LEOPOLDO MARÍA PANERO, POESÍA COMO REDENCIÓN

Leopoldo María Panero (Madrid, 1948), poeta español, encuadrado dentro del grupo de los novísimos.

Panero es el arquetipo de un malditismo cultivado tanto como repudiado, pero ese malditismo no le ha impedido ser el primer miembro de su generación en incorporarse a la nómina de clásicos de la editorial Cátedra, contar con una espléndida biografía de J. Benito Fernández (El contorno del abismo, Tusquets, 1999) e insertarse en la historia literaria, las antologías y los programas académicos.

Hijo de Leopoldo Panero (1909-1962), poeta de sugerente voz, el joven Leopoldo María Panero, al igual que tantos descendientes de los prohombres del régimen franquista, se siente fascinado por la izquierda radical. Su militancia antifranquista constituirá el primero de sus grandes desastres y le valdrá su primera estancia en prisión. Tiene una formación Humanista, estudia Filosofía y Letras en la Universidad Complutense de Madrid y Filología Francesa en la Universidad Central de Barcelona. De aquellos años jóvenes datan también sus primeras experiencias con las drogas. Desde el alcohol hasta la heroína, a la que dedicaría una impresionante colección de poemas en 1992, ninguna le es ajena. En los años 70 es ingresado por primera vez en un psiquiátrico. Sin embargo,sus constantes reclusiones no le impiden desarrollar una copiosa bibliografía no sólo como poeta, sino también como traductor, ensayista e incluso narrador. A finales de la década de los 80, cuando por fin su obra alcanza el aplauso de la crítica entendida, se decide que ingrese de manera permanente en el psiquiátrico de Mondragón. Sin embargo, casi diez años después se establece, por propia voluntad, en la Unidad Psiquiátrica de Las Palmas de Gran Canaria. La vida de este poeta y su entorno familiar siempre ha desatado curiosidad en el ámbito cultural, como muestra la película de Jaime Chávarri, El desencanto (1974), un documental que refleja cómo era su familia, en plena desintegración del franquismo, acomodada e intelectual, pero también: desmembrada, autoritaria y en la que la figura de su padre pesaba aún con su ausencia. En la década de los 90 Ricardo Franco se fijaría de nuevo en Los Panero para filmar Después de tantos años pero esta vez, sin la presencia de la madre -ya fallecida-. En 2003 se le concede el Premio Estaño de Literatura por una antología poética de Túa Blesa, publicada dos años antes.


Sus distintas entregas poéticas aparecen con regularidad:

Por el camino de Swan (1968).
Así se fundó Carnaby Street (Ocnos, 1970). A partir de este poemario la melancolía de los mitos de su infancia corre pareja a un experimentalismo apasionado.
Teoría (Lumen, 1973).
Narciso en el acorde último de las flautas (Visor, 1979).
Last River Together (Ayuso, 1980).
El que no ve (La banda de Moebius, 1980).
Dioscuros (Ayuso, 1982).
El último hombre (Ediciones Libertarias, 1984).
Antología (Madrid.Ediciones Libertarias, 1985).
Poesía 1970-1985 (Visor, 1986).
Contra España y otros poema de no amor (Ediciones Libertarias, 1990).
Agujero llamado Nevermore (Selección poética, 1968-1992) (Cátedra, 1992).
Heroína y otros poemas (Madrid. Libertarias, 1992).
Piedra negra o del temblar (Madrid. Libertarias,1992).
Orfebre (Madrid. Visor, 1994).
Tensó (Ediciones Hiperion 1996). Con Claudio Rizzo.
El tarot del inconsciente anónimo (Valdemar. 1997).
Guarida de un animal que no existe (Visor.1998).
Abismo (Ediciones Endimión 1999).
Teoría lautreamontiana del plagio (Límite 1999).
Poemas del Manicomio de Mondragón (Hiperión, 1999).
Suplicio en la cruz de la boca (El Gato Gris, Ediciones de Poesía, 2000).
Teoría del miedo, (Igitur, 2000).
Poesía Completa (1970-2000) (Visor, 2001).
Águila contra el hombre : poemas para un suicidamiento (Valdemar, 2001).
Me amarás cuando esté muerto (Lumen. 2001). Con José Águedo Olivares.
¿Quién soy yo?: apuntes para una poesía sin autor (Pre-Textos. 2002). Con José Águedo Olivares.
Buena nueva del desastre (Scio, Lugo, 2002).
Poemas del manicomio del Dr. Rafael Inglot (Valdemar. 2002).
Conversación (Nivola. 2003).
Esquizofrénicas o la balada de la lámpara azul (Hiperión, 2004).
Erección del labio sobre la página (Valdemar. 2004).
Danza de la muerte (Igitur, 2004).
CD-Libro "Moviedisco Colección Lcd El Europeo". Carlos Ann, Bunbury, José María Ponce y Bruno Galindo (Barcelona : Moviedisco, D.L. 2004).
Poemas de la locura seguido por El hombre elefante ( Poemas de la locura seguido por El hombre elefante. 2005).
Presentación del superhombre (Valdemar Ediciones, S.A. 2005). Con Félix Caballero

Su obra narrativa incluye

En lugar del hijo (Tusquets, 1976), libro de relatos fantásticos.
Dos relatos y una perversión (Ediciones Libertarias, 1984).
Palabras de un asesino, (Ediciones Libertarias, 1999).
"Los héroes inútiles", [epistolario con el joven escritor Diego Medrano], (Ellago Ediciones, 2005)
También ha cultivado el ensayo:

Mi cerebro es una rosa, (Roger, 1998).
Prueba de vida. Autobiografía de la muerte, (Huerga y Fierro, 2002).
De una u otra manera, todas sus páginas, hasta sus traducciones, son autobiográficas. De hecho, las claves de su obra son la autocontemplación y la (auto)destrucción. Sin embargo, como ya señalara Pere Gimferrer en 1971, el tema de su poesía "no es la destrucción de la adolescencia: es su triunfo, y con él la destrucción y la disgregación de la conciencia adulta". Liberar la adolescencia como energía emocional, creándose una mitología propia, no oficial, es la actitud asumida desde el comienzo por Panero.



Last River Together
El poema La canción de croupier del Mississippi, incluido en su obra Last River Together (1980),es un buen texto en el que encontrar resumidas la mayor parte de las características de la poesía de Leopoldo María Panero.

Lo primero que llama la atención en este poema son los elementos culturalistas que van apareciendo de forma más o menos explícita:

El título, de clara evocación cinematográfica.
La cita que encabeza el texto: Quince hombres sobre el Cofre del Muerto/ Quince hombres sobre el Cofre del Muerto/ ¡Yahoo! ¡Y una botella de ron!, que es la canción que cantan los piratas en La Isla del Tesoro, de Robert L. Stevenson (evidentemente, también hay adaptación al cine).
Una evocación de La vida es sueño de Calderón de la Barca (Y sueño que he vivido...).
Menciones expresa a Pessoa y sus heterónimos (Me digo que soy Pessoa, como Pessoa era Álvaro Campos).
La referencia a Dulce pájaro de juventud (Sweet Bird of Youth, obra teatral de Tennessee Williams, que fue llevada al cine por Richard Brooks en 1962 y que cuenta cómo un vividor debe abandonar su pueblo, tras haber seducido a la hija del cacique. Instalado en Hollywood, se convertirá en el amante de una estrella otoñal).
La contradicción a Larra (Escribir en España no es llorar).
La referencia al filósofo centroeruopeo Ludwig Wittgenstein.
La mención al escritor francés Rémy de Gourmont (1858-1915) y su Le Livre des Masques. Portraits symbolistes, Gloses et Documents sur les Ecrivains d'hier et d'aujourd'hui, in-18, Société du Mercure de France, Paris, 1896.
Lo segundo son las múltiples repeticiones ya de palabras, ya de estructuras sintácticas, ya de versos más o menos completos. Repeticiones que parecen ser usadas tanto para crear una especie de ritmo obsesivo (tengamos en cuenta que el poema es una "canción") como para dar al texto una apariencia de monólogo interior.

En último lugar, habría que señalar los diferentes temas que van apareciendo a lo largo del poema: lo autobiográfico, lo blasfemo, la vida como sueño, el antiespañolismo (no en vano, uno de sus poemarios se tituló Contra España y otros poema de no amor), el malditismo (es tan bella la ruina). Temas que, de una forma u otra, se repiten, se modifican, se mezclan, para darle al poema ese carácter de obsesivo monólogo interior, ya mencionado en el párrafo precedente

Paginas de referencia para Panero

http://amediavoz.com/paneroLM.htm
http://www.13t.org/decondicionamiento/forum/viewtopic.php?t=150
http://www.13t.org/decondicionamiento/forum/viewtopic.php?t=147
http://www.youtube.com/watch?v=DKkkiYPobNA
http://www.youtube.com/watch?v=nV4I-s-Tt2w

TIM BURTON, UNA IMAGEN VALE MAS QUE MIL PALABRAS

Timothy William Burton nació el 25 de agosto de 1958 en Burbank, California. Tim Burton es uno de los cineastas más célebres del ultimo tiempo. Sus cintas, son de una delirante fantasía oscura y empáticos personajes, lo han convertido en un director de culto (sobre todo entre la juventud oscura y demás tribus urbanas). En el año 2006 recivió una nominacion para los Academy Awards por La novia cadáver.


Vida y obra [editar]Dibujante, escritor y artista plástico, Burton ha colaborado también en varias producciones animadas, comenzando su carrera en la Disney, donde fue parte del equipo de animadores de la película Tod y Toby (1981). Su primera película como director fue el cortometraje Vincent, que utilizaba una técnica de stop-motion (cuadro por cuadro con figuras tridimensionales). El guión narrado por Vincent Price, actor al que Burton admiraba desde su juventud, estaba escrito en rimas que rinden un claro homenaje a Edgar Allan Poe y contaba la historia de un niño que, como Burton, idolatraba al escritor. Burton trabajaría nuevamente con Price en Edward Scissorhands.

Desde entonces fue clara la inclinación de Tim Burton por lo gótico, lo fantástico y lo romántico. Sin negar sus influencias (mayoritariamente del escritor e ilustrador Edward Gorey) ha creado una estética muy personal en sus filmes y en sus trabajos literarios (que están en permanente deuda con Gorey). En estos, cuenta historias en tono infantil, pero cuyos personajes son siempre lisiados, fenómenos, seres excluidos de la sociedad o personajes populares que no se sienten en corcondancia con su estatus. En su filmografía también se hace evidente esta característica que es fundamental en el estatus de culto de Burton.

Su primer largometraje fue la adaptación al cine de Pee-Wee's Big Adventure (La gran aventura de Pee-Wee) (1985), célebre personaje de la televisión infantil. Desde su debut se podía detectar un estilo visual propio, oscuro y retorcido, que se confirmó con Beetlejuice (1988), disparatada comedia de fantasmas. Esta cinta, además de lanzarlo a la fama, fue la que dio a conocer mundialmente su particular visión y su no siempre comprendida estética.



Gracias a este trabajo se le encomendó llevar al cine a Batman (1989), mítico héroe del cómic. Eligiendo como protagonista a Michael Keaton (con quien ya trabajó en Beetlejuice) y como el villano a Joker (encarnado por Jack Nicholson), la película fue un éxito comercial que obligó a una secuela, igualmente dirigida por Burton. Batman Returns (Batman Vuelve) (1992), incorporó al elenco a Danny DeVito como El Pingüino y a Michelle Pfeiffer como Catwoman, quien, en una escena, metió en su boca un pájaro por unos cuantos segundos, sin necesidad de dobles o efectos especiales. La dirección de arte de Batman fue uno de los puntos claves de su éxito, de la mano de Anton Furst quien unos años más tarde se suicidó.

Sin embargo, su consagración con un público que desde entonces lo sigue asiduamente llegó con Edward Scissorhands (Eduardo Manostijeras o El Joven Manos de Tijera) en 1991. La historia sobre un viejo inventor que crea a un joven a partir de una máquina de cortar galletas, pero muere antes de acabarlo. El chico, que se queda todavía con tijeras en lugar de manos, busca un lugar en una sociedad prejuiciosa e hipócrita. Las actuaciones de Johnny Depp, Winona Ryder y Dianne Wiest lograron para Burton una película de culto. Es tal vez su estética visual llevada al límite, tanto en la composición de cuadros como en los colores y los diseños de los lugares, los personajes, los objetos. Representa su clara visión del romanticismo más inocente, el de un joven que no sabía lo que era el amor, es tal el sentimiento que se ejerce que resulta emotivo y entrañable.



Desde 1990, Burton había trabajado como productor y director de arte en un proyecto que había esbozado desde sus años de animador con la Disney: The Nightmare Before Christmas (Pesadilla antes de Navidad o El extraño mundo de Jack) (1993), una cinta de animación cuadro por cuadro (Stop-motion) con muñecos tridimensionales. La película fue dirigida por Henry Selick y consiguió más seguidores para Burton, al que siempre se confunde como director de esta pelicula, la banda sonora fue compuesta por Danny Elfman, un músico que siempre ha estado al lado del director y cuyas canciones convirtieron a Pesadilla Antes de navidad en un gran musical. El diseño de las escenografías, los personajes y la historia hicieron de esta película una pequeña obra maestra no comprendida por la crítica. La historia del rey del país del Halloween que desea cambiar de aires y convertirse en un benévolo Papá Noel, sin embargo, fue bien recibida por el público y a la fecha los productos alusivos a la cinta se venden por millones, desde playeras hasta juguetes.

Burton tampoco negó la influencia de la ciencia ficción en sus cintas, sobre todo de aquella que venía del cine camp, de las películas de bajo presupuesto que se hacían en los años 50: cintas de monstruos, vampiros y otras atrocidades que se volvieron de culto con los años.



Esta influencia se volcó de lleno en su cinta Ed Wood (1994), de nuevo con Johnny Depp en el papel principal. Como el título lo indicaba, la cinta era la biografía (aunque en versión libre) del tristemente célebre director de cine Edward D. Wood Jr., quien por muchos es considerado "el peor director de cine de la historia". Las películas de Wood eran acartonadas, con malas actuaciones y torpes personajes que chocaban contra los decorados tirándolos; su temática era la ciencia ficción, el terror y el trasvestismo, pero inocentemente creía que era un director equiparable a Orson Welles. Esta es en sí la esencia del film de Burton, que deja ver el lado más sensible y original de Wood. Fue filmada en blanco y negro con un elenco envidiable, que incluía a actores como Martin Landau, Bill Murray, Jeffrey Jones y Lisa Marie con quien Burton tenía en ese entonces una relación sentimental. Esta cinta es considerada por muchos como lo mejor que ha hecho el cineasta, con un toque kitsch, rindiendo homenaje, de paso, al actor húngaro Bela Lugosi, quien hiciera el primer Drácula (1931) y quien en sus últimos años actuó en varias películas de Wood.

Inmerso en la iconografía kitsch de los años 50, el siguiente proyecto de Burton (conjunto a la producción de otra cinta de animación, James y el melocotón gigante) fue Mars Attacks!, que contaba con un elenco multitudinario, efectos especiales intencionadamente anodinos y marcianos verdes que venían a destruir la tierra. A pesar de su fracaso con esta cinta, Burton mantenía un estatus de poder y credibilidad en el cine. Eso se demostró con la gran acogida de su siguiente proyecto (para el que se demoró tres años), que era una revisitación de la obra maestra literaria de Washington Irving: Sleepy Hollow (Sleepy Hollow: la leyenda del jinete sin cabeza), para la que contó de nuevo con Johnny Depp y con actores de renombre como Christina Ricci, Christopher Walken, Michael Gambon y, nuevamente homenajeando a los clásicos actores de terror, Christopher Lee. Con una fotografía impecable y nominada al Oscar (de la mano del director de fotografía mexicano Emmanuel Lubezki) y una muy oscura concepción visual, la película reivindicó a Burton como un director con un estilo único e inigualable.



