en un lugar llamado playa en el Black Rock Desert en Nevada, a 150 km (90 millas) al noroeste de Reno. La localización de la playa ( cambia cada año. Esta ciudad temporal es un experimento en Comunidad, de muy variados individuos, con creencias diferentes, que se reúnen por 8 dias para Autoexpresarse muchas veces de forma radical, como lo es el nudismo entre otras expresiones humanas, La autodependencia, y auto expresión es parte de esta celebración. El nombre de burning man deriva de un ritual ,en el cual se quema una escultura de madera semejando un humano, en el sexto día.

Debido a las diferentes personalidades y costumbres de los que atienden al festival, Burning man no se enfoca en algún punto en especial. Las características del festival están sujetas a los participantes el cual incluye, los escenarios de la comunidad, trabajos artísticos, la incoherencia, el despropósito y lo absurdo, y la decomodificación (palabra inglesa creada, para expresar el desapego a la comodidad y la dependencia económica, que el gobierno o la cultura impone por medio del trabajo y otros medios), junto con la rebeldía individual en grupo. A los participantes se les anima a no ser solo un espectador, si no más bien un colaborador.[2] Existen 10 principios que gobiernan a burning man, los cuales son

1.la inclusión,
2.el don y la dádiva,
3.la decomodificación (lease más arriba),
4.una confianza o autodependencia radical,
5.una forma radical de autoexpresion, u originalidad,
6.esfuerzo comunal,
7.la responsabilidad cívica,
8.no dejar huella, leaving no trace, una forma educacional del departamento forestal de los Estados Unidos, nacido en los 70's, el cualse le insta a las personas que participan en actividades recreativas, no dejar basura de ninguna especie en los suelos de los parques nacionales,
9.la participación,
10. y lo apremiante



El don y la Dádiva En vez de llevar dinero en efectivo, los participantes dependen de la economía dadivosa, esta es una forma de Potlatch. desde los inicios del festival, el Trueque ha sido un punto principal, en el cual los participantes (burners:quemadores) intercambian materiales de uso o doméstico, o de otros usos, al igual que favores recíprocamente. En un principio los organizadores de Burning Man lo apoyaban, pero actualmente lo desaniman


En el medio de la nada, en un desierto californiano vacío y sin vida de repente algo se ve venir en el horizonte y comienzan a llegar autocaravanas, camionetas, gente, colores, música y objetos de todo tipo. 25 mil personas se ponen de acuerdo para convivir durante una semana en el desierto con sus propias reglas en algo que se llama Burning Man, una comunidad con fecha de vencimiento, un festival neohippie, algo casi imposible de definir. Dicen que es imposible describir el Burning Man sin haberlo visto, sin estar allí, que es imposible etiquetarlo y mucho menos definirlo porque este evento son muchas cosas a la vez. En primer lugar es un proyecto muy original que comenzó a realizarse desde el verano de 1986, cuando un grupo de 20 personas se reunió en una playa de San Francisco, California. El encuentro fue una verdadera celebración y se convirtió rápidamente en una tradición de la que cada vez más gente quiso formar parte. Quizás por la necesidad de encontrar un lugar donde uno puede mostrarse como la persona que quiere ser, por vivir en un espacio de absoluta libertad o por simple curiosidad, la gente comenzó a llegar año tras año y la plaza quedó chica, fue entonces cuando los organizadores tuvieron que trasladar el Burning Man a un lugar ideal, sin testigos cercanos, y ese lugar fue el desierto. La experiencia tan difícil de definir es una ciudad temporaria llamada Black Rock, o Piedra Negra, que se crea de la nada en el desierto de Nevada en Estados Unidos. Las 25 mil personas que participan van llegando y conformando Black Rock: una comunidad experimental que tiene como principal objetivo desarrollar todo tipo de expresiones artísticas en el marco de un tema preestablecido por los organizadores del Burning Man. Durante la semana que dura el evento no se permite vender ni comprar nada, por lo que cualquier persona que quiera participar, debe llegar todo lo imprescindible para subsistir, desde comida hasta papel higiénico, agua, jabón, ropa, lo que crea necesario para pasar una semana en el desierto. Es una excusa para vivir en un entorno completamente distinto del que pueden encontrar en su vida cotidiana. Y esto sin lugar a dudas, despierta la inspiración de muchos que de una u otra forma, sienten la necesidad de expresarse a través del arte, la música. También hay otros que ven la oportunidad de ponerse sus vestidos más extraños, y ser actores en el gran escenario del desierto. Durante la el Burning Man, sus organizadores viven dentro de Black Rock, y producen distintas obras o expresiones artísticas, ya sean instalaciones, esculturas innovadoras, campamentos temáticos o disfraces y performances. Todo comienza y termina en la semana que dura el encuentro. Pero estas obras no están del todo libradas a la pura imaginación: cada año se elige un tema; y cada individuo debe hacer lo posible para, desde su propia forma de expresión, aportar al tema general.
Desde sus comienzos, el Burning Man se ideó en torno a consignas que cambian todos los años. Temas como “El tiempo”, “Infierno”, “El mundo flotante” y “Fertilidad” fueron abordados en años anteriores, generando instalaciones de lo más variadas y diferentes unas de otras. Imagínense el poder de una consigna en una ciudad que es arte…