En el 2000 se anuncia a los medios un remake del clásico del cine de los 60, El planeta de los simios (Planet of the Apes). Poco después se anunció que quien lo dirigiría sería precisamente Tim Burton. Muchos se preguntaron si sería capaz de superar (o al menos igualar) a la versión original, así que Burton se vio en problemas para resolver una historia que, en la versión de Franklin J. Schaffner, terminaba de una manera insuperable. La visión de Burton no agradó del todo al público, que si bien alabó los efectos de maquillaje (que convertían a actores humanos en simios) no gustó del final alternativo del cineasta. Durante la filmación de ésta película, Burton conoció a la actriz Helena Bonham Carter, con la que luego contrajo matrimonio, dejando a su pareja de años, la modelo Lisa Marie. La batalla legal que ella interpuso después de que Burton la dejara no se resolvió hasta el año 2004.

Por esa época, el padre de Burton murió y él tuvo su primer hijo con Bonham Carter nacido en Londres el 6 de Octubre del 2003. Mantuvo un silencio casi abrumador en los medios, que se vio interrumpido en 2003 con los primeros rumores de su película Big Fish, que fue bien recibida. Con actuaciones de Helena Bonham Carter, Ewan McGregor, Jessica Lange, Albert Finney, Steve Buscemi y Alison Lohman, la película que fue un encargo de los estudios Disney, Tim intenta mucho devolver algo a la sociedad americana, ya que el mismo lo ha dicho "nuestra cultura es poca por que nuestro país, es un país de inmigrantes", una película intensa en cuanto a la relación Padre/Hijo.




La Novia Cadáver (Corpse Bride, en inglés). Esta película, pese a ser de animación, era una película muy adulta y de culto que muchos, por desgracia, no lograron entender esperando compararla erroneamente con The Nightmare Before Christmas. La Novia Cadáver esta basada en un cuento Ruso-Judío Ortodoxo, en la que un joven mientras juega con sus votos de matrimono en el bosque antes de pedirle matrimonio a su prometida, pero obviamente la película esta adaptada y con toques de humor.

Actualmente, Burton está trabajando en la versión cinematográfica del exitoso videojuego Grim Fandango, cuya filmación comenzará una vez terminada la producción de Sweeney Todd.

Uno de sus últimos proyectos es la creación de una firma de juguetes con sus propias historias que son los llamados Tragic Toys, que son niños algo desgraciados y poco comunes.




Filmografía

Sweeney Todd (2008)
Bones (video musical de The Killers) (2006)
La novia cadáver / El cadáver de la novia (Estrenada el 7 de septiembre de 2005 en el Festival Internacional de Cine de Venecia)
Charlie y la fábrica de chocolate (Charlie and the Chocolate Factory) (Estrenada el 18 de julio 2005)
Big Fish (2003)
El planeta de los simios (Planet of the Apes) (2001)
Sleepy Hollow (Sleepy Hollow) (1999)
Mars Attacks! (1996)
James y el melocotón gigante / Jim y el durazno gigante (1996) (como productor)
Ed Wood (1994)
Pesadilla antes de Navidad / El extraño mundo de Jack (1993) (como productor)(No dirigió)
Singles (Breve aparición como actor) (1992)
Batman vuelve (Batman Returns) (1992)
Edward Scissorhands (Eduardo manostijeras o El Joven Manos de Tijera) (1990)
Batman (1989)
Beetlejuice (1988)
La gran aventura de Pee Wee (Pee Wee's Big Adventure) (1985)
Para televisión en la serie Los cuentos de las estrellas (Faerie Tale Theater):
Aladino y la lámpara maravillosa (Alladin and his wonderful lamp) (1984)
Hansel y Gretel (1984)
Frankenweenie (cortometraje) (1984)
Vincent (corto animado) (1982)

DAVID LYNCH, MAS ALLA DEL SURREALISMO

Este pasado siglo XX nos deja un importante legado cinematografico, entre el que cabe destacar un puñado de directores norteamericanos incluyendo a Cronenberg, los hermanos Coen, Larry Clark, Tarantino, Solondz, Tim Burton y David Lynch. Sus peliculas extraños experimentos que parecen sacados de una moderna escuela surrealista no dejan indiferente a nadie. Desde "Cabeza Borradora" hasta "Inland Empire" sus peliculas son autenticas lecciones de como hacer cine alternativo. Su grandes obras maestra Erasehead Dune y el hombre elefante son experiencias casi misticas que trascienden nuestra vision cinematografica como espectadores para llevarlas a un terreno desconocido y sin explorar.

Su actividad artística se extiende asimismo al terreno de la pintura, la música, la fotografía e incluso el diseño mobiliario.
Su amor por el surrealismo queda demostrado en sus inquietantes películas, cuya total comprensión en su mayoría requiere un gran esfuerzo intelectual por parte del espectador. Como ejemplo de ello podemos citar Eraserhead y la serie de televisión Twin Peaks (serie). Posteriormente realizó algunas producciones más accesibles como The Straight Story, aunque manteniendo su firma personal. En la actualidad, algunos de sus proyectos cinematográficos y de animación son sólo accesibles a través de su página Web de pago, DavidLynch.com.
Sus películas tienden a describir pequeñas comunidades de los Estados Unidos, como es el caso de Twin Peaks (film) o Blue Velvet. Lynch siente también predilección por los secretos ocultos de los barrios periféricos de Los Ángeles, retratados en Lost Highway y Mulholland Drive. El sonido en sus películas es de gran importancia y por ello cada banda sonora es trabajada con esmero. El responsable de conseguir que ese sonido nos resulte tan especial es el compositor Angelo Badalamenti, colaborador habitual del director, creador entre otras de la fascinante banda sonora de la serie de televisión Twin Peaks (film) o de la inquietante y perturbadora Lost Highway. Reconocido admirador de Jacques Tati, Ingmar Bergman o Werner Herzog, Lynch ha conseguido destacarse como uno de los pocos directores actuales con un estilo personal y constituye un referente ineludible en el cine contemporáneo. Su nuevo film, que le ocupó varios años de rodaje, usando exclusivamente técnicas digitales, se titula INLAND EMPIRE (en mayúsculas) y su estreno se produjo en 2006.

Lynch podría considerarse el arquetipo del muchacho americano de clase media. Su padre, Donald, fue un científico adscrito al Ministerio de Agricultura norteamericano, y su madre, Sunny, era profesora de lengua. La familia vivió en distintos lugares, entre el noroeste del país y Carolina del Norte. Lynch fue boy scout y a los 15 años participó como acomodador en la toma de posesión del presidente John F. Kennedy.
Pronto experimentó impulsos artísticos y asistió al Corcoran School of Art en Washington, D..C mientras terminaba sus estudios secundarios en Alexandria, Virginia. Después se apuntó al School of the Museum of Fine Arts de Boston durante un año, antes de partir rumbo a Europa en compañía de su amigo y colega artístico Jack Fisk. Sus planes eran estudiar con el pintor del expresionismo austriaco Oskar Kokoschka (quien resultaría uno de sus principales referentes artísticos) durante tres años. Sin embargo, Lynch regresó a los Estados Unidos al cabo de sólo 15 días.
Philadelphia y sus primeros cortometrajes
En 1966, Lynch se instala en la ciudad Philadelphia, Pennsylvania, asistiendo al Pennsylvania Academy of Fine Arts (PAFA). Allí se dedicó en principio a la confección de complejos mosaicos a base de figuras geométricas, a los que él llamó Industrial Symphonies. Por aquel tiempo, tuvo sus primeros devaneos cinematográficos. Su primer corto recibió el título de Six Men Getting Sick ("Seis hombres enfermos, o enfermando") (1966). Él lo describió como "57 segundos de desarrollo y pasión, y tres segundos de vómito". Con esta pieza ganó el certamen anual de la Academia. Este pequeño éxito le permitió abordar su segundo cortometraje: The Alphabet.
A partir de 1970, Lynch se centró exclusivamente en el arte cinematográfico. Consiguió un premio de 5.000 dólares del American Film Institute por The Grandmother, ("La abuela") sobre un pobre chico de la calle que se las ingenia para conseguir una abuela a partir de una semilla. Esta película de 30 minutos de duración muestra ya muchos de los patrones característicos en su cine de madurez, incluyendo un sonido perturbador y envolvente y una potente imaginería enfocada a los deseos y al inconsciente reprimido, todo ello lejos de los métodos tradicionales de narrar.
Eraserhead
En 1971, Lynch se trasladó a Los Angeles para asistir a las clases del American Film Institute Conservatory. Fue allí donde empezó a trabajar en su primer largometraje, Eraserhead, aprovechando una ayuda de 10.000 dólares concedida por dicha institución. Este dinero no alcanzó para terminar el film y por este motivo la película no se remataría hasta el año 1977. Lynch tuvo que pedir dinero a amigos y familiares, incluyendo a su amigo de la infancia Jack Fisk, diseñador de producción y marido de la actriz Sissy Spacek, e incluso se dedicó a vender periódicos para financiarla.
Eraserhead, una de las películas más sombrías y enigmáticas de la historia del cine, plena de guiños surrealistas y elementos desasosegantes, fue muy apropiadamente rodada en blanco y negro. Cuenta la historia de un joven tranquilo (papel que incorpora el inefable Jack Nance) que vive en una especie de erial industrial y cuya novia da a luz a una rara bestezuela que no para de gemir. Lynch se refiere a la película como “mi historia de Philadelphia”, aludiendo al hecho de que refleja muy bien todas las crudas experiencias que vivió en esa ciudad en su etapa de estudiante, las cuales le marcaron profundamente.
Sobre la película, la crítica ha afirmado que sugiere o intenta sugerir los miedos y ansiedades del propio cineasta acerca de la paternidad, personificados en el grotesco aspecto del bebé, que se ha convertido en uno de los iconos del cine fantástico de todas las épocas. El director ha rehuido en más de una ocasión explicar cómo fue elaborada la criatura, pero la leyenda cuenta que fue construida a partir de un feto de vaca embalsamado.
Debido a sus extravagantes contenidos, al principio se pensó que Eraserhead no podría ser exhibida comercialmente, sin embargo, gracias al esfuerzo del distribuidor Ben Barenholtz, se convirtió pronto en un clásico, típico en salas especializadas en proyecciones de medianoche, fuera de las grandes audiencias. La crítica la alabó inmediatamente como obra maestra, lo que colocó al director a la cabeza de la vanguardia cinematográfica. El gran director Stanley Kubrick afirmó con admiración que era una de sus películas favoritas en la historia del cine. El éxito provocó que el equipo de actores y técnicos (entre ellos el cámara Frederick Elmes, el técnico de sonido Alan Splet, y el actor Jack Nance) siguieran trabajando con Lynch en años posteriores.
El hombre elefante y Dune
Eraserhead atrajó la atención del productor Mel Brooks, quien contrató a Lynch para dirigir la película de 1980 The Elephant Man (El hombre elefante), un biopic sobre la figura de Joseph Merrick, un tullido victoriano de clase alta. Esta película, rodada igualmente en blanco y negro, fue un gran éxito comercial y obtuvo ocho nominaciones a los Oscars, incluyendo el de mejor director y mejor guión adaptado para Lynch. Del mismo modo demostró la viabilidad comercial de sus propuestas.
Posteriormente, el cineasta aceptó dirigir una superproducción que adaptaba la novela de ciencia-ficción Dune. En un principio esta pelicula iba ser dirigida por Alejandro Jodorowsky contando con la colaboracion del Dibujante H.R.Giger y el dibunante de comics Moebieus, ademas de la participacion de Allan Delloin , Orson Welles, Mick Jagger y Salvador Dali en el papel de emperador, la pelicula se quedo en un proyecto sin saber muy bien el motivo . Dune es uan noveala del escritor Frank Herbert, para el productor italiano Dino De Laurentii, con la condición de que la productora se comprometiera a financiar un segundo proyecto sobre el cual Lynch mantendría control creativo total. Aunque el productor esperaba que Dune supondría algo así como la nueva Guerra de las galaxias, la película resultó un gran fiasco comercial, siendo además vapuleada por la crítica. Se calculó que ingresaría 45 millones de dólares que al final se quedaron en sólo 27,4. Para compensar pérdidas, el estudio elaboró una versión alargada para la televisión que desvirtuaba el montaje del director y que Lynch desautorizó inmediatamente.
Blue Velvet
La segunda película de Lynch producida por De Laurentiis fue Blue velvet ("Terciopelo azul", 1986), la historia de un joven universitario (representado por el actor que protagonizara Dune, Kyle MacLachlan) que descubre el lado oscuro de una pequeña ciudad, al investigar la procedencia de una oreja cortada que había encontrado casualmente en el transcurso de un paseo campestre. La película muestra actuaciones memorables de Isabella Rossellini, en el papel de una cantante atormentada, y de Dennis Hopper en el de un criminal psicópata, líder de una banda de matones de medio pelo.
Blue Velvet obtuvo un gran éxito de crítica y proporcionó a Lynch su segunda nominación al Óscar al mejor director. La película presenta algunos lugares comunes en su cine: una cuidadísima puesta en escena, ciertos episodios y conductas inexplicables, mujeres ultrajadas, los malsanos entresijos de una pequeña comunidad, y la utilización poco convencional de canciones antiguas. “Blue velvet”, de Bobby Vinton e “In dreams” de Roy Orbison suenan en este film extrañas y perturbadoras. Esta fue la primera ocasión en que Lynch trabajaba con el compositor Angelo Badalamenti, quien contribuiría en todas sus películas posteriores.
El director Woody Allen, cuya cinta Hannah y sus hermanas fue nominada como mejor película, afirmó que Blue Velvet era el mejor filme del año. La película, que es comúnmente considerada como una de las obras maestras del cine contemporáneo, ha llegado a convertirse en un icono de la cultura popular.