Burning Man 2005: Psyche

Este año el tema elegido es la Psiquis, la auto expresión, el auto conocimiento y exploración, la reflexión y el poder inconsciente de los sueños. Este tema tan interesante como abarcativo ha requerido que se divida el espacio en tres zonas: conciente, subconsciente e inconciente. El centro de la ciudad se corresponderá con todo aquello relacionado a la vida conciente. En este sector habrá una galería con salas interactivas, donde cada espacio representará un estado de ánimo diferente. Los participantes deberán avanzar a través de las salas, realizando diversos trabajos, como autorretratos. Quienes atraviesen toda la galería accederán al nivel superior de la construcción, desde donde podrán tener una visión panorámica de la ciudad. Para la zona del subconsciente se ha creado una estructura que representa una cabeza semi hundida en la arena. Cada tarde, los participantes se reunirán para marcar el comienzo de la noche y el momento en el que el “yo” suelta la conciencia y se sumerge en los sueños. El espacio que rodea a la ciudad será el escenario en el que se representará el mundo del inconciente; los organizadores invitan a que cada artista cree una instalación que ilumine el proceso interno de nuestra mente desconocida.

El Hombre Ardiente

El Hombre Ardiente es el centro de este festejo. Es una gigantesca figura humana, que se incendia durante la noche del último sábado del encuentro. Se ubica en el centro de la siempre cambiante ciudad y este año medirá más de 30 metros.
Los organizadores del Burning Man dice que la intención “es generar una sociedad que conecte a cada individuo con sus poderes creativos, a la participación en la comunidad, al mayor ámbito de la vida cívica y al aún mayor mundo de naturaleza que existe más allá de la sociedad. Creemos que la experiencia de Burning Man puede producir cambio espiritual en el mundo”. Y no es casualidad que el mismo centro del Burning Man sea esta gran figura que expresa el espíritu del evento: algo grandioso pero a la vez efímero.



Experiencias de algunos viajeros

Las historias de los que participaron en el Burning Man son todas diferentes y a veces da la sensación de que estén hablando de dos eventos diferentes. Algunos viajeros viven el Burning Man como una alucinación temporaria y cuando vuelven se llegan a preguntar si no fue un espejismo del desierto lo que los mantuvo despiertos durante la noche. Son los que sueñan todo el año con esa semana mágica y que planifican la vuelta durante meses. Los que publican fotos en Internet y recomiendan a todo el mundo esta imperdible experiencia.

Pero hay otros participantes que tienen una visión totalmente distinta de los hechos. Son los que fueron impulsados por la idea de una comunidad con ideales, los que esperan ver cumplido un sueño hippie y se encuentran con un desfile de modas itinerante. Los que van a hablar de socialismo y de una ciudad autosuficiente y de pronto se ven inmersos en una rave con música electrónica. Son los que buscan algo mucho más profundo los que terminan desilusionados.
Sí, hay gente que se mueve con estos ideales, pero la mayoría han ido a pasarla bien, a ser parte de algo, a vivir el espíritu festivo, a mostrarse, a asombrarse, a ser raros por una semana y luego volver a sus casas y oficinas… Ese es el otro lado del Burning Man que es también un gran grupo de personas que van a desenchufarse sin muchas pretensiones.