Twin Peaks, Wild at Heart, Industrial Symphonies, American Chronicles y Hotel Room
Al no obtener financiación para posteriores guiones, a finales de los 80 Lynch optó por colaborar con el productor televisivo Mark Frost en la serie televisiva Twin Peaks, acerca de una pequeña localidad de Washington donde ocurren extraños sucesos. La historia se centraba en las investigaciones realizadas por el agente especial del FBI Dale Cooper (de nuevo Kyle MacLachlan) en torno a la muerte de una conocida estudiante de secundaria llamada Laura Palmer, una investigación que iba revelando los escabrosos secretos de muchos ciudadanos aparentemente respetables. El cineasta dirigió seis episodios en total, incluyendo los dos primeros, y escribió o co-escribió algunos más, e incluso apareció como actor en algunos de ellos.
La serie se estrenó en la cadena ABC Network el 8 de abril de 1990 y poco a poco fue revelándose como todo un fenómeno cultural. Ningún otro proyecto de Lynch ha obtenido semejante aceptación. La serie fue vendida a infinidad de países, y algunos de sus latiguillos ingresaron en la cultura popular. Se hicieron parodias de la misma en el show Saturday Night Live y en la serie de caricaturas Los Simpsons. Lynch apareció en la portada de la revista Time en gran medida debido al gran éxito cosechado con Twin Peaks. El director incorporó el papel del vociferante y medio sordo jefe del agente Cooper, Gordon Cole.
Pese a todo, Lynch chocó con los responsables de la cadena por distintos motivos, en especial por la posibilidad de revelar o no la identidad del asesino de Laura Palmer. La cadena insistía en desenmascararlo ya en la segunda temporada, pero Lynch quería guardarlo en secreto hasta el final. Lynch pronto se desencantó de la serie y como resultado muchos miembros del reparto declararon sentirse “abandonados”.
Fue en aquel tiempo cuando Lynch empezó a colaborar con la editora, productora y su compañera en la vida real, Mary Sweeney, que había trabajado como asistente para él en Blue Velvet. Esta colaboración se prolongaría a lo largo de once proyectos. De su relación nació un hijo.
Su siguiente largometraje fue una adaptación de la novela de Barry Gifford, Wild at Heart (“Corazón salvaje”), una alucinante, sensual y atropellada “road movie” protagonizada por los actores Nicolas Cage y Laura Dern. La producción obtuvo la Palma de Oro en el Festival de Cannes de 1990, pero no contó con la aprobación de la crítica ni el respaldo del gran público. Se dice que algunos espectadores abandonaban la sala en las exhibiciones de prueba.
El eslabón perdido entre Twin Peaks y Wild at Heart, es el espectáculo musical Industrial Symphony No. 1: The Dream of the Broken Hearted, una nueva colaboración con Angelo Badalamenti en la que canta Julee Cruise y actúan varios actores de Twin Peaks, así como Nicolas Cage y Laura Dern. Lynch confesó que la obra reflejaba de alguna forma una relación sentimental rota. El director produjo en 1990 un video de 50 minutos sobre la obra.
Twin Peaks acabó sufriendo serios reveses de audiencia y fue retirada en 1991. Mientras tanto Lynch escribió una precuela sobre los últimos siete días en la vida del personaje de Laura Palmer, que dio lugar al largometraje Twin Peaks: Fire Walk with Me (1992), un desastre de taquilla que acarreó al director las peores críticas de su carrera.
Durante este periodo Lynch volvió a colaborar con Mark Frost en la serie de humor On the Air para la ABC, sobre los orígenes de la televisión. En EE.UU. sólo se emitieron tres episodios. Esta colaboración se prolongó en la serie documental American Chronicles.
Su siguiente proyecto fue una miniserie de escasa importancia para la cadena HBO titulada Hotel Room, la cual narraba los acontecimientos que se enmarcaban en una misma habitación de hotel a lo largo de varias décadas.
Lost Highway, The Straight Story, Mulholland Dr., INLAND EMPIRE
En 1997 Lynch volvió a la palestra con el complejo film de argumento no lineal Lost Highway ("Carretera perdida"), el cual poseía muchos elementos de cine negro. Fue co-escrito con Barry Gifford y protagonizado por los actores Bill Pullman y Patricia Arquette. La película fracasó comercialmente, pero recibió críticas contrapuestas. No obstante, gracias en parte a la banda sonora en que aparecían cantantes y grupos como Marilyn Manson, Rammstein, Nine Inch Nails y The Smashing Pumpkins Lynch obtuvo una nueva audiencia por parte de espectadores de la llamada Generación X
En 1999, sorprendió muy positivamente a sus fans y a la crítica con una película producida por la factoría Disney: The Straight Story ("Una historia verdadera"), que era, al menos aparentemente, una sencilla película sin pretensión alguna contando una historia real acerca de un hombre de pueblo (incorporado por el viejo actor Richard Farnsworth) que emprende un largo viaje de estado en estado, a bordo de un cortacésped, con el único fin de hacer las paces con su hermano enfermo. La película recibió muy buenas críticas y proporcionó a su autor nuevas audiencias.
Mulholland Drive (2001)
Ese mismo año Lynch tentó una vez más a la cadena ABC con la idea de un drama para la televisión. La cadena dio el visto bueno y se grabó el episodio piloto, de dos horas de duración. Pero controversias sobre el contenido y la duración de la serie la aparcaron definitivamente.
Con la aportación de 7 millones de dólares por parte de la productora francesa Studio Canal, el director convirtió ese episodio piloto en un largometraje. Mulholland Drive es una historia extraña que trata de ahondar en el la vertiente oscura de Hollywood, la “fábrica de sueños”. Está protagonizada por Naomi Watts, Laura Harring y el actor Justin Theroux. La película funcionó relativamente bien comercialmente en todo el mundo, mereciendo además reseñas positivas, lo que supuso a su director el premio al mejor director en el Festival de Cannes del año 2001 (este premio lo compartió con Joel Coen por El hombre que nunca estuvo allí) y otro premio al mejor director otorgado por la New York Film Critics Association.
En 2002, Lynch desarrolló una serie de cortos para Internet titulada Dumb Land. Los ochos episodios de que constaba, intencionadamente muy duros de contenido e interpretación, aparecieron posteriormente en formato DVD.
Lynch dedicó a sus incondicionales ese mismo año una comedia de situación a través de su página web. La serie se tituló Rabbits ("Conejos") y constó de ocho episodios plenos de surrealismo que se desarrollaban en un cuarto habitado por extrañas personas con cabeza de roedor. Posteriormente, el director rodó en vídeo digital el corto Darkened Room, a imitación del exitoso cine de terror japonés de los últimos años.
INLAND EMPIRE (2006)
En el Festival de Cannes correspondiente a 2005, el cineasta anunció que durante un año había estado rodando en Polonia, por medio de técnicas digitales, su último film. La película, titulada INLAND EMPIRE (en mayúsculas) supone casi un compendio del cine de este director audaz e inquietante desde sus comienzos. La historia, retorcida y con tintes pesadillescos, desarrolla distintos niveles argumentales entremezclados, sin aclarar nunca los nexos lógicos entre ellos. Abunda en primeros planos expresionistas (especialmente de la atribulada Laura Dern), el sonido es distorsionado y envolvente, y los efectos especiales unidos a las numerosas escenas cómico-grotescas que contiene producen un gran impacto visual. El reparto de la película incluye actores habituales de Lynch como la ya mencionada Laura Dern, Harry Dean Stanton, y el protagonista de Mulholland Drive Justin Theroux, con un cameo de Naomi Watts (supuestamente uno de los actores disfrazados de conejos en la serie del mismo nombre), además de la actuación estelar del británico Jeremy Irons. Lynch describió la película como "un misterio acerca de una mujer metida en grandes dificultades”. Se estrenó en diciembre de 2006, habiendo suscitado hasta el momento entre los críticos, como en ocasión de los más recientes largometrajes del director, grandes discrepancias y opiniones enfrentadas.

Lynch ha declarado a menudo admirar profundamente a los cineastas Stanley Kubrick y Federico Fellini, al escritor Franz Kafka y al pintor Francis Bacon. Sostiene que muchas de las películas de Kubrick se encuentran entre sus preferidas, y que las obras de Kafka y Bacon lo subyugan por su fuerza visual y su conmovedora sensibilidad. Igualmente ha citado al pintor expresionista austriaco Oskar Kokoschka como fuente de inspiración. Lynch se siente desde siempre hechizado por la película The Wizard of Oz ("El mago de Oz") y a menudo ha hecho clara referencia a la misma en cintas como Wild at Heart.
Una influencia temprana en él fue el libro The Art Spirit del artista y profesor norteamericano Robert Henri, del cual afirmó que le ayudó a decidir el curso que tomaría su trabajo plástico. Como Henri, Lynch se trasladó del campo a un entorno urbano para desarrollar su carrera artística. Henri era un pintor realista urbano, que adoptaba la vida en la ciudad como materia principal de su trabajo, lo que imitó Lynch en sus orígenes. Y si la obra de Henri sirvió de puente entre la Norteamérica agrícola del siglo XIX y la urbana del XX, las cintas de Lynch entremezclan la nostalgia feliz de los años 50 con la extrañeza existencial de los 80 y 90.
Tienen gran peso sobre su obra igualmente los cineastas Luis Buñuel, Werner Herzog y Roman Polanski, alguno de los cuales ha reconocido también al propio Lynch como referente.

En lo personal, Lynch ha mantenido relaciones sentimentales con la actriz Isabella Rossellini (a raíz del rodaje de Terciopelo azul), y ha estado casado tres veces: con Peggy Lentz (1967-1974; una hija, Jennifer Chambers Lynch, 1968, ahora directora cinematográfica). Con Mary Fisk (1977-1987) (un hijo, nacido en 1982, Austin Jack Lynch). Y con la editora y productora de sus películas Mary Sweeney (2006; un hijo nacido en 1992, Riley Lynch).

Filmografía
Six Figures Getting Sick (cortometraje) (1966)
The Alphabet (cortometraje) (1968)
The Grandmother (cortometraje) (1970)
The Amputee (cortometraje) (1974)
Eraserhead (Cabeza borradora) (1977)
The Elephant Man (El hombre elefante) (1980)
Dune (Duna) (1984)
Blue Velvet (Terciopelo azul) (1986)
The Cowboy and the Frenchman(1988)
Wild at Heart (Corazón salvaje) (1990)
Twin Peaks (serie de televisión) (1990-1991)
Twin Peaks(película europea) (1990)
Twin Peaks: Fire Walk With Me (1992)
Premonitions Following an Evil Deed (1996)
Lost Highway (Carretera perdida) (1997)
The Straight Story (Una historia verdadera) (1999)
Mulholland Drive (2001)
The Short Films of David Lynch (2002)
Darkend Room (2002)
Rabbits (serie de Internet) (2002)
Inland Empire (2006)

LA GENERACION BEAT

El término Beat Generation surge durante una conversación entre Jack Kerouac y John Clellon Holmes en 1948. La intención de sus miembros no era la de nombrarla, sino la de "desnombrarla". A finales de 1952 apareció en el New York Times Magazine un artículo de John Clellon Holmes titulado "This is the Beat Generation " que captó la atención del público. El término comenzó a utilizarse de tal manera, y sin discriminación alguna, hasta el punto de que en 1959 Kerouac considerara necesario corregir públicamente el abuso de esta denominación en los medios de comunicación, donde se empleaba con las connotaciones de "totalmente vencido", o fracasado, o en el sentido de "ritmo". Jack intentó mostrar el sentido correcto de beat sugiriendo su relación con palabras como "beatitud" y "beatífico", conexión que se explicaba porque, en sus ideales, el movimiento beat se sentía atraído por la naturaleza de la conciencia orientada a la comprensión del pensamiento oriental, hacia prácticas de meditación, etc. Esta "redefinición" que Kerouac hacía del término pretendía orientar hacia imágenes simbólicas del estilo de la derrota u oscuridad necesarias, precedentes a la apertura a la luz y la supresión del ego que conducen a la iluminación religiosa. Parece ser, que el término "beatnik" surgió por influencia del lanzamiento del satélite "sputnik", muy famoso en la época. Otra teoría defiende un origen en la terminación "-nik" sufijo despectivo proveniente del idioma yiddish, hablado por los judíos de Europa Central.

Allen Ginsberg, el más famoso de los poetas beatniks, observaba en el prólogo al libro "The Beat Book", editado por Anne Waldman y Andrew Schelling, otro posible significado: "acabado", "completo", en la noche oscura del alma o en la nube del no saber. E incluso "abierto", en el sentido whitmaniano de "apertura a la humildad". Pero, independientemente del significado que quiera dársele, el uso de Beat Generation pasa a designar un movimiento literario formado por un grupo de amigos que desde mediados de los años cuarenta habían trabajado juntos escribiendo poesía y prosa, y que compartían una idea de cultura y aficiones o fuentes de inspiración similares, tales como la música jazz.

El grupo inicial estaba formado por Jack Kerouac, Neal Cassady, William Burroughs, Herbert Huncke, John Clellon Holmes y Allen Ginsberg. En 1948 se unieron Carl Salomon y Philip Lamantia; en 1950 Gregory Corso; y en 1954 Lawrence Ferlinghetti y Peter Orlovsky.

Este grupo, que acabó denominándose la Generación Beat, revitalizó la escena bohemia cultural norteamericana. Su energía se desbordó hacia los movimientos juveniles de aquella época (On the Road -En el camino, 1957- de Kerouac, asumió carácter de manifiesto universal de una juventud que quería huir de lo establecido), y fue absorbida por la cultura de masas y por la clase media hacia finales de los años cincuenta y principios de los sesenta.

Sus ideales abogan por un arte como manifestación de las texturas de la conciencia. Su canto a la liberación espiritual derivó hacia una liberación sexual, particularmente homosexual, que hizo de catalizador en los movimientos de liberación de la mujer y de los negros. Llevados por una visión tolerante y no-teísta, un antifascismo cósmico, un eclecticismo... se interesaron por las sustancias psicodélicas como herramientas de conocimiento.

Centraron su lucha en contra de los valores tradicionalistas y puritanos de Estados Unidos, contra el "American Way of life", un repudio implícito a los valores comerciales, para cuyo reemplazo proponían los ideales expuestos por Whitman en "Hojas de hierba".

Los involuntarios miembros fundadores del movimiento rechazaron abiertamente la masificación y frivolización en la que acabaron los beatniks. El cine, especialmente, contribuyó a poner de moda una supuesta "estética beat" falsa, en la que todos los jóvenes bohemios vestían de negro, lucían barbas y perillas, llevaban boina y pasaban su tiempo en viejos cafés leyendo poesía, fumando y tocando los bongos.

W.S. BURROUGHS. Burroughs nació en el seno de una familia acomodada. Su abuelo inventó una máquina de sumar que serviría para fundar la Burroughs Adding Machines, empresa que aún existe, aunque es más conocida como Burroughs. Ya desde pequeño descubrió sus inclinaciones homosexuales y su pasión por las armas de fuego, que le acompañó toda su vida. Tras un periodo terriblemente autodestructivo durante los años 50 tras una primeriza incursión en la literatura pulp (es el caso de Yonqui), se dedicó a partir de los 60 a escribir con bastante continuidad.
Su obra tiene una importante carga autobiográfica, y en ella se plasma su adicción a diversas sustancias, como la heroína. La experimentación, el surrealismo y la sátira constituyen, además, algunos de los elementos más destacados de sus novelas.
Sus primeras publicaciones se engloban dentro de la Generación Beat, esto es, el grupo de intelectuales y artistas estadounidenses que definieron y dieron forma a la cultura tras la Segunda Guerra Mundial. No en vano, Burroughs mantuvo importantes contactos con escritores como Allen Ginsberg (del que se cree que fue amante), Gregory Corso, Jack Kerouac y Herbert Hucke. Pero la influencia de su literatura trascendió ampliamente este movimiento, dejándose sentir posteriormente en otras manifestaciones artísticas de tipo contracultural.


I
ngresó en la «American Academy and Institute of Arts and Letters» en 1984.

La obra de Burroughs comenzó siendo formalmente convencional aunque sus temáticas no lo eran. Es el caso de sus obras primerizas como Yonqui o Queer (Marica, que no fue publicada hasta 1985).
Posteriormente se entregó a la experimentación formal con mayor o menor éxito. Técnicas como el cut-up (que aprendió de su amigo Brion Gysin) consistente en collages narrativos o un esfuerzo denodado por destruir las normas sintácticas y semánticas sin perder el sentido de lo relatado. De esta época proceden Nova Express, La Máquina Blanda o El Almuerzo Desnudo.
No se debe considerar esta experimentación como algo sin objetivo. La peculiar filosofía de Burroughs, que en definitiva es la que ha dado trascendencia a su obra, es casi mesiánica.
Según Burroughs, el ser humano está alienado por el lenguaje. Considera que el lenguaje (y las normas gramaticales y sintácticas que le caracterizan) es un organismo parásito, un virus, que ha elegido nuestras mentes como hábitat. El lenguaje (y más aún la razón) aplasta nuestra naturaleza real y crea un universo para nosotros en el que existe el tiempo, la muerte y prácticamente todos nuestros males.
El problema se complica porque los seres humanos infectados no saben que lo están. Según su propia analogía, "la cárcel perfecta es aquella en la que no sabes que estás dentro de una cárcel". Para Burroughs el lenguaje es una cárcel perfecta porque parece increíblemente amplia y espaciosa. Sin embargo, el lenguaje sólo permite llegar a donde sus propias combinaciones y secuencias permite, dejando más allá el territorio real de la mente humana, que es el espacio y no el tiempo.
Para Burroughs, la auténtica revolución no es de índole social, sino mental. Deshacerse del virus lenguaje es el primer paso. La guerra contra este virus establece una continuidad en gran parte de su obra, donde los protagonistas (humanos, extraterrestres, seres inorgánicos, demonios) están claramente de un bando o de otro y se enfrentan violentamente, sin reglas de ningún tipo.
Los esfuerzos de este autor por trascender las reglas del lenguaje consiguen finalmente destruir esa tiranía inherente, de tal manera que Burroughs consigue expresar imágenes y mundos como nadie ha podido antes. No se puede afirmar, empero, que haya conseguido este objetivo desde el primer momento. Las obras anteriormente mencionadas en ocasiones rozan la ilegibilidad y exigen un esfuerzo considerable por parte del lector. No es sino hasta su madurez, con la trilogía Ciudades de la Noche Roja, El Lugar de los Caminos Muertos y Tierras del Occidente donde este autor consigue el equilibrio entre accesibilidad, experimentación y revolución.
En estos tres libros, auténticas obras maestras, la destrucción del lenguaje se lleva a cabo de manera tan sutil que en la práctica el lector no se da cuenta de que en realidad el texto está violando todas las reglas del lenguaje, logrando además que el texto se transforme en imágenes de modo fluido. Como ejemplo, esta cita de El Lugar de los Caminos Muertos.
"-Saca una foto de eso, es puro Venus, amigo mío... Y Urano, donde los uranianos se sientan en sus casas azules de pizarra en frío silencio azul... Kim quería explorarlos todos nuevos peligros nuevas armas, "mares peligrosos en desolados países de hadas" ansiaba drogas placeres desconocidos y una distante estrella llamada HOGAR.


"

Allen Ginsberg.Irwin Allen Ginsberg nacido en Paterson, New Jersey.
Enlace entre el movimiento beat de los cincuenta y los hippies de los sesenta, compartió amistad con, entre otros, Jack Kerouac, Neal Cassady, William S. Burroughs, Patti Smith, Gregory Corso, Herbert Huncke, Rod McKuen y Bob Dylan.
La poesía de Ginsberg estaba muy influida por el modernismo, el romanticismo, el beat y la cadencia del jazz, además de por su práctica del budismo Kagyu y su origen judío. Se consideraba heredero de William Blake y Walt Whitman. La potencia de los poemas de Ginsberg, sus largos versos y su exuberancia del Nuevo Mundo reflejaban la continuidad de la inspiración que reclamaba. Otras influencias incluían al poeta estadounidense William Carlos Williams.
La principal obra de Ginsberg, "Howl" ("Aullido"), es muy conocida por su frase de apertura: "He visto a las mejores mentes de mi generación destruidas por la locura". La obra se consideró escandalosa en el momento de su publicación por la crudeza de su lenguaje, que es a menudo explícito. Poco tiempo después de su publicación en 1956 por una pequeña editora de San Francisco, la obra fue prohibida. La prohibición fue un caso célebre entre los defensores de la primera enmienda de la Constitución estadounidense; fue anulada después de que el juez Clayton W. Horn declarara que el poema poseía importancia social redentora. Las ideas políticas libertarias y en general anti-sistema de Ginsberg atrajeron la atención del FBI, que lo consideraban como una gran amenaza para la seguridad.
Es en parte interesante resaltar que la segunda parte de Aullido estuvo inspirada y escrita principalmente durante una visión causada por el peyote. Ginsberg intentó escribir varios poemas bajo la influencia de varias drogas, incluyendo el LSD. Esta práctica era una manifestación específica de su enfoque experimental de carácter más general; por ejemplo, también "escribió" poemas recitándolos, grabándolos en cintas de cassette y transcribiendo los resultados.
En sus escritos y en su vida, Ginsberg defendía la libertad y la autenticidad. Muchos de sus poemas son extremadamente sinceros y directos. Por ejemplo, en "Kaddish" describe la locura de su madre en términos claros. En "Many Loves" ("Muchos amores"), describe su primer contacto sexual con Neal Cassady, que fue su amante y amigo. Alguno de sus poemas posteriores se centra en su relación con Peter Orlovsky, su amante de toda la vida a quien dedicó Kaddish and Other Poems (Kaddish y otros poemas).
Su viaje espiritual comenzó pronto con visiones espontáneas y continuó con un temprano viaja a la India y un encuentro casual en una calle de Nueva York con Chögyam Trungpa, Rinpoche, un budista tibetano maestro de meditación de la escuela Vajrayana, quien se convirtió en su amigo y maestro durante toda su vida.
En su vida política fue un iconoclasta, usando su ingenio y su humor para luchar por la causa de la libertad personal de los otros, a menudo arriesgándose el mismo. Ginsberg ayudó a financiar la School of Disembodied Poetics de Jack Kerouac en la Universidad de Naropa en Boulder, Colorado, una escuela formada por Chögyam Trungpa, Rinpoche. También fue co-fundador, junto al poeta francés Jean Jacques Lebel, de uno de los festivales de poesía más importantes del mundo, conocido como Poliphonix.
En 1993 el Ministerio de Cultura francés le nombró Caballero de la Orden de las Artes y las Letras.



Jack Kerouac. Su nombre original era Jean-Louis Lebris de Kérouac, descendiente de canadienses francófonos. No aprendió a hablar inglés hasta los seis años.
Jack Kerouac pronto destacó como deportista practicando fútbol americano, ganando una beca para la Universidad de Columbia (Nueva York). Sin embargo, una lesión en su pierna y una discusión con su entrenador frustraron su carrera, por lo que se enroló en la marina mercante.
Escribía constantemente cuando estaba en tierra. Asentado en la ciudad de Nueva York, donde conoció a los otros miembros de la Generación Beat, como Allen Ginsberg, Neal Cassady y William S. Burroughs.
Pasó varios años tratando de encontrar un estilo propio, al que finalmente llamó prosa espontánea o "kickwriting". Cuando le preguntaban acerca de sus opiniones respecto de la escritura, no se esforzaba en hacer diferencias entre la prosa y la poesía. Sostenía que sus ideas se aplicaban tanto a uno como otro género, la espontaneidad como método traspasaba los límites de las formas de la escritura. Le gustaba decir que cuando estaba trabajando en una novela cada párrafo era un poema dentro de un extendido texto que flotaba en el mar de la lengua inglesa.
La fama acabó con el tímido alocado de Kerouac, que tenía la costumbre de presentarse borracho a las entrevistas para intentar superar el difícil trance de explicar la mística de las novelas que había escrito muchos años atrás y nadie se había atrevido a publicar.
Murió a los 47 años debido a un derrame interno, producto de una cirrosis.

MICHEL GONDRY , EL CINE QUE ESTA POR LLEGAR

Michel Gondry, es la ultima senscacion del panorama cinefilo. Junto con Spike Jonze, David Fincher, Mark Romanek, Chris Chuningam, Jonathan Glazer y muchos mas forman la llamada generacion del videoclip. Autores instruidos en el campo de la publicidad y el videoclip que dan el salto a la gran pantalla. La publicidad y el videoclip son los lugares apropiados para formarse visualmente antes de dar el salto al cine, permiten instruirte en las diferentes tecnicas y herramientas que estos campos te facilitan, y si es bien aprovechado como el caso de Gondry pueden convertirte en autenticos especialistas de la materia. El caso de Gondry es la de un cineasta nato, una autentico especialista en el campo de la experimentancion visual. Sus "videoclips" y "spots" son autenticos ejercicios de artesano que prueban los diferentes registros con los que es posible tratar una imagen. Gondry como es el caso de Spike Jonze ha estado respaladado por Charlie Kauffman en la firma de los guiones de sus peliculas.

Michel Gondry es un director de cine, anuncios, y vídeos musicales, destacado por su innovador estilo visual y su manipulación de la puesta en escena. Su carrera como realizador comenzó con la dirección de vídeos musicales para la banda de rock francesa Oui Oui, de la cual era también batería. El estilo de sus vídeos llamó la atención de la cantante Björk, quien le pidió dirigir el vídeo para su canción Human Behavior. Esta colaboración se extendería bastante tiempo, con Gondry dirigiendo un total de seis vídeos musicales para Björk. Otros artistas con quien Gondry ha colaborado en más de una ocasión incluyen a The White Stripes, The Chemical Brothers y Kylie Minogue. Gondry también ha creado numerosos comerciales de televisión, siendo uno de sus más famosos el realizdo para Levi's, con el que ganó el Lion D'or en el Festival de Cine de Cannes de 1994. Fue pionero en la utilización de la técnica conocida como «bullet time», utilizada posteriormente en las cintas de la saga Matrix, notablemente en el vídeo Like A Rolling Stone de los británicos The Rolling Stones y en un comercial de 1998 para la marca de vodka Smirnoff.
Gondry suele ser citado, junto con los directores Spike Jonze y David Fincher, como representante de la influencia de los directores de vídeo musicales en la cinematografía mundial. Gondry hizo su debut en el séptimo arte el año 2001 con Human Nature, consiguiendo críticas dispares.Sus videos musicales son autenticos hitos y descubrimentos visuales, experimentando y creando todo tipo de recursos y efectos visuales. El guion lo firmo Charlie Kauffman, otro inovador, en este caso de guiones y planteamientos narrativos. Junta esto dos autores y conseguiras una de las peliculas mas originales de los ultimos diez años. Su segunda cinta, Eternal sunshine of the spotless mind (que es también su segunda colaboración con el guionista Charlie Kaufman) fue estrenada en el año 2004 y recibió numerosas críticas entusiastas. Eternal sunshine of the spotless mind utiliza muchas de las técnicas de montado de escenarios, uso de perspectiva y escasos efectos por computadora, sumado a largas tomas y un tratamiento pictórico de la imagen, herramientas con las que Gondry ha experimentado en sus vídeos musicales.
Su hermano Olivier Gondry también es un director de anuncios de televisión y vídeos musicales

De imprescindible vision es la coleccion de videoclips de "director label" que junto a la Chuningam, Jonze, Glazer y Romanek es una obra de referencia en todo lo referente a tecnicas visuales de finales de este pasado siglo XX. http://www.directorslabel.com/




Videografía

Lista cronológica de vídeos musicales dirigidos por Gondry:
Declare Independence - Björk (2007)
King of the Game - Cody Chesnutt (2006)
Heard'em Say - Kanye West (2005)
The Denial Twist - The White Stripes (2005)
Ribbon - Devendra Banhart (2004)
Mad World (versión de la banda sonora de Donnie Darko) - Gary Jules (2004)
I Wonder - The Willowz (2004)
Light & Day (versión cinematográfica) - The Polyphonic Spree (2004)
Walkie Talkie Man - Steriogram (2004)
Ride - The Vines (2004)
The Hardest Button To Button - The White Stripes (2003)
Come Into My World - Kylie Minogue (2002)
Star Guitar - The Chemical Brothers (2002)
Dead Leaves & The Dirty Ground - The White Stripes (2002)
Fell In Love With A Girl - The White Stripes (2002)
Knives Out - Radiohead (2001)
Let Forever Be - The Chemical Brothers (1999)
Gimme Shelter - The Rolling Stones (1998)
Music Sounds Better With You - Stardust (1998)
Another One Bites The Dust - Wyclef Jean (1998)
Bachelorette - Björk (1997)
Jóga - Björk (1997)
Deadweight - Beck (1997)
Everlong - Foo Fighters (1997)
Around The World - Daft Punk (1997)
A Change (Would Do You Good) - Sheryl Crow (1997)
Feel It - Neneh Cherry (1997?)
Sugar Water - Cibo Matto (1996)
Hyperballad - Björk (1996)
Like A Rolling Stone - The Rolling Stones (1995)
She Kissed Me - Terence Trent D'Arby (1995)
Isobel - Björk (1995)
Protection - Massive Attack (1995)
Army of Me - Björk (1995)
High Head Blues - Black Crowes (1995)
Lucas With the Lid Off - Lucas (1994)
Fire On Babylon - Sinéad O'Connor (1994)
Little Star - Stina Nordenstam (1994)
Human Behaviour - Björk (1993)
Snowbound - Donald Fagen (1993)
Believe - Lenny Kravitz (1993)
La Tour De Pise - Jean Francois Coen (1993)
Je Danse Le Mia - I AM (1993)
Big Scary Animal - Belinda Carlisle (1993)
Hou! Mamma Mia - Les Négresses Vertes (1993)
She Kissed Me - Terence Trent D'Arby (1993)
This is it, Your Soul - Hot House Flowers (1993)
Voila, Voila, Qu'ça R'Commence - Rachid Taha (1993)
How the West was won - Energy Orchard (1992)
Paradoxal Système - Laurent Voulzy (1992)
Comme un ange (qui pleure) - Les Wampas (1992)
Two Worlds Collide - Inspiral Carpets (1992)
Les Voyages Immobiles - Etienne Daho (1992)
Close but no cigar - Thomas Dolby (1992)
Blow me down - Mark Curry (1992)
La Ville - Oui Oui (1992)
Ma Maison - Oui Oui (1990)
Les Jupes - Robert (1990)
Les Cailloux - Oui Oui (1989)
Dô, l'enfant d'eau - Jean-Luc Lahaye (1988?)
Les Objects - Sarah (1988?)
Bollide - Oui Oui (1987?)
Junior Et Sa Voix D'Or - Oui Oui (1987

CHARLES BUKOWSKI, LA SENDA DEL PERDEDOR

Bukowski es para la poesia lo que Godard al cine o Dali a la pintura un rebusirvo mas que necesario heredero directo de los poetas beats como Ginsberg o Burroughs, de Rimbaud o Apollonaire. El ultimo de la generacion maldita de los escritores norteamericanos. Su obra tiene mucho que ver cons sus admirados Hemingway y Henry Miller. Su desgarradora manera de escribir, con un estilo realista y directo es el arquetipo del anti-heroe, siempre de la mano del perdedor. Tambien tiene mucho que ver su manera de escribir con muchos de los llamados escritores beats como Jack Kerouac, con un estilo de relatos cortos casi improvisados cargados de una fuerte dosis de rebeldia. Escribo poesia y no leo tanto como deberia, de lo poco que conozco Bukoswki y Machado son los que me han gustado con diferencia.

Charles Bukowski (1920-1994) fue el último escritor "maldito" de la literatura norteamericana. Ha sido comparado con Henry Miller, Céline y Hemingway, entre otros autores, y ha inspirado numerosas películas como Barfly de Barbet Schroeder y Ordinaria Locura de Marco Ferreri. Durante cinco décadas, sus libros fueron mordientes crónicas de sus propias experiencias personales le ganaron millones de devotos lectores en todo el mundo. Pero como él mismo indica en alguno de sus libros autobiográficos (como en su diario o en el relato de su gira europea) fue en Europa donde lo descubrieron. Los lectores americanos siempre tuvieron miedo. En un artículo publicado en el periódico californiano San Francisco Chronicle se puede leer la siguiente reseña: "Ningún escritor norteamericano contemporáneo ha descalificado el sueño americano con tanta perseverancia como Charles Bukowski." Seguramente fue por la osadía de Buk que surgieron sus lectores en América: murió en una gran casa de Hollywood a los 73 años. Vivía con una hermosa mujer y estaba rodeado de gatos.