Consejos y datos para el viajero

Si estás planeando formar parte de este evento, aquí hay algunos ítems que te pueden ser de gran ayuda:

• Alojamiento, movilidad y objetos necesarios

En el Burning Man no hay ningún tipo de hospedaje que pueda ser rentado, por eso deben saber que antes de planear un viaje al desierto tengan en cuenta llevar una tienda de acampar o algún tipo de estructura que les sirva de refugio. Lo mimos sucede con la comida, el transporte, la bolsa de dormir… Todo lo deben llevar ustedes. Se recomienda en ese caso ir con un automóvil propio donde podrán guardar lo imprescindible para subsistir una semana, sin echar nada de menos.

• Actividades en el Burning Man

Además de las distintas manifestaciones artísticas, los participantes realizan otras actividades, como andar en bicicleta por el desierto con los ojos vendados y organizar campamentos temáticos y desfiles de vehículos completamente transformados y decorados. Para eso debes llevar tu bicicleta, o tienda de acampar o lo que sea que necesites para estas actividades. Los organizadores de este evento han visto la necesidad de dividir a los participantes en dos grupos con sectores diferentes dentro de la ciudad. El sector para concurrir con niños y en familia se llama Kidsville y se aconseja a toda persona que no quiera estar en contacto con estos grupos familiares, que acampe en una zona alejada para evitar inconvenientes y la exposición de los niños a espectáculos no apropiados. Burning Man respeta el medioambiente y por este motivo se compromete a no dejar huellas físicas de sus actividades, donde sea que se realicen. En lo posible, tratan de dejar los lugares en los que se desarrollan los eventos en mejores condiciones que las iniciales. Ten en cuenta que debes ubicar tus desperdicios en algún lugar para llevarlos de vuelta a la civilización.



La guía

• Fechas: del 29 de agosto al 5 de septiembre.

• Lugares: En el desierto de Nevada, Estados Unidos.

• Boletos o entradas: El evento no tiene costo alguno.

• Información del Burning Man: Si desean saber más acerca de este evento, pueden ingresar al sitio oficial del Burning Man: http://www.burningman.com/


fuuentes extraidas de wikipedia y viajeros

PANKRATION

NOTA DEL EDITOR

Siguiendo la estela de inestabilidad de este blog , con las idas y venidas de sus editores y colaboradores, que no dan una seña de identidad propia a la pagina, y convierten el blog en un lugar para publicar articulos de cualquier tipo la mayoria de las veces copiado de otras paginas y publicados bajo un mismo pseudonimo, el rincon del cinefago con sus escasas 800 visitas esta a punto de cerrar ,A dia de hoy la mayoria de estos colaboradores, aficionados a la mala escritura sin un empleo fijo han abondanodo su participacion en este blog para dedicarse a la oricultura, la cata de vinos, el reparto de propaganda y la prostitucion masculina. La ultima incoherencia nos viene de la seccion de deportes de la cual se encarga "el perejil" el cual deberia llamarse el "el plagiador" el perejil nos trae en esta ocasion un antiguo deporte de la antigua grecia llamado, pamkration, el cual creo que ha elegido por el rasgo especial de que los contrincantes participaban completamente desnudos, aspectos que tienen intrigado al joven perejil, y de la cual al parecer nuestro colaborador tiene una fijacion enfermiza.