Charles Bukowski nació en Andernach, en Alemania, en 1920. Lo trasladaron a los dos años a Los Angeles, donde residió siempre. Su infancia estuvo marcada por constantes enfrentamientos con su padre y desaveniencias con su madre, en un entorno familiar acosado por la violencia, el paro y el enrarecido ambiente patriótico norteamericano durante la Segunda Guerra Mundial. También estuvo marcada por una terrible infección de acné en la piel, que le dejó marcas en la cara para el resto de su vida, y por su afición al boxeo y a las bibliotecas. Durante muchos años sobrevivió en la jungla urbana, entre empleos episódicos, peleas y borracheras sin destino. Durante muchos años, y tras un breve paso por la universidad, se ganó la vida con trabajos manuales temporales, espaciados por los periodos de vacaciones que se tomaba cuando tenía suerte en las apuestas del hipódromo, afición que reflejó continuamente en su obra. Empezó a escribir cuentos muy joven pero, tras un primer relato publicado por una revista en 1944, abandonó la literatura por un espacio de diez años, en los que sentó los cimientos de su leyenda alcohólica.Empezó a publicar poesías y relatos cortos en revistas underground, hasta que a los 49 años, después de haber trabajado los últimos 20 en el servicio de correos (como repartidor), dejó el trabajo y se dedicó sólo a escribir, su fruto fue Cartero (1970), su primera novela. A ésta seguirían otras cinco, todas protagonizadas por Henry «Hank» Chinaski, alter ego del propio Bukowski. El éxito lo convirtió en escritor de culto y poco a poco su popularidad se extendió más allá del nuevo continente. Las lecturas de poesía y esporádicos viajes (uno de ellos a Europa, visitando su pueblo natal y reencontrándose con familiares lejanos) convirtieron sus últimos años de vida en una constante lucha contra la comodidad y el aburguesamiento, y fruto de ello publicó Peleando a la Contra, un auténtico testamento oficial y la auténtica biografía de Charles Buk

Sus primeras obras se publicaron en la década de 1960 en editoriales y revistas underground; a esta época pertenecen colecciones de poemas como «Crucifijo en una mano muerta» (1965) o la que para muchos es su mejor obra en verso, «Los días pasan como caballos salvajes sobre las colinas» (1969). La poesía de Bukowski, al que le gustaba vanagloriarse de haber escrito su primer poema con 35 años, está marcada por abundantes datos autobiográficos,. Nunca abandonó su producción en verso que, con los años, se fue haciendo más directa, más sobria, como en «El amor es un perro del infierno» (1974) o «La última noche de la tierra» (1992). Bukowski escribió más de treinta poemarios, que le han acreditado como gran poeta; sin embargo, pocos de sus poemas se han traducido al español.
Su primera novela, «Cartero» (1970), le permitió abandonar la oficina de correos en la que trabajaba. A ésta seguirían otras cinco, todas protagonizadas por Henry Hank Chinaski, alter ego del propio Bukowski, entre las que cabe destacar «La senda del perdedor» (1982). Los cuentos de Bukowski están reunidos en varios volúmenes. El más conocido, «Erecciones, eyaculaciones, exhibiciones» (1972), recoge relatos aparecidos en varias revistas underground. La prosa de Bukowski es, si cabe, más autobiográfica, en un 90% según el propio autor, que su poesía, y es la que le ha dado fama entre los lectores de habla hispana; todas sus obras en prosa están publicadas en español. El alcohol, el sexo, la soledad y los aspectos más absurdos y sórdidos de nuestra civilización ocupan un lugar de honor en la obra de Bukowski, que siempre evitó los ambientes literarios; prefería los bares y las habitaciones lúgubres.

los mejores de la raza

no hay nada quediscutir no hay nada querecordar

no hay nada que olvidar
es tristey no es triste
parece que la cosa mas sensata que una persona puede hacer es estar sentada con una copa en la mano mientras las paredes blanden sonrisas de despedida
uno pasa a traves de todo ello con una cierta cantidad de eficiencia y valentia entonces se va
algunos aceptanla posibilidad de Dios para ayudarles en su paso
otros lo aceptan como es
y por estos
bebo esta noche.

TAKESHI MIIKE, BONG JOON-HO, PARK CHAN WOOK, SANGRE NUEVA PARA EL CINE ASIATICO

El cine asiatico esta experimentando una etapa dorada.Son multitud los realizadores provenientes de Taiwan China, Japon y Korea que ponen al cine asiatico en un lugar de vanguardia en la cinematografia actual. Atras quedan los años en los que asia exportaba a Occidente unicamente cine de serie -B y artes marciales. Autores como el japonés Takeshii Miike o el chino Kang Hai o el korenao Kim Ki Duk le estan dando una nueva significación al cine de autor. Me gustaria señalar tres nombres en concreto, pero podrian ser cientos los nombres a remarcar, los seleccionados son los koreanos Chan Wook y Joon Ho y el japones Miike. El cine que se hace en Asia en su mayoria es diferente, elgente y sofisticado, le esta dando una nueva prespectiva en la manera de hacer películas, se experimentan formas que en Europa o Estados Unidos podrian parecen impensables, son el complemento perfecto para muchos titulos que podemos disfrutar en Europa . Un capitulo aparte mereceria hablar del trabajo del penultimo presidente del jurado de Cannes el chino Wong Kar Hai

Takeshi Miike. Director eclectico y provocador donde los haya. Su manera de concebir el cine no tiene comparacion con ninguna referencia actual. Sus peliculas crean sensaciones antagónicas en el espectador, Algo parecido al austriaco Hanecke , por un lado crea una sensacion de repulsion y rechazo en el espectador pero por otra parte aflora una parte de fascinacion y atraccion por lo que se esta viendo. Ningun tema es considerado Tabu por Miike, incesto, aborto, violencia extrema, sadomasoquismo son temas recurrentes en la filmografia de Miike, pero no vistos una desde una perspectiva sensancionalista y de violencia gratuita, tampoco pretende hacer un analisis de la sociedad y tratar estos temas tal como lo haria un intelectual, sencillamente muestra a sus personajes tal y como son sin hacer ningun tipo de juicio de valor sobre ellos, no busca ningun tipo de culpable, Miike nos muestra el lado mas oscuro del ser humano donde nuestro peor enemigo somos nosotros mismos. Es de señalar tambien que la mayoria de las veces que trata el tema de la vioelncia lo hace desde el humor. un humor muy "negro" y con "muy mala leche" si se quiere, pero humor al fin y al cabo algo que no hay que tomarse demasiado en serio. Al igual que pasa con Tarantino en occidente , Miike con sus mas de 30 años de experiencia como realizador ha levantando todo tipo de polemicos en los estrenos de sus trabajos, se ha tenido que topar con todo tipo de censores, moralistas, asociaciones feministas, y de todo tipo de defensores del estado de "derecho" consideran la violencia y la deshuanizacion de sus peliculas como una mala influencia para la juventud y la sociedad en general. El cine de Miike (y el cine en general), no creo que pretendar dar ningun tipo de leccion moral ni alentar en ningun apsecto, si se puede extraer algun mensaje de sus peliculas es la de no tomarse nada en serio. El cine de Takesshi Miike no es para todos los gustos, como pasa con los mejores directors, sus peliculas se odian o se veneran como autenticos titulos de culto. Si te atreves merece la pena acercarse al menos una vez al cine de Miike.

Dead or Alive..No confundir con DOA la adaptacion del videojuego, que bajo ciertas circunstancias podria llegar a ser hasta interesante(circunstancia de haberse fumado un porro de maria antes de verla).
Dead or Alive Pelicula eclectica donde las haya, del siempre interesante director nipón. Cine de "Yakuza" llevando hasta un extremo al que nadie antes se ha atrevido a llegar. Hay imagenes que por su belleza, plasticidad y crudeza son dificiles de olvidar. Miike demuestra que la exageracion y la violencia bien utilizados como recurso estetico pueden llegar ser muy efectivos incluso hermosos. DOA esta cargada de pesonajes bizarros y grotescos, que se mueven en una atmosfera repleta de violencia extrema, situaciones surrealistas y el tan caracteristico humor absurdo de sus peliculas.

Gozu.El gran maestro del cine post-moderno Takeshi Miike vuelve a dar una lección de como hacer cine sin compromisos ni ataduras morales, soprendiéndonos de principio a fin en una película que se aleja de todo tipo de convencionalismos. En su film Gozu del año 2003 el director japonés nos muestra una pelicula moderna con una fuerte carga de nihilismo, humor absurdo ademas de su correspondiente dosis de violencia. En esto se parece a otros compañeros de oficio suyos como el austríaco Michael Hanecke o el Argentino afincando en Francia Gaspar Noe. En palabras de Hanecke la violencia en sus películas no se presenta como en el cine convencional donde tan frecuente es ver escenas explicitamente violentas, en la que vemos una "violencia de consumo" debidamente exagerada y teatralizada para su comercialización. Dejando aparte el debate de la violencia en el cine, la violencia se nos presenta en estas películas atraves del sufrimiento de los personajes, tristemente real y cercana, sin exageraciones ni artificios dejando en el espectador una reacción cuando no menos inquietante. El cine de Miike es como un viaje sin retorno a la locura. Es una muestra sin concesiones de la parte más oscura del ser humano. No es para todos los gustos son ese tipo de películas que se odian o se veneran pero aun asi merece la pena acercarse por lo menos una vez al cine de Miike

Masters of Horror (2005-2006) (episodio "Imprint")
Yôkai daisensô (2005)
Izo (2004)
Three Extremes (2004)
Paato-taimu tantei 2(2004)
Zebraman (2004)
Chakushin ari (Llamada perdida)(2004)
Kôshônin (2003)
Kikoku (Yakuza Demon) (2003)
Gokudô kyôfu dai-gekijô: Gozu (Gozu) (2003)
Jitsuroku Andô Noboru kyôdô-den: Rekka (Deadly Outlaw: Rekka)(2002)
Shin jingi no hakaba (Graveyard of Honor) (2002)
Dead or Alive: Final (2002)
Katakuri-ke no kôfuku (The Happiness of the Katakuris) (2001)
Araburu tamashii-tachi (Agitator) (2001)
Koroshiya 1 (Ichi the Killer) (2001)
Bizita Q (Visitor Q) (2001)
Dead or Alive 2: Tôbôsha (Dead or Alive 2: Birds) (2000)
Hyôryuu-gai (The City of Last Souls) (2000)
Dead or Alive: Hanzaisha (Dead or Alive) (1999)
Ôdishon (Audition) (1999)
Chûgoku no chôjin (The Bird People in China) (1998)
Full Metal gokudô (Full Metal Yakuza) (1997)
Gokudô sengokushi: Fudô (Fudoh: The New Generation) (1996)

Park Chan Wook. El salvador del cine post-moderno. Sus peliculas son de genero, adaptaciones de comics o ideas propias, pero visto de una perspectiva nunca nates explorada. Su llamada trilogia de la venganza, tiene un hueco privelegiado en el llamado cine "Post -moderno" el cine de Chan Wook va un paso por delante de la post_modernidad, instaurado en una vanguardia que esta empezando a aflorar a cominezos de este siglo y que otros autores como Miike , Ho, o Kang Hai le estan ayundando a consolidar como movimiento. Sus peliculas son revisiones clasicas del genero de terrror, con us particular vison del ver el cine. Wook es capaz de sintetizar diferentes estilos cinematograficos, verdaderamente este realizador koreano es capaz de honrar en su manera de seleccionar temas y eludir otros. Viendo "Oldboy" o "Sympathy for Mr Vengance" me cuesta imaginar algun titulo del cine contemporaneo que les supere. Tal vez Chan Wook consiguiera con Oldboy todo lo que no hiciera Trantino en su "Kill Bill".

Park Chan Wook es un cineasta Koreano. Estudio filosofia en la universidad de Seul. Viendo "Vertigo" decidio que queria dedicarse al cine. Despues de graduarse comenzo a escribir articulos de cine en revistas especializadas, y se convirtió en asistente de direccion en "Kkamdong" de Yu Yeong-Jin y "Watercolor painting in a Rainy Day" de Kwak Jae-yon. Su debut fue con "The Moon Is....the Sun,s Dream" y despues de cinco años hizo su segundo film "Trio", la respuesta por parte de publico y crítica fue mas bien fria. Despues de su tercer película "Joint Security Area" Park era mas reconocido como critico de cine que como cineasta. El exito conseguido en "Joint Security Area" pelicula comercial al fin y al cabo, Wook consiguio reunir dinero suficiente para financiar su proxima película, un tiutlo mas personal e independiente "Simpathy for Mr. Vengance" primer titulo de la llamada trilogía de la venganza, Esta pelicula es una cronica dura y sin conscesiones del secuestro de una menor y sus terribles consecuencias. Con un estilo eclectcio, un ritmo pausado y reflexivo, y fuertes cargas de violencia y nihilismo Chan Wook, fue configurando su estilo. Estilo que haria eclosion en sus dos proximas películas "Oldboy" y "Sympathy for Lady Vengance". En 2004 "Oldboy" gano la palma de oro en el festival de Cannes, Tarantino formaba parte del jurado y se confenso seguidor inconmesurable del trabajo del realizador Koreano. Respondiendo a la preguinta de un periodista en Cannes acerca de la venganza en sus films como tema recurrente. Park contesto que decidio hacer tres titulos consecutivos con la venganza como tema central.Se podria pensar que Park estaba haciendo un alegato a favor de la venganza, nada mas lejos de la realidad el director Korenao presenta una critica sin concesiones, sus peliculas tratarn de demostrar la futilidad de las misma y como desmorona la vida de las personas que hacen acopio de ella. En 2005 realizo un proyecto conjunto de tres historrias contada por tres realizadores ( T.Miike , Fruit Chan y el propio Wook) en "Three Exremes". Se le ofrecio dirigir el Remake del clasico de Sm Raimi "The Evil Dead" pero deisitio a favor de su nuevo proyecto "Im a Cyborg thats Ok" de inminente estreno en las carteleras europeas.

Director
Moon Is the Sun's Dream (1992)
Saminjo (1997)... aka Trio
Judgement (1999) (short film)
Joint Security Area (2000)
Sympathy for Mr. Vengeance (2002)
If You Were Me (2003) (segment "Never Ending Peace And Love")
Oldboy (2003)
Three... Extremes (2004) (segment "Cut")
Sympathy for Lady Vengeance (2005)
I'm a Cyborg, But That's OK (2006)
Evil Live (2007) (pre-production)

powered by frazy.com

Guionista

Moon Is the Sun's Dream (1992)
Saminjo (1997)...aka Trio
Judgement (1999)
Anarchists (2000)
Joint Security Area (2000)
The Humanist (2001)
Sympathy for Mr. Vengeance (2002)
A Bizarre Love Triangle (2002)
If You Were Me (2003)
Oldboy (2003) (screenplay)
Three... Extremes (2004) (segment "Cut")
Sympathy for Lady Vengeance (2005)
Sonyeon, Cheonguk-e gada (2005)
I'm a Cyborg, But That's OK (2006)
Evil Live (2007)

Boong Joon Ho. Director Sur Coreano amigo de Park Chan Wook. Se dice que fue Wook quien le regaló la novela de "Memories of Murder" titulo del cual haria una adaptcion para cine. Bautizado como el Spielberg asiatico, Wook ha sabido revitalizar mejor que nadie el ya mas que reciclado genero del Thriller y de Terror.

Antes de dar el salto a la gran pantalla Bong realizo multitud de cortometrajes aclamados por la critica, su debu fue con una comedia tiulada " Barking Dogs Never Bite" del año 2000. En 2003 estreno " Memories of Murder" basada en hechos reales, durante la dictadura de Corea del sur en los 80, cuenta la historia de como la incompetente policia del estado sigue el rastro de un escurridizo asesion en serie sin ningun exito. La pelicula gano el equivalnete a los "goya" de Korea del Sur. Su titulo mas conocido es "The Host" pelicula de mosntruos, que revitaliza el genero de terror.

Director
Barking Dogs Never Bite (2000)
Memories of Murder (2003)
The Host (2006)

EL CINE DE MARTIN SCORCESE

Martin Scorcese es el ultimo clasico contemporaneo del siglo XX. Proveniente de la generacion de los 70, donde se hacia un cine realmente de autor financiado por los grandes estudios. Junto a Coppola, Lucas, De Palma, Spielberg, Schrader, Milus y Hill esta generacion de directores influenciados por el cine europeo y asiatico (Nouvelle Vague, Kurosawa, Buñuel...) y la revolucion sexual, le dieron un nuevo lavado de cara al ya mas que reciclado panorama cinematográfico de la época. El cine de "Gangsters" de Scorcese renueva por completo el cine negro y policial, "Mean Streets" "Goodfellas" y "Casino" es la culminacion del genero. Scorcese mezcla la tradicion del Neorrealismo Italiano y el cine negro clasico, dandose un resultado cuando no menos espectaular. Con explosivas actuaciones , un montaje increible y solidos guiones, el cine negro de Scorcese pasa junto a los grandes clasicos del cine. Las colaboraciones entre Schrader y Scorcese en"Taxi Driver" y "Raging Bull" son un episodio aparte en la historia del cine.

Originalmente, Scorsese planeaba ordenarse como sacerdote, lo que se nota en muchas de sus películas que reflejan una crianza católica. Fue atraído hacia el cine a edad temprana, y admite estar "obsesionado" con las películas; obsesión que se aprecia en el documental de 1995 A Personal Journey with Martin Scorsese Through American Movies (Un viaje personal con Martin Scorsese a través de las películas de Estados Unidos). Siendo un niño enfermizo, pasaba mucho tiempo en recuperación en casa, observando lo que ocurría en la calle, desde su ventana. Gran parte de su infancia la pasó en cines, lo cual contribuyó a su determinación en ser cineasta.

Carrera

Décadas de 1960 y 1970 Martin Scorsese pertenecía a una familia de la clase trabajadora; su padre era planchador de pantalones. Sus padres fueron el tema de su documental Italoamericano, y tuvieron numerosas apariciones en las películas de su hijo como actores secundarios.
Durante varios años, su madre trabajó como la proveedora oficial de comida en todas las producciones de Scorsese, mientras su padre trabajaba en el departamento de vestuario. En la película Goodfellas (Uno de los nuestros), Scorsese dijo que nadie planchaba cuellos como su padre lo hacía.



Scorsese asistió a la Universidad de Nueva York, obteniendo una licenciatura en la escuela de cine en 1964, y una maestría en la misma disciplina en 1966. Realizó su primer largometraje (Who´s knocking at my door?, 1969) con su compañero de estudios Harvey Keitel, y a partir de entonces formó parte de la "banda" de cineastas de la década de 1970: Francis Ford Coppola, Brian De Palma, George Lucas, y Steven Spielberg. De Palma fue quien le presentó a Robert De Niro, lo cual resultó en una cercana amistad que los llevó a compartir muchos proyectos.
En este periodo, Scorsese también trabajó como editor de la película Woodstock.
En 1972, Scorsese dirigió Boxcar Bertha por encargo de productor de películas de serie B Roger Corman, quien había ayudado a muchos directores a comenzar sus carreras, entre otros Francis Ford Coppola, James Cameron y John Sayles. Con Bertha, Scorsese aprendió a hacer filmes rápidamente y de forma económica, lo cual lo preparó para su primera película con De Niro, Mean Streets (Malas Calles). La película resultó un éxito que lanzó a Scorsese y De Niro al estrellato. Entonces, la actriz Ellen Burstyn escogió a Scorsese para dirigirla en la película Alice Doesn't Live Here Anymore (Alicia ya no vive aquí), de 1974. Burstyn ganó un Oscar a la mejor actriz por esta película.
A continuación, Scorsese exploraría sus raíces étnicas en el documental Italianamerican, sobre sus padres Charles y Catherine Scorsese.
Dos años después, Scorsese asombró al mundo con Taxi Driver. La película tenía actuaciones brillantes de De Niro y Jodie Foster, en uno de los más violentos y sombríos retratos de la vida neoyorquina plasmado en cine. Taxi Driver ganó la Palma de Oro en el Festival de Cannes, y recibió cuatro nominaciones al Oscar, incluyendo el premio a la mejor película de habla inglesa.
Algo que hacía única a la película, era el uso de las tomas "Punto de vista", que se han convertido en una constante en las películas de Scorsese.



El éxito de Taxi Driver, animó a Scorsese a proseguir con su primera película de alto presupuesto: New York, New York. Este tributo musical a la ciudad natal de Scorsese, fue un rotundo fracaso de taquilla. Para entonces, Scorsese ya había desarrollado una grave adicción a la cocaína. Entre su adicción y la depresión provocada por el último filme, Scorsese aún encontró la creatividad suficiente para hacer The Last Waltz (El último vals, 1978), un documental bellamente fotografiado sobre un concierto de The Band. Ese mismo año, apareció otro documental dirigido por Scorsese, titulado American Boy.

Década de 1980 Convencido de que estaba haciendo su última película, Scorsese invirtió todas sus energías en Raging bull (Toro Salvaje). La película se estrenó en 1980, y es considerada como una obra maestra, además de haber sido votada la mejor película de la década de 1980, por la revista británica Sight and Sound. Como era de esperarse, la película recibió varias nominaciones al premio Oscar, incluyendo Mejor Actor (Robert de Niro), y la primera nominación para Scorsese como Mejor Director. De Niro ganó su estatuilla, pero Robert Redford se llevó ese año el Oscar al mejor director.
The Last Temptation of Christ (La última tentación de Cristo, 1988) está basada en el libro de Nikos Kazantzakis "La última tentación" (1951). Originalmente, la película iba a ser producida bajo el sello Paramount Studios en 1983 con Aidan Quinn en el papel de Jesús y Sting en el de Poncio Pilatos. Sin embargo, Paramount se retiró días antes de comenzar la filmación, argumentando presiones de grupos religiosos, por lo que el proyecto tuvo que esperar casi cinco años.
Una vez pasado el colapso del proyecto, Scorsese notó que el mundo del Hollywood de la década de 1980 estaba siendo cada vez más comercial, y los filmes personales y altamente estilizados que él y sus colegas produjeron una década antes, no disfrutarían del mismo recibimiento. Así, Scorsese decidió emprender un nuevo camino con su carrera. Con After hours (¡Jo, qué noche!, 1985) Scorsese efectuó un cambio estético encaminándose hacia un estilo prácticamente "underground". La película fue hecha con un presupuesto extremadamente austero, de noche y en localizaciones del barrio del SoHo en Manhattan.
Después, Scorsese dirigió el vídeoclip Bad (1987) para Michael Jackson. En 1986, dirigió The color of money (El color del dinero), protagonizada por Paul Newman, Tom Cruise y Mary Elizabeth Mastrantonio. El filme es una secuela de The hustler (El Buscavidas, de Robert Rossen), también protagonizada por Newman. Este último ganó el Oscar al Mejor Actor de 1986.
Con el dinero obtenido por El color del dinero, Scorsese pudo filmar The last temptation of Christ en 1987, con un presupuesto modesto, pues Scorsese sabía que el filme no iba a arrasar en las taquillas. Sin embargo, Scorsese no anticipó el furor y la controversia que iban a desatarse cuando el filme fue estrenado al año siguiente. Las protestas en todo el mundo llegaron a la quema de varias salas, y a su prohibición durante más de quince años en algunos países. Por este filme, Scorsese recibió su siguiente nominación al Oscar al Mejor Director; nominación que tampoco ganó. Sin embargo, el respaldo que varias figuras del mundo político le dieron a esta película le dio a Scorsese el ímpetu para su siguiente trabajo: Goodfellas (Uno de los Nuestros o Buenos Muchachos, 1990).

1990 a la fecha Con Goodfellas Scorsese volvió a su nativa Nueva York, y se reencontró con Robert De Niro y Joe Pesci. Esta película sobre la vida de un gángster ha sido llamada la mejor película de mafiosos desde El Padrino, y le dio a Scorsese su tercera nominación al Oscar como Mejor Director; Oscar que perdió, esta vez frente al novato Kevin Costner por "Bailando con lobos".
Scorsese prosiguió haciendo un remake de la película de 1962 Cape Fear (El Cabo del Terror o Cabo de Miedo), lo cual probó que Scorsese podía ser un éxito de taquilla en Hollywood. Los siguientes años los pasó haciendo películas de bajo éxito pero aclamadas por la crítica (The Age of Innocence, Kundun), e involucrándose en apoyar los proyectos de otros cineastas, como Quiz Show, Search and Destroy, Mad Dog and Glory y Clockers. Scorsese dirigió en ese periodo la película Casino, y volvió al mundo de Taxi Driver en 1999, dirigiendo Bringing Out The Dead(Al límite).
En 1990, Martin Scorsese actuó en el papel de Vincent van Gogh en el filme Dreams (Sueños) de Akira Kurosawa. En 1999, trabajó en un documental llamado Il Mio Viaggio in Italia (Mi viaje en Italia).



En 2002, Scorsese dirigió Gangs of New York (Bandas de Nueva York), la cual hasta ese entonces había sido su empresa más arriesgada, con presupuesto superior a los cien millones de dólares; el presupuesto más alto en la carrera de Scorsese. La reacción de la crítica hacia la película, fue moderadamente positiva, y, aunque no fue un gran éxito de taquilla, el filme tampoco fue un fracaso. Además, recibió diez nominaciones al Oscar, incluyendo Mejor Película, Mejor Director, y Mejor Actor (para Daniel Day-Lewis). Scorsese perdió nuevamente, esta vez frente a Roman Polanski.
El siguiente filme de Scorsese fue The Aviator (El aviador), película biográfica del excéntrico multimillonario y pionero de la aviación Howard Hughes. El filme fue lanzado a finales de 2004, con aclamación de la crítica. Ganó tres Globos de Oro, incluyendo Mejor Película Dramática. En la entrega de los premios Oscar, El aviador fue la película con más nominaciones (once, incluyendo Mejor Película, Mejor Director y Mejor Actor para Leonardo Di Caprio). Esta vez, Scorsese también salió con las manos vacías, al ver a Clint Eastwood llevarse el Oscar al Mejor Director y a la Mejor Película.
Scorsese es Presidente de Film Foundation, una fundación sin fines de lucro dedicada a la preservación del material fílmico en deterioro.
El 5 de enero de 2005, Scorsese recibió el reconocimiento Légion d'honneur de parte del gobierno de Francia, por sus contribuciones al cine.
Después de presentar su documental sobre Bob Dylan en 2005, sorprendió a todos en 2006 con su galardonada pelicula Infiltrados, con la cual ha cosechado numerosos elogios. En esta cinta policial se reunió nuevamente con Leonardo Di Caprio y, por primera vez, con Jack Nicholson. El 25 de febrero de 2007, la academia de las artes de Hollywood le entregaba el Oscar al mejor director (y otros 3 Oscars para esta película) con lo que se hacía justicia con uno de los más grandes directores de los EE.UU., que había sido nominado 8 veces y nunca había ganado, ni como director ni como guionista.
Para el año 2007 tiene planeado estrenar un documental acerca de los Rolling Stones.

Filmografía selecta

Director

The departed, (Infiltrados) (2006)
No Direction Home: Bob Dylan - A Martin Scorsese Picture (2005)
The Aviator (El aviador), (2004)
Gangs of New York (Pandillas de Nueva York), (2002)
Bringing Out the Dead (Al límite), (1999)
Il Mio Viaggio in Italia (1999)
Kundun (1997)
Casino (1995)
The Age of Innocence (La edad de la inocencia) (1993)
Cape Fear (El cabo del miedo), (1991)
Goodfellas (Uno de los nuestros) (1990)
New York Stories (Historias de Nueva York primer capítulo) (1989)
The Last Temptation of Christ (La última tentación de Cristo), (1988)
The Color of Money (El color del dinero), (1986)
After Hours (¡Jo, qué noche!), (1985)
The King of Comedy (El rey de la comedia), (1983)
Raging Bull (Toro Salvaje), (1980)
The last waltz (El último vals), (1978)
New York, New York (1977)
Taxi driver (1976)
Alice Doesn't Live Here Anymore (Alicia ya no vive aquí), (1974)
Italianamerican (1974)
Mean Streets (Malas calles), (1973)
Boxcar Bertha (1972)
Street scenes (1970)
Who's that knocking at my door? (1967)
The Big Shave (cortometraje) (1967)



Actor

Shark Tale (El cazatiburones) (2004)
Gangs of New York (2002)
Quiz Show (El dilema), (1994)
Dreams (1990)
Guilty by Suspicion (1990)
Round Midnight (1986)
Taxi Driver(1976)

MUAY THAI, DEPORTE MILENARIO

El Muay Thai se puede definir como defensa personal, deporte, y arte, decir de algunos. Sin embargo, su acepción de deporte de contacto y espectáculo de entretenimiento es la forma común de entender esta actividad. Muay Thai se ha convertido en un símbolo nacional de la historia y la identidad del Reino de Tailandia. Sus raíces están en el muay boaran; variante tradicional y arte marcial a su vez que en la actualidad esta disciplina complementa al muay thai.
En muchos países de sudamerica, Tales como Brasil, Argentina, Chile; Es conocido el Muay Thai. Unos de los torneos más grandes se realizo en Chile a medias del año 1992, El cual se proyectó un torneo por categorías y abierto (Cual sea el estilo es valido), Se destacaron varios competidores los más destacados fueron: Ivan Da Silva, (Brasil)(2do lugar), Maximo Agostini, (Argentina)(3er lugar) y Josè Daniel Calderòn, (Chile)(1er lugar y campion sudamericano en kata y kumite abierto.

Historia
Nacido en Siam, lo que conocemos modernamente como Tailandia. La capital antigua de este reino se encontraba situada en Sukhotai hacia el año (1238-1408). Al hallarse permanentemente en guerra contra reinos vecinos como los de Burma y Camboya, la ciudad se vio obligada a desarrollar las habilidades de sus soldados en el manejo de lanzas, espadas, y en utilizar el cuerpo como un arma en situaciones de combate a distancia corta. Técnicas como las patadas, golpes con el puño, rodillas, espinillas, codos y ciertas maneras de derribar al adversario, fueron desarrolladas en ese entonces. Durante este periodo el Muay Thai era considerado como un arte esencial, y parte del curriculum real para poder aspirar al trono.
Durante los siglos subsecuentes el arte continuó evolucionando pero fue hasta el reinado del rey Narai (1604-1690) caracterizado por ser una época de paz, que se convirtió en deporte profesional. Las peleas se efectuaban en un espacio delimitado, consistente en una cuerda sobre el piso formando un cuadro para indicar el área de combate. Las reglas eran simples: pelear hasta que uno quedara de pie, o que uno de los dos se rindiera. No había limitaciones en cuanto a peso, estatura o edad, las aldeas competían unas contra otras y se efectuaban apuestas.
En 1774 Angwa, el rey de los burmeses, quiso realizar una celebración para la gran pagoda de Ragoon, Esta celebración incluyó el boxeo y se llevaron boxeadores thai para enfrentar a los boxeadores del reino. En el día 17 de Marzo de aquel año, Nhai Khanomtom, quien era un prisionero de guerra capturado por el ejército enemigo combatió y derrotó a 10 boxeadores del rey Angwa sucesivamente sin ningún periodo de descanso entre las peleas. Era la primera vez que el Muay Thai se utilizaba en una competición fuera de Tailandia, por este logro, Nai Khanomtom fue honrado con el título de ¨Padre del Muay Thai¨ o ¨Creador del Muay Thai¨ y el día 17 de Marzo es conocido hasta hoy como ¨Día del Muay Thai¨.
Muay Boran fue dividido a Muay ThaSao (norte), Muay Korat tailandés (Esarn o al noreste), Muay Lobburee tailandés (región de centro), Muay Chaiya tailandés (el sur) Hay una frase sobre Muay Boran tailandés que indique, “sacador Korat, ingenio Lobburee, postura Chaiya.” Emphazies de Muay Korat en fuerza. Hay una llamada “sacador de la técnica del búfalo que lanza”. Era llamada como esto puesto que puede derrotar el búfalo en un soplo. Emphazies de Muay Lobburee en movimientos listos. Su punto de la fuerza es el sacador recto y dado vuelta. Emphazies de Muay Chaiya en la postura, defendiendo. Es difícil que el opositor ataque. Tensión de Muay Chaiya en codos y rodillas.
Otra historia sobre el boxeo tailandés habla de un famoso boxeador llamado Nai Kanome Tome, que significa Sr. Pastel de Arroz, que dejó cao 9 boxeadores burmés. Entraron en el cuadrilátero con las manos cubiertas de cola y cristales rotos. Esta lucha se denominó desde entonces boxeo tailandés en cuadrilátero

Técnicas
El Muay thai esta lleno de técnicas diversas. La adaptación contemporánea como deporte lo asemeja en principio al boxeo, pero después de verlo y analizarlo, es un deporte de una complejidad diversa y una disciplina rigurosa. En esta disciplina se pueden usar todas las extremidades del cuerpo como la mano, el codo, el brazo, el pie, la pierna y agarrar al contricante.