.Deporte milenario el pancratos podria considerarse el origen de laas artes marciales mixtas.El pankration era una competición de los Juegos olímpicos en la antigüedad.
Este deporte era una combinación de boxeo y lucha, que hace pensar hasta cierto punto en el catch moderno. Los griegos atribuían su invención a Teseo, cuando se enfrentó al Minotauro; o a Heracles, en su lucha con el león de Nemea. Se permitían los puñetazos, aunque los luchadores no envolvían sus manos con los himantes. Más o menos estaba permitido todo. Aplastamientos con los pies, manotazos, etc. Ni los genitales eran respetados. Burlándose de los atletas, el médico Galeno otorgó un premio a un burro por destacar en los pisotones. Echar la zancadilla, coger al adversario y lanzarse sobre él fue una práctica de lo más normal. Ataques como pegarle una patada al oponente en la barriga, que iban hasta hace poco en contra de las reglas en todos los deportes modernos, estaban perfectamente permitidas. Igual que hacer la tijera, puesto que así, teniendo enlazado el abdomen con las piernas, las dos manos quedaban libres para asfixiar al rival. Esta táctica fue precisamente la que le costó la vida al campeón olímpico Arriquión de Figalia en la 54ª edición de los juegos olímpicos (564 adC). Polidamas de Escotusa fue campéon olímpico en 408 adC.
Los golpes en la cara, la aplicación de presas de aplastamiento o de estrangulación, la rotura y la dislocación de miembros también eran técnicas de mucho éxito. Las reglas sólo penalizaban morder y sacarse los ojos, meter los dedos en la nariz o la boca del oponente.

Pausanias comenta sobre Sóstratos de Sición:

Al lado de la imagen de Lisandro está la del pancraciasta Sóstratos de Sición, también llamado Acroquersites. Éste siempre intentaba atrapar primero los dedos del oponente para rompérselos. Y lo continuaba haciendo hasta notar que el otro abandonaba la lucha. Alcanzó la victoria en las competiciones de Nemea, doce en total, tres triunfos en Olimpia y dos en los Juegos Píticos.

Leontiscos de Mesina usaba también esta técnica.

Puesto que en el pancracio no eran de aplicación las reglas de la lucha perpendicular, el combate duraba hasta que uno de los oponentes desistía, lo cual se señalaba levantando un dedo.
Al igual que en el boxeo y la lucha, esta competición tenía divisiones separadas para jóvenes y adultos. Lograr la corona en el pancracio sin antes haber sido ephedros se consideraba un triunfo notable. Tal fue el caso de P. Cornelio Ariston, que como vencedor de la lucha anterior tuvo que enfrentarse inmediatamente después a un rival cansado, es decir, a uno que había quedado fuera por sorteo. Por extraño que parezca el pancracio no era tan brutal como el boxeo. Por ello figuraba antes en el programa.

Publicado por Egroj

Fuentes extraidas de Wikipedia http://www.wikipedia.org

CALCIO FIORENTINO

El calcio florentino tiene sus origenes en Florencia en el siglo XVI era practicado principalmente por la aristocracia, Las dimensiones del terreno eran muy parecidas a las actuales. Dado el carácter aristocrático del juego, la gente de Charles II de Inglaterra - exiliados en Italia - a su regreso aportaron mucho en la evolución de éste juego. Se juega en dos equipo de 27 jugadores,en una arena cuadrangularr, el juego consiste en llevar el balon a la porteria contraria usando pies y manos, y llama la atencion por carecer de cualquier tipo de reglas por lo que todo tipo de agresiones y golpes es contemplado como algo normal. Antes del encuentro salen los equipos para tantearse y medir las fuerzas es la que son frecuentes todo tipo de peleas y palizas.