La indumentaria del Muay thai en la actualidad consiste en pantalones cortos y vendaje en manos, pies y espinillas como única protección, el uso de guantes fue introducido en el año de 1929 por un boxeador filipino y se volvió obligatorio, así como el protector bucal y la división por pesos a partir de 1945. Cuando los contrincantes ingresan al ring, tradicionalmente se les ve utilizando un Mongkon sobre su cabeza y un Pong Malai alrededor del cuello. El Mongkon es una banda especial entretejida cuidadosamente que representa al gimnasio del cual provienen. Pong Malai son collares con ornamentos florales, entregados por amigos y seguidores como un gesto de apoyo y buena suerte, similares al Lei hawaiano. El mismo propósito tienen los Papriachat(amuletos de buena suerte), que son lazos utilizados alrededor del bíceps, regalados por familiares cercanos. El thai boxer comienza entonces un complejo ritual a manera de danza llamado Ram Muay donde se imita diversos animales o profesiones, el Ram Muay tiene como objetivo el poner en movimiento la mayor cantidad de músculos posible y ayudar a enfocar la mente. es posible que en la actualidad sa lo mejor que el muay thai sea considerado como un deporte extremo por loq ue es practicado en los paises de alto grado de dinero para la realizacion de apuestas, que en su debido tienpo fueron ilegales por lo cual es un deporte que se considera ilegal en algunos paises, no por su alto grado de peligro si no por que en la mayoria de los lugares donde se practica se realizan apuestas y en su mayoria de estos lugares son ilegales sobre todo en USA (estados unidos de america) por lo cual este a perdido un alta grado de importancia sobre todo por sus costumbres que en su mayoria solo lo practican como un deporte extremo para la realizacion de dinero facil. por otro lado el muay thai es un deporte sobre todo espiritual el cual se reserva a un alto grado de consentracion de para el peleador ya que en su verdadera manera de llevar este debe ser reservcado a la practica necesaria como un deporte de maxima seguridad en le cual el que se encuentra en el ring debe empezar el combate con un ritual el cual conta de varios pasos o en su mayoria de varios rituales los cuales sirven para auyentar a los supuestos malos espiritus para que el combatiente tenga una buena actuacion y sobre todo mantenga una coneccion con los supuestos maestros los cuales se dicen que existieron en la antiguedad y se deben contactar en la actualidad para no salir del cuadrilatero muerto y conservar la vida.

Muay Thai en la actualidad.
El Muay Thai en la actualidad se practica como un deporte en muchos países del mundo. Su difusión global le ha convertido en uno de los deportes de contacto más extendidos y su número de practicantes no para de crecer. Los mejores nakmuays son tailandeses, pero actualmente otros países pueden competir en igualdad de condiciones, sobre todo en las categorías de peso más altas. Holanda es cuna de muchos luchadores famosos como el legendario Ramon Dekkers, Ernesto Hoost, Peter Aerts y muchos más que se enfrentaron con tailandeses en su propio país y con reglas completas de Muay Thai.

JOEL PETER WITKIN FOTAGRAFIANDO EL OTRO LADO DEL ESPEJO

Nacido de padre judío y madre católica, sus padres se divorciaron cuando era joven debido a sus irreconcialiables diferencias religiosas. Trabajó como fotógrafo de guerra entre 1961 y 1964 en la Guerra de Vietnam. En 1967 decidió trabajar como fotógrafo freelance y se convirtió en el fotógrafo oficial de City Walls Inc. Estudió después escultura en la Cooper School Of Fine Arts de Brooklyn donde consiguió un título en artes en 1974. Después de que la Universidad de Columbia le concediera una beca terminó sus estudios en la Universidad de Nuevo Mexico en Albuquerque donde consiguió su Master en Bellas Artes.
Según el propio Witkin su particular visión y sensibilidad provienen de un episodio que presenció siendo pequeño, un accidente automovilístico en el que una niña resultó decapitada. También cita las dificultades en su familia como una influencia. Su artista favorito y gran influencia es el Giotto.
Sus fotos suelen involucrar temas y cosas tales como muerte, sexo, cadáveres (o partes de ellos) y personas marginales como enanos, transexuales, hermafroditas o gente con deformaciones físicas. Sus complejos tableauxs a menudo evocan pasajes bíblicos o pinturas famosas. Esta naturaleza transgresora de su arte ha consternado a la opción pública en repetidas ocasiones y ha provocado que lo acusen de explotador y que haya sido marginalizado como artista en diversas ocasiones.
Su acercamiento al proceso físico de la fotografía es altamente intuitivo que incluye manchar o rayar el negativo y una técnica de impresión con las manos en los químicos. Esta experimentación comenzó luego de ver un ambrotipo del siglo XIX de una mujer y su amante quien había sido arrancado.

Si la fotografía es el arte de fijar una sombra, el vidrio es el medio que transfiere esa sombra a la película. Para Joel-Peter Witkin, cuyos cuadros elaborados contienen una reverberación extrema entre la vida y la muerte, el vidrio encierra poderosas asociaciones. "Oldenburg," dice Witkin, " describió una vez al vidrio como un 'relámpago atrapado en la arena'. " Un día antes de que se presentara la retrospectiva de Witkin en el Museo Guggenheim de Nueva York, habló con Michael Sand acerca de la fotografía, la moralidad, y los restos de seres humanos.
VIDRIO
Mi padre tuvo cuatro hermanos, todos eran vidrieros, a mi me incluía en el trabajo de ellos. Mi primer trabajo consistió en romper vidrio con unos polines, para que luego el pudiera reponerlo. Así que el trabajo consistió en simplemente romper vidrios. Naturalmente que no teníamos protección, algo así como goggles por ejemplo. Durante las primeras dos o tres horas de estar rompiendo vidrios se me metió una astilla en el ojo. Mi padre la saco. Tenía unas manos inmensas. Me dobló el párpado para atrás con el palito de un fósforo de madera-- sus manos olían a mastique, puros y mugre - y me retiro la astilla. Esa astilla se había incrustado en la parte blanca del ojo, y yo me estaba volviendo loco. Sin embargo, esta fue la comunicación mas cercana que tuve con mi padre, salvo cuando venía a la casa para hablar con mi madre. Hablaban de cosas de dinero porque el tenía que pagarle la alimentación de la familia. También venía de visita y mostraba fotos extrañas.
Me llevó a un lado y me mostraba recortes de la revista Life, o Look, de periódicos como el Daily Mirror o The News ( no era un lector del New York Times). Yo debo de haber tenido como cinco años, y sabía cuando me mostraba esas fotografías que el me estaba diciendo que el no podía hacerlas, pero que tal vez una parte de el si pudiera hacerlo, por mi conducto. Sin decirlo, yo lo miraba y sabía, que el sabía que yo podía intentarlo.
Pienso que lo que hace que una imagen sea poderosa, es que a diferencia de otros medios, como el vídeo o el cine, aquí se trata de la quietud. Pienso que alguien que se hace fotógrafo es porque quieren absorberlo todo y comprimirlo a que quede en una imagen fija. Cuando realmente quieres decirle algo a alguien, los agarras, los tomas y abrazas. Eso es lo que ocurre con la imagen fija.


HOMBRE DE VIDRIO
Nacemos desnudos. En realidad deberíamos vivir desnudos -- no lo digo literalmente, sino en términos de honestidad y franqueza. He visto cientos de personas sobre las losas, y ocasionalmente veo una mujer que aun es hermosa-- y eso es muy muy impresionante. Tiene un impacto muy fuerte porque esta uno mirando les restos de una vida humana, o la evidencia de lo que fue una vida.
Me quedé cuatro días adicionales en la Ciudad de México, cuando estuve haciendo la imagen del "Hombre de Vidrio" porque no lograba encontrar el cuerpo que requería. Cuando llegan los cuerpos traídos de la calle, existe la duda de como es que murieron. La gente de la calle puede ser que se la encuentre hasta días después de haber fallecido, lo cual dificulta encontrar la razón de su muerte.
En sus camionetas blancas, choferes de la morgue hacen recorridos a diario para recoger cadáveres. Cuando los encuentran, éstos son lanzados sobre la camilla boca abajo. Sus narices se rompen en ocasiones, apilan hasta seis cadáveres uno encima del otro, algunos bastante inflados. Se les toma su identidad, se les retira su ropa y se mantiene un registro.
Al quedarme esos días adicionales en la Ciudad de México, intuí que algo iba a ocurrir. Me pasaron una llamada telefónica de que habían recogido a cuatro hombres, en la última ronda del último del día antes de partir. Me dirigí al hospital con mi interprete y me fui a tomar fotografías. Uno de los muertos había sido atropellado por un automóvil, y no estaba en muy buenas condiciones. Otro de los hombres ya era una personas de edad, no me resultaba. Otro más había muerto de las cuchilladas recibidas. Los camilleros cuidaron de que no se les rompieran las narices, por tratar de ayudarme. El último de los cadáveres, era de un punk el cual visualmente no me resultaba muy interesante.
Para algunas personas la evidencia de su alma esta allí o no, a la hora de la muerte. Por eso cuando vi a este último de los cuatro cadáveres, dije, con este me quedo. Esto era alrededor de Navidad, y los mexicanos estaban afuera celebrando y preparándose para las vacaciones.
Allí estoy en una habitación con ese cadáver. Lo estoy tratando de posar, le coloco un pescado en sus manos a manera de elemento visual, tomo una lectura de la luz y procedo a tomar unas fotografías solo como un registro. Pido que procedan con la autopsia que le hacen a los cadáveres. Tan pronto como le hacen la autopsia comienza a cambiar. El esta en la mesa, y comienza a transformarse. Volteo para hablar con mi interprete, quien es un hombre muy inteligente, y ambos hemos visto lo mismo. Y el me dice" " Le están haciendo el juicio, en este momento" . De repente dejo de ser un punk. Delante de nosotros sufrió esa transformación en la mesa de la autopsia. Les pido a los técnicos que no lo laven que le dejen toda la sangre que provino de la sutura. Generalmente abren la cabeza y retiran el cerebro. Algunas veces regresan el cerebro, en otras solo colocan una toalla de papel, o tal vez las "Ultimas Noticias" para mantener la forma de la piel. En esta ocasión regresaron el cerebro. Cuando estaban manejando la masa encefálica de un lado al otro, dije: " Mira ese cerebro- puede ser que haya contenido pensamientos de maldad, y como sea que haya sido juzgado, ahora ya tiene una presencia distinta".
Cuando me lo regresaron, lo coloque en una silla y le tome unos retratos allí sentado. Luego me pase con el una hora y media hasta que se vio como San Sebastián. Se miraba como una persona que tenía elegancia. Sus dedos, lo juro, habían crecido como cincuenta porciento. Se veía elegantes. Eran los dedos mas elongados que le haya yo jamas visto a un hombre. Parecía que deseaban alcanzar la eternidad.
MORAL Y MORTANDAD
Pienso que la mayoría de las personas no están conscientes que la mortalidad tiene que ver con la vida y la muerte. Desde luego que no todo tiene que ver con el trabajo duro de la existencia, si no de lo que ocurre en la vida.
Cada momento es una decisión moral. Hay un código de moralidad en cada uno de nuestros corazones, y es una cuestión de encontrar nuestros destinos y el propósito de esos destinos. Esta vida es un sitio para ensayar, debiera de ser un ensayo sublime.
Seamus Heany, que recién acaba de ganar el premio Nobel de literatura, dijo " La finalidad del arte es la paz". Me parece una frase admirable. La razón por la que vamos a Museos y la razón por la que admiramos cosas bellas es porque ya no hay muchas cosas bellas allá afuera. Pienso que los Museos se han convertido en un especie de nuevo centro religioso, como centro espiritual de la vida secular.
Hay esta gran historia que me dijeron acerca de un andariego que iba por el desierto. Y en uno de sus recorridos de repente escucha a la distancia el choque de acero contra rocas. Se dirige hacia el sitio de donde parten esos ruidos, y se encuentra a dos hombres rompiendo piedras en el desierto. Se acerca a uno que al parecer estaba muy enojado, y le pregunta ¿ que estas haciendo ? y el hombre responde " estoy rompiendo piedras". El andariego se acerca al otro hombre que también estaba haciendo lo mismo, pero que no estaba enojado, y al preguntarle que era lo que el estaba haciendo, le respondió " estoy construyendo una catedral".

Paginas de J.P.Witkin.

http://www.correnticalde.com/joelpeterwitkin/

http://supervert.com/essays/art/joelpeter_witkin

http://www.art-forum.org/z_Witkin/gallery.htm

http://d-sites.net/english/witkin.htm

http://br.geocities.com/artxxcentury/joel_peter_witkin.htm

EL CINE DE TAKESHI KITANO

Takeshi Kitano (北野 武 en kanji, Kitano Takeshi ; nacido el 18 de enero de 1947) es un actor, cineasta, comediante, escritor, poeta, pintor, diseñador de videojuegos para adultos japonés. Conocido en su país principalmente como personaje televisivo y miembro del dúo cómico Two Beat (de ahí que figure como Beat Takeshi o ビートたけし en kana, Bīto Takeshi cuando actúa en películas que él no dirige; cuando dirige un filme participando o no como actor en él, firma simplemente como Takeshi Kitano). Sin embargo es su faceta cinematográfica la que lo ha hecho conocido en el resto del mundo. Su peculiar trabajo cinematográfico ha recibido el apoyo de la crítica, tanto en Japón como a nivel internacional. Como actor, se dio a conocer internacionalmente al interpretar al Sargento Hara en Feliz Navidad, Mr. Lawrence, de Nagisa Oshima. Uno de sus trabajos más elogiados como cineasta ha sido Flores de fuego. También ha interpretado y dirigido Brother (2000) y Zatoichi (2004), además de otras muchas películas. Desde abril de 2005, dicta una cátedra en la Escuela de Postgrado de Artes Visuales de la Universidad Nacional de Tokio de Bellas Artes y Música.
Las películas que Kitano ha dirigido son generalmente dramas acerca de mafiosos o la policía, caracterizadas por contar con un humor muy inexpresivo, casi estático. Comúnmente emplea largas tomas, donde parece que nada sucediera o la edición cuenta con cortes que saltan a las consecuencias de un suceso determinado. Muchas de sus películas expresan una filosofía sombría o nihilista, pero también cuentan con mucho humor y un gran cariño por los personajes. Paradójicamente, los largometrajes de Kitano parecen dejar impresiones controvertidas. Si bien superficialmente siguen la estructura de la comedia negra o del cine de yakuzas, ellos enfatizan preguntas morales y entregan mucho material para la reflexión personal. Si bien el reconocimiento que recibe en el mundo crece, el público japonés le conoce principalmente como animador de televisión y comediante. Su interpretación de Zatoichi en la película homónima de 2003 ha sido, hasta el momento, su mayor éxito comercial en el Japón. Dolls 2003 película que dirigió y en la que no participó como actor, se considera que es su obra maestra, tanto por el guión que él mismo escribió, como la puesta en escena y la fotografía hecha con una gran maestría en el tratamiento de los colores produciendo unos planos de excepcional belleza plástica.
Tras estrenar recientemente la película Takeshis' (2005) con escaso éxito de público y muy malas críticas; que le han impulsado a decidir que su próxima pelicula sea quizás la última, se encuentra trabajando en Kantoku Banzai, un nuevo film que mezcla géneros tan diversos como acción, ciencia ficción, terror o amor.
También es conocido por ser el presentador del hilarante concurso Takeshi's Castle, conocido en España como Humor Amarillo, emitido en España a principios de los 90 y que el canal Cuatro recuperó en 2005.
En los barrios marginales de Tokio, en el seno de una familia verdaderamente pobre, la mañana del 18 de enero de 1947, nace como el último de cuatro hermanos. El barrio donde se cría es Adachi ko un autentico cenagal de pobreza y hambre bañado por un río cargado de jabón y donde las familias que viven en sus pequeñas casitas cultivan vegetales entre todos para poder sobrevivir. Como la mayoría de las zonas del Tokio de posguerra, esta estaba gobernada por la mafia local, los yakuzah, y el pequeño Takeshi, que compensaba su falta de juguetes con una enorme imaginación, creció bajo la idea de que su padre (Kikujiro) era un yakuzah y se enfrentaba a bandas rivales con un traje y una pistola, cuando la cruda realidad era que su padre era un pintor con cuyo sueldo no tenía suficiente ni para dar de comer a uno solo de sus hijos. Sin embargo, eso no desanimaba a Kikujiro Kitano, un hombre muy alegre y bromista que contagiaba a todos su buen humor por muy mal que fueran las cosas. Y mientras Takeshi jugaba en el río o se perdía en el bosque, su madre, Saki, arrastraba a su hijo a que estudiase duramente, por lo que acabó estudiando ingeniería. Siendo una persona altamente rebelde y violenta, Kitano fue expulsado. Su primer trabajo, en 1972, fue de camarero en un cabaret donde se juntaban los “salary men” y los yakuzah para ver striptease y dúos cómicos (“mazais”). Más tarde, pasó a ser ascensorista dentro del mismo local, fue entonces cuando conoció al humorista “Beat Kyoshi”, cuyo verdadero nombre era Kyoshi Kaneko y que forma parte de un dúo mazai; atraído por la idea del humor, el Kitano ascensorista, cuya mayor parte del tiempo se dedicaba a subir y bajar al dueño del local, le preguntó a este si podía actuar, pero al saber que no tenía ninguna experiencia, el dueño rechazó la petición. Quiso la casualidad que, tras mucho insistir en subirse a los escenarios, la pareja de Beat Kyoshi enfermara y nadie podía sustituirle, Kyoshi que conocía al ascensorista y su pasión por el humor mazai, lo impulsó a formar un grupo llamado “The Two Beats: Beat Kyoshi & Beat Takeshi” , el grupo fue toda una revelación en el sentido del humor mazai, que, hasta entonces suponía la repetición de un sketch en el que un miembro se hacía el tonto y el otro se enfadaba. Kitano ideó una nueva manera de llamar la atención, mientras el mismo se dedicaba a pasearse entre el publico e improvisando iba insultando a los presentes por sus rasgos más llamativos, Beat Kyoshi seguía la misma ruta disculpándose y diciendo que no hicieran caso a su amigo porque estaba borracho o porque era un tonto, al final, Kyoshi comenzaba a sermonear a Kitano que fingía desmayarse por el alcohol o se hacía el dormido. El éxito fue al que ambo acabaron formando un programa de televisión que el propio Kitano acabó dirigiendo en la NHK, corría el año 1974 y “The Two Beats” eran los cómicos de moda. El gran acierto de Kitano fue cambiar por completo el contenido del programa, que se llamó “Takeshi´s Castle” y donde la pareja cómica hacía de dos señores feudales, encerrados en su castillo, que estaba siendo invadido por tropas hostiles (concursantes de todas las edades, sexos y zonas del país) pero para entrar en el castillo había que realizar todo tipo de pruebas a cuál más estúpida, donde los participantes acababan lesionados, encharcados, llenos de barro y cualquier otra perrería, mientras Kyoshi y Kitano se burlaban de ellos por inútiles desde su castillo Khon todo tipo de comentarios graciosos. El programa se hizo tan famoso que cruzó fronteras, siendo en EEUU, Alemania y España todo un éxito de masas (aquí, bajo el nombre de “Humor Amarillo” emitido por Telecinco a principios de los 90).