http://www.youtube.com/watch?v=WsRqSNSjy3E

http://www.youtube.com/watch?v=mHEuHOBaTaw&mode=related&search=

http://www.youtube.com/watch?v=LTOTnDpWJAk&mode=related&search=

RUIZ MATEOS SALE DE LA CARCEL

El empresario José María Ruiz-Mateos insistió hoy en su inocencia después de abandonar la prisión de Alcalá Meco y denunció que el juez encargado de su caso "seguía directrices extrañas". No obstante, rechazó acusar "a nadie" (incluido el Gobierno) sin saberlo con exactitud, aunque afirmó que "podrían ser los mismos" que lo llevaron a la cárcel anteriormente por el caso Rumasa.José María Ruiz-Mateos, fundador de los holdings Rumasa (35 empresas, 65.000 empleados) y Nueva Rumasa (16.000 empleados), es un gran emprendedor injustamente tratado por la opinión pública española.
Expropiado y desahuciado en 1981, veinte años después ha vuelto a construir un imperio empresarial desde cero. Su éxito no es casual, entre otras muchas cosas, José María Ruiz-Mateos es un paradigma de tenacidad. El mismo relataba un ejemplo de ello a Marta Robles en el libro “Los elegidos de la fortuna”: José María Ruiz-Mateos es un empresario español fundador de Rumasa, nacido en Rota el 14 de abril de 1931. En 1989 fundó su propio partido político, la Agrupación Ruíz-Mateos.
Consumada la expropiación, y tras alguna protesta de Alianza Popular (principal partido de oposición al gobierno del PSOE de entonces), los medios de comunicación españoles tuvieron poco interés adicional en el asunto Rumasa.
José María Ruiz Mateos, sin otro medio de recuperar el protagonismo público, comenzó entonces una serie de actos de protesta extravagantes que le volvieron a poner de nuevo en las páginas de los periódicos españoles. Algunos de estos actos de protesta fueron:
Contratación de avionetas que hizo volar sobre ciudades españolas con pancartas con textos acusando de robo al gobierno español.
Apariciones relámpago, burlando a la policía, en actos públicos (por ejemplo, en fiestas locales) por toda España, estando en búsqueda y captura.
El famoso incidente, muy caricaturizado ("Que te pego, leche", "Maaaaalvado") en el juzgado en el que golpeó en la cabeza con su puño a Miguel Boyer, el que fue ministro de economía en el momento de la expropiación.
Anuncios televisivos de productos de la Nueva Rumasa en los que José María Ruiz Mateos aparecía galanteando a una complaciente actriz, muy parecida físicamente a Isabel Preysler, entonces esposa de Miguel Boyer.
Presentación a las elecciones europeas ("Agrupación de electores Ruíz Mateos"), en las cuales el colegio electoral único le permitió obtener hasta dos escaños en el Parlamento Europeo. Muchos de los votos que obtuvo fueron un voto de protesta contra el sistema de partidos español.
Apariciones ante la prensa disfrazado de Superman con el logotipo de Rumasa.

Ruiz mateos se incluye en la figura excentrica del mundo empresarial, que no fracasa en ciertos aspectos y no tiene tanta suserte como otras figuras menos excentricas y que por l o tanto no tienen que preocuparse de cuidar su imagen. Estas figuras utilizan el sistema para enriquecerse y utilizan los medios de comunicacion para intentar lavar su imagen y mostrarse como personas cercasn que se amparan en la constitucion y en la democracia como el utopia definitiva, E intentar reciclar el concepto de hombre hecho a si mismo, podrian ser considerados como anarquistas del capital . Otra figura digna de mencion fue la de Jesus Gil.

Jesús Gregorio Gil y Gil, nació en El Burgo de Osma (Soria), el 12 de marzo de 1933 y falleció el 14 de mayo de 2004 en Madrid a causa de un infarto cerebral, a la edad de 71 años.Fue presidente, así como máximo accionista, del Club Atlético de Madrid y alcalde de Marbella. Comenzó su vida laboral en una tienda de repuestos de automóviles después de abandonar los estudios de Ciencias Económicas.[cita requerida]
A partir de 1987 llega a la presidencia del Atlético de Madrid, club de fútbol del cual era socio hacía 6 años. El 26 de mayo de 1991, Jesús Gil y su partido el GIL consigue la mayoría absoluta en la alcaldía de Marbella. Durante once años fue alcalde de dicho municipio.

CARLOS SLIM, NUEVO HOMBRE MAS RICO DEL MUNDO

Carlos Slim ha sido nombrado el 3 de Julio como hombre mas rico del mundo segun la revista Forbes. De esta manera supera por 1000 millones de dolares al numero 2 Bill Gates. El cambio se debe a la subida de las acciones en su empresa este mes de Julio. El hombre más rico del mundo desde el 3 de Julio del 2007, es un hombre de negocios mexicano de padre libanés y madre mexicana. Hijo de un empresario de bienes raíces. Estudió Ingeniería Civil en la UNAM. Desde joven comenzó a invertir en la compra de pequeños negocios los cuales los hacia prosperar, también así en la compra venta de bienes raíces en el centro de la Ciudad de México.
A principios de los años 80 Carlos Slim adquirió varias empresas sin mucho futuro convirtiéndolas en empresas sólidas y con una gran utilidad.
La actividad de Carlos Slim se diversificó en otros sectores; en 1997 adquirió acciones de la empresa informática Apple Computer, justo antes del lanzamiento de iMac logrando multiplicar su fortuna. En 1997 adquirió Prodigy, un proveedor norteamericano de Internet, Carlos Slim logró hacer de esta empresa un poderoso servidor de diversos servicios de Internet hasta lograr una alianza con MSN lanzando un portal en español junto con el apoyo de Microsoft. Slim posee empresas de telefonia, internet y banca.

Perfil en Forbes (en inglés).
Perfil en la base de datos de NNDB (en inglés

fuentes extraidas de wikipedia http://wikipedia.org

INCAUTOS

Pelicula de Miguel Bardem, protagonizada por Hector Alteiro , Federico Luppi y Victoria Abril. Inscrita dentro del llamado sub-genero del cine de timos y robos,. Recuerda a otra muy buena pelicula de timos "Los Timadores" de Stephen Frears. Con un guion irregular lo realmente destacable de esta pelicula es lo bien escrito de alguunas situaciones y la profundidad de los personajes. Tambien es de destacar la excelente aproximacion que se hace a la figura del timador, que tanto apego tiene en la literatura y cine españolas desde la apracion de la novela picaresca "El lazarillo de Tormes" , el timador es un ser carente de escrupulos capaz de mentir la mayoria de las veces y de cualquier artimaña con tal de conseguir su ojetivos, en el cual el lema "el fin justifica los medios" es perfectamente aplicable. Esto tambien se puede aplicar para politicos, figuras de la vida publica y empresarios de cualquier parte. Es Notable el uso que hace Miguel Bardem de los distintos tratamientos de la imagen y recursos formales tomados de la estetica de los spots y los videoclips.

SUGAR RAY ROBINSON

Púgil estadounidense. Durante su período como aficionado venció en los 89 combates en que participó. Adoptó el nombre de Ray Robinson, otro púgil amateur, para hacerse pasar por él y así poder disputar mayor número de combates. En 1939 y 1940 obtuvo la victoria en el torneo de los Guantes de Oro. Tras hacerse profesional, ganó sus primeros 40 combates. En diciembre de 1946 se convirtió en campeón mundial de la categoría welter y defendió su título, con éxito, hasta 1951. Al año siguiente se retiró, pero regresó a los cuadriláteros en 1954, año en que se adjudicó el título mundial de los pesos medios. Tal vez sus titulos mas famosos sean los disputados con Jake La Motta, con el cual perdio su primer combate , pero al que gano en su revancha, Estos combates fueron inmortalizados en la pelicula de Martin Scorcese y Paul Schrader Toro Salvaje. Al año siguiente perdió dicho título, pero lo recuperó en 1957 y, lo mantuvo hasta 1960, fecha en que fue derrotado por Paul Pender. Siguió en activo hasta 1965, cumplidos los cuarenta y cinco años de edad, y a su definitiva retirada sólo había perdido en 19 combates, la mayoría durante sus últimos cinco años como profesional.

JON PALL SIGMARSON

Jón Páll Sigmarsson (28 de abril de 1960 - 16 de enero de 1993 ) , halterófilo y powerlifter islandés ganador del World's Strongest Man en cuatro ocasiones. Es recordado por ser el unico strongman en ganarlo el evento cuatro ocasiones junto a su compatriota Magnús Ver Magnússon. Entre sus proezas en la competicion destacan arrastrar un avion de 70 tonelados a lo largo de 30 m en un tiempo de 75 segundos , empujar un camion a lo largo de varios metros, Levantar tronco con alrededor de 380 kg es puesto horizontalmente cargado de a sus espaldas. llevar dos objetos de 130 kg en cada mano, correr varios metros, volver y arrastrar un ancla de 300 kg. World Strongest Man es la mayor de todas las competencias dentro del atletismo de fuerza . Organizado por TWI , una compañía de IMG, el concurso se lleva a cabo en septiembre de cada año. Los competidores que llegan a competir son 25, divididos en grupos de a cinco.El esponsor de la competición es Met-Rx y la mayor parte de las veces la competición es dominada por países nordicos y de Europa Oriental. Cabe destacar que desde 1977 nunca salió campeón nadie de habla hispana, los únicos americanos fuerón estadounidenses y canadienses. Desde el año 2001 los competidores son calificados en el Strongman Super Series. Sigmarson fallecio a la edad de 32 años mientras practicaba peso muerto y sufrio un infarto de miocardio.

http://home.earthlink.net/~jonpallsigmarsson/

video en youtube

THE POLICE

Su estilo pasó del pop-punk de sus inicios (Outlandos d´amour) al reggae blanco que practicaron en Reggatta de Blanc, explotando su éxito en todo el mundo con su LP (Zenyatta Mondatta) al cual le seguiría Ghost in the Machine. Terminaron su carrera con un disco reconocido por la critica como una de sus mejores producciones: Synchronicity, en la cual se encuentra uno de sus tema más conocidos, Every Breath You Take.
Liderados por Gordon Matthew Sumner, más conocido como Sting (nombre derivado de un jersey de rugby a rayas amarillas y negras, en plan avispa, ya que siempre llevaba puesto en su juventud), Police fue uno de los conjuntos británicos con mayor éxito comercial en los años 70 y 80 gracias a su impetuoso pop-rock nuevaolero enriquecido por algunas dosis de reggae y un talento instrumental y compositivo bastante notable
Finalmente, las tensiones y egos entre los distintos componentes provocaron la disolución final del trío.
Sting inició una carrera en solitario llena de triunfos comerciales en donde había lugar para el pop con ínfulas jazz, soul o AOR.
Copeland tendió, entre otros proyectos, hacia la composición de bandas sonoras Alternativamente a su estancia en The Police editó varios Ep´s bajo el seudonimo Klark Kent, y posteriormente a Police formó parte de conjuntos como Animal Logic o el más reciente Oysterhead, junto al bajista y cantante de Primus, Les Claypool el guitarrista Trey Anasthasio de phish. Cooperó también tocando la batería en algunas piezas del álbum So de Peter Gabriel.
Por su parte, Summers colaboró con grupos de rock progresivo y jazz.

AYRTON SENNA

Nació en São Paulo (Brasil) el 21 de marzo de 1960 y falleció en competición en el Autódromo Enzo y Dino Ferrari de Imola durante el Gran Premio de San Marino, el 1 de mayo de 1994. También conocido por ser el mejor piloto de todos los tiempos.
Fue tres veces campeón del mundo, en los años 1988, 1990 y 1991. Logró también dos subcampeonatos en 1989 y en 1993, los dos por detrás de su gran rival el francés Alain Prost.
A lo largo de su carrera ostentó casi todos los récords que se pueden conseguir en este deporte, incluido el de mayor número de pole positions, que fue superado por el alemán, Michael Schumacher el 22 de abril de 2006 en el circuito de Imola.
Empezó a pilotar a los cuatro años cuando su padre Milton Da Silva le regaló un pequeño kart con un motor de un caballo de potencia. Su primera carrera fue en un kart a la edad de ocho años. Diría Senna: "Tenía sólo ocho años y la mayoría de los otros tenía 15, 18 e incluso 20. Las posiciones en la parrilla se determinaban por sorteo. Ponían unos papelitos con números dentro de un casco. Por ser recién llegado, fui el primero en coger un papel al azar. Saqué el número 1". En karting compitió en los campeonatos mundiales de 1978 (sexto), 1979 (subcampeón), 1980 (subcampeón), 1981 (cuarto) y 1982 (14vo). "El kart me proporcionó muchos momentos de placer y excelentes recuerdos -contaba Senna-, Nunca el pilotaje fue tan divertido como en kart. Allí aprendí muchas cosas. Mucho de lo que uso en la Fórmula 1 lo aprendí en kart" Desde ese entonces, ya usaba su particular casco amarillo con dos líneas, una verde y una oscura. Es precisamente a bordo de un kart donde Ayrton aprendió esa precisión para pilotar en lluvia, ya que en un principio no era un piloto óptimo en estas condiciones. Posteriormente participó en la Fórmula Ford británica. En la que fue campeón. En esos tiempos ya era observado por Frank Williams, quien sería su último jefe de equipo en la Fórmula 1.
El equipo donde debutó en la fórmula 1 Ayrton fue Toleman, para después competir desde 1985 hasta 1987 en Lotus, desde 1988 hasta 1993 en McLaren y en 1994 en Williams.



Su primer podium fue en el Gran Premio de Mónaco de 1984, bajo una intensísima lluvia. Ayrton partió desde la decimotercera posición en la parrilla y logró alcanzar la segunda posición detrás de Alain Prost en una carrera atípica que solo duró 31 vueltas. El propio Alain Prost confesó en esa carrera que si hubiese llegado Ayrton a alcanzar su coche, éste le hubiese dejado pasar, ya que Ayrton ese año no tenía opciones de disputar el mundial.
Ganó su primera carrera en 1985 en el circuito de Estoril, en Portugal, bajo una lluvia torrencial, cuando militaba en el equipo Lotus. Esta victoria dejaría claro que se iba a convertir en uno de los mejores pilotos de todos los tiempos sobre superficies deslizantes. Él mismo era capaz de correr en lluvia con neumáticos de seco, como se demostró en el Gran Premio de Bélgica de 1992.



Senna también demostró la falta de piedad en la pista con sus rivales, como ocurrió en el Gran Premio de Japón de 1990 en el cual Ayrton Senna golpeó el coche de Alain Prost, quedándose ambos pilotos fuera de carrera. Un año antes, en este mismo circuito, hubo un incidente similar entre Senna y Prost, Prost cerró el paso de Senna en la curva Casio mientras este último lo adelantaba y los 2 monoplazas colisionaron, Prost se retiró de la carrera pero Senna continuó, adelanto a Nanini y se alzo con la victoria para posteriormente ser descalificado por el director de la prueba debido a que después del choque cortó una curva.
A pesar de esto, Ayrton Senna es considerado como uno de los pilotos con más talento, inteligente y carismático de la historia del automovilismo. Pocos pilotos en la Fórmula 1 pudieron establecer una relación tan estrechamente íntima, personal y cercana con sus coches de carreras.



Prueba clara de ello fue el Gran premio de Europa de 1993 disputado en el circuito de Donington en el que Senna partía de la 3ª fila, y en el que adelantó a los cuatro coches que le precedían en la primera vuelta con un coche muy inferior y rebasando a pilotos como Michael Schumacher, Damon Hill o al campeón de aquella temporada Alain Prost. En aquella carrera bajo otro aguacero Senna dio una exhibición doblando a todos los pilotos excepto a Pros
Durante el Gran Premio de San Marino en Imola, el 1 de mayo de 1994, a la altura de la famosa curva de Tamburello, en la vuelta número 7 tras un aparatoso accidente en la salida, al reanudarse la carrera, el monoplaza Williams Renault FW16 de Ayrton Senna se estrelló a casi 300 km/h donde una de las ruedas de su monoplaza tras el accidente de golpeo la cabeza a gran velocidad. Tras el accidente, Senna, inconsciente y con serias heridas en el cráneo, yacía mientras la carrera era abortada y las asistencias médicas se acercaban hasta el vehículo. Fue necesario hacerle una traqueostomía en el mismo circuito, hasta que, minutos más tarde, fue trasladado en helicóptero al hospital de Maggiore de Bolonia, donde permaneció en coma. Poco después se produjo su muerte. Esa carrera la acabaría ganando Michael Schumacher.
Este hecho ocurrió un día después de que otro piloto, el austríaco Roland Ratzenberger, falleciera durante las pruebas de clasificación en la curva Villeneuve. El día mismo de la carrera se vio a Senna muy contrariado y sin ganas de correr por dicho hecho trágico, pero, en cumplimiento de su deber, terminó vistiéndose de ídolo de multitudes.
Mucho se ha discutido acerca de la causa del accidente y del motivo de su muerte. Recientemente, la investigación llevada a cabo por National Geographic determinó que la causa del accidente fue un inesperado derrapaje en mitad de la curva que hizo que Ayrton perdiera el control de su auto, al contrario de la teoría generalizada que habla de la rotura de la dirección. Lo que acabó con la vida de Ayrton no fue la deceleración brutal que resistió, sino que con el accidente, la rueda fue a impactar contra su cabeza dañándole de forma irreversible, aunque aguantaría vivo cuatro horas más.

Fuentes extraidas de wikipedia http://wikipedia.org