no puede evitar ser testigo de que se presenta ante él una red que mediante pequeños y minuciosos detalles dan luz a obras más grandes y destacables, uno no puede analizar un texto si no conoce le lenguaje, ni puede comprender un cuadro si no distingue los colores, del mismo modo, uno no puede comprender las películas de Takeshi Kitano si no comprende los elementos claves que la forman: los personajes. Y es que, a la hora de hablar del realizador nipón, los que no han sabido ver el trabajo de un gran autor, sacan como primera apología de su postura la reiteración de argumentos, y , especialmente, de personajes a lo largo de toda su filmografía. ¿Acaso el escritor no se ve limitado por un número de palabras determinadas en el idioma que usa?¿No parten todos los pintores de los mismos colores?. Kitano hace uso de sus personajes, sacados de una paleta básica, y explora su comportamiento, de ahí que figuras como el yakuzah o el policía corrupto, que chocan con otros personajes más jóvenes y más inocentes.

¿Qué tendrán en común un niño que busca a su madre, un samurai ciego que lucha por dinero, un yakuzah en sus últimos días en la playa y un policía que planea un robo? En principio, son personajes totalmente diferenciados, pero Kitano sabe introducirlos en su mundo de vacíos y silencios a través de comportamientos comunes a todos ellos. Un rasgo particular a todos es su afición al juego; ya sea de manera infantil (los juegos de Kikujiro), de una manera más adulta (la afición a los dados de Ichi), de una manera peligrosa (la ruleta rusa en “Sonatine”) o referente al deporte (el baseball en “Boiling Point”, el surf en “escenas frente al mar”, el boxeo en “Kids Return” y el baloncesto en “Brother”). Los personajes buscan el juego con una doble intencionalidad: como elemento conciliador para la participación de sus compañeros o como vía de escape a su infancia reprimida y a su niño interior que no ve con buenos ojos las vidas que llevan y se expresa mediante la inocencia y las bromas. Y del juego deriva el juguete, los personajes de Kitano usan y abusan de su juguete rindiendo un culto fetichista a los objetos que más los representan (la pistola en “Violen Cop”, el álbum de fotos de Masao en “el verano de Kikujiro”, las flores muertas o la cometa en “Hana-Bi”, el bastón de “Zatoichi”) y que son los verdaderos espectadores de la historia, testigos presénciales de los hechos, como la tabla de surf abandonada en “escenas frente al mar” o los personajes convertidos en muñecos en la evocadora “Dolls”. ¿Y porque recurrir al objeto? Porque notan un vacío en sus vidas, todos y cada uno de los personajes de Kitano son seres tristes, meras carcasas que resisten a dejarse morir a la espera del algo que les satisfaga, como flores muertas a las que alguien continua regando, lo mismo que se ve en “Hana-Bi” el policía de “Violent Cop” es un tarado, un imbecil sin sentimientos que no duda ni en disparar a su propia hermana no hay nada dentro de él que no sea odio, ira y rencor; El chico de “escenas frente al mar” vive solo por y para el surf, sin sentir interés por nada más, “Boiling Point” es solo un sueño sin sentido, la búsqueda de la emoción en una vida marcada por el aburrimiento, los yakuzah de “Sonatine” malgastan el tiempo en bromas porque no tienen aficiones ni nada en lo que entretenerse que no sea su trabajo, el policía de “Hana-Bi” vive preso de la culpa y quiere remediarlo con dinero trazando un plan de robo que el sabe como imposible pero que termina resultando, el amor en “Dolls” es un amor condenado al fracaso y al sufrimiento, ¿por qué Anniki ayuda a su hermano, al que le estaba pagando la carrera, a convertirse en delincuente?¿Porque libera a alguien que acabará matándole? Anniki no escapa a su inexorable destino y deja que las cosas sigan su curso, solo se permite el lujo de alargar espera y reírse a cuenta de los demás, Ichi el samurai no se queda a ver la celebración del pueblo que hacen en su honor porque cree que no se la merece, se considera a si mismo el tipo de escoria contra la que lucha, se considera un asesino tanto o más cruel que sus enemigos.



Esa falta de cariño y su actitud inmadura derivan en la violencia; se ha dicho mucho sobre la violencia en el cine de Kitano, en primer lugar es necesario advertir que dicha violencia no es para nada gratuita, el humor y la violencia tienen como misma raíz el salvajismo extremo de su obra, el director nipón es un máxime defensor del nihilismo y se sirve para expresarlo de la violencia paroxista en toda su gama, todo parte del desencantamiento y la frustración, del mismo vacío que sienten los personajes que no encuentran su lugar, también parte de conceptos que surgen del mismo modo de vida japonés, como el estrés, la antisociabilidad y la falta de aprecio al prójimo; Japón es un lugar de vidas rápidas y egoístas, Y Kitano aprovecha esa locura y la concentra en ira ficticia que sus espectadores observan con pasión ya que el mero hecho de verla les lleva a no desearla y sin reprimirlos, el efecto que produce es el de desquite de todo los pesares. Cada uno de los japoneses ve en las victimas de estas películas a su jefe, su maestro o cualquier ejemplo de autoridad y aplauden la rebeldía de Kitano, una lucha antisistema que ellos no quieren llevar a la práctica porque se ven reflejados en esos personajes grises y consideran que sus alter egos ya han hecho bastante.



Kitano levanta pasiones, tanto en el mal como en el buen sentido, y para muchos es un maestro que no solo ha ido mejorando y aprendiendo con el tiempo, si no que nos ha hecho partícipes y colaboradores de su viaje hasta llegar a la maestría absoluta, siendo fiel a sus principios por muy polémicos que sean; y para otros no es más que un charlatán, un loco que nos toma el pelo con películas largas, sin diálogos y donde siempre pasa lo mismo, salpicándolo con un poco de sangre para que parezca interesante. ¿Es un genio o un engaño? Yo no puedo responder a esa pregunta, pero puedo darles mi opinión, aunque lo mejor es que se formen la suya propia y decidan ustedes mismos su postura. Y es que, si hay algo que provocan las películas de Kitano, ya sea para defenderlas o atacarlas, es hablar de ellas.

SERIES DE ANIMACION EN TELEVISION, LA FICCION SUPERA A LA FICCION

Las telecomedias siempre han tenido un hueco importante en la television desde sus inicios. Como pasa con el comic, en la animación , sobre todo en la comedia, es mas facil recrear situaciones graciosas y gag visuales, que en las comedias convencionales. No hay que dirigir ningun tipo de actores se puede recrear cualquier situación imaginable, con un estilo mas o menos realista, y la inmediatez es mayor que en estas comedias de personajes reales. De muy atrás las series de animación para televisión, crearon su propio lenguaje visual, los cartoons de la Warner son un buen ejmplo de ello. Aunque ya esten asimilados por la mayoria de la cultura, crean un lenguaje y un ritmo muchas veces imitados por películas de actores de carne y hueso. Mas adelante con la llegada de los años 90 en Estados Unidos comenzaron a aprecer series de animacion de familias en las que se satiriza ele estilo de vida americano. Los Simpson son una muestras significativa de esto. Mas tarde series como “Family Guy” o “South Park” harian lo propio.


Los Simpsons. es una serie animada de televisión. De origen estadounidense y temática adulta, Los Simpson fueron creados por Matt Groening, y narra la vida y el día a día de una familia de clase media estadounidense que vive en un pueblo ficticio llamado Springfield (en Estados Unidos hay 16 localidades llamadas así). En palabras de su creador, Groening, la serie es una sátira y crítica hacia la sociedad estadounidense. finales de 1985, James L. Brooks, productor del programa The Tracey Ullman Show, necesitado de entreactos para el programa, le encargó a Matt Groening que los realizara, pues le había gustado su otro trabajo, la tira cómica Life in Hell (La Vida en el Infierno en inglés). Los Simpson fueron creados en quince minutos, mientras Groening esperaba a ser recibido por Brooks en su despacho. El 19 de abril de 1987 en un pequeño corto de dos minutos titulado Good Night, Los Simpson hicieron su primera aparición. Se emitieron cuarenta y ocho cortos en el programa, hasta que la familia pasó a tener su propia serie, cuyo primer capítulo se emitió el 17 de diciembre de 1989. La cadena Fox tuvo dudas acerca de si la serie sería vista en horario de prime time, algo que no pasaba desde Los Picapiedra, por lo que planeó emitir sólo cuatro episodios en la primera temporada. James L. Brooks convenció a la cadena de que emitieran trece episodios. Sin embargo, pronto Los Simpson se convirtieron en un éxito de audiencia.




Family Guy. Padre de Familia (en su idioma original, inglés: Family Guy) es una serie de televisión animada para adultos creada por Seth MacFarlane en 1999. La serie fue cancelada en 2002 (Fox fue retirándola progresivamente de su parrilla de programación), pero debido a la demanda del público la serie volvió en el 2005 junto con una nueva serie creada también por Seth MacFarlane, llamada American Dad con mucho parecido a Padre de Familia, pero con una historia diferente.
La serie gira en torno a las aventuras de Peter Griffin y su familia en el pueblo de Quahog. Peter es un trabajador de una fábrica de juguetes irresponsable y fiestero. Lois, su esposa, es ama de casa y profesora de piano. Tienen tres hijos que son: Chris, un muchacho gordo de reacción lenta y con un gran talento para el dibujo; Meg, una adolescente rechazada en la escuela y humillada continuamente por su familia y "amigos"; y Stewie, un bebé que planea matar a su madre y conquistar el mundo. También vive con ellos un perro que habla, de nombre Brian, posiblemente el personaje más culto y sensato de la serie, además de que siempre quiere acostarse con Lois.
En Latinoamérica la serie es emitida por Fox y cadenas abiertas de algunos países, como Canal 13 de Chile o Canal 5 de México en su momento. En España la serie se emitió por primera vez a través de Fox España, pero posteriormente la nueva cadena de televisión en abierto, La Sexta, estrenó la primera temporada el 1 de abril de 2006. El humor absurdo y surrealista asi como la critica y burla sin concesiones a los personajes publicos son notas constantes en padre de familia.
Desde el comienzo de Padre de Familia, empezó el eterno debate, las similitudes y diferencias entre la serie Los Simpson, la primera serie de animación adulta de éxito. Se pueden ver similitudes en la familia, un padre bajo de mentes, una madre sensata y con toques artísticos, dos hermanos y un bebé. Ambas de clase media, con casa grande en un barrio residencial.




South Park South Park es una serie de comedia animada distribuida por Warner Bros. y transmitida por Comedy Central desde el año 1997 en Estados Unidos por el desaparecido canal Locomotion y por la MTV desde el 2005. Trata sobre las aventuras de cuatro niños que viven en el pequeño pueblo llamado South Park, Colorado. South Park es una crítica de muchos aspectos de la cultura estadounidense y eventos históricos recientes, reta a las firmes creencias, y los tabúes y muy frecuentemente hace uso del humor negro. El 11 de marzo de 2007 empezó la temporada numero 11 en los Estados Unidos con ya al aire 6 capítulos. El programa se caracteriza por manejar eventos actuales de una manera muy franca. Algunos ejemplos: un episodio que trata sobre la repatriación de unas quintillizas rumanas que salió al aire durante el escándalo sobre Elián González, y también incluía a personajes como Janet Reno, la Fiscal General en ese entonces. Otro episodio transmitido después de los atentados del 11 de septiembre de 2001 mostraba a los niños viajando en un avión militar hacia Afganistán y encontrando a Osama bin Laden. Un episodio en el que aparece una mujer que accidentalmente expuso uno de sus senos y lanzó un chorro de leche materna a través del pueblo, fue transmitido después del fallo en el vestuario de Janet Jackson durante el Super Bowl XXXVIII. En otro episodio Kenny McCormick dura muerto unos días y vive de forma vegetativa al ser atropellado por un automóvil mientras juega un videojuego entre ángeles contra demonios en un PSP, y ante eso abre un acalorado debate sobre la necesidad de desconectar su sonda; finalmente, Kenny muere por los ángeles, para que dirigiera el contraataque contra los demonios. Eso sucedió después de la desconexión de la sonda y posterior muerte de Terry Schiavo El programa fue estrenado 12 horas después de la muerte de Terry. Muchas veces, la serie ha sido comparada y, ocasionalmente, rivalizada con Los Simpson. South Park tiene su origen en el año 1991, cuando Trey y Matt, en aquel entonces estudiantes de cine en la Universidad de Colorado, crearon un corto animado llamado Jesus vs. Frosty (también conocido como The Spirit of Christmas o "el espíritu de la navidad"). La película, realizada con técnicas rudimentarias, presenta los prototipos de los niños de South Park, incluyendo un personaje similar a Cartman pero llamado "Kenny", quien trae un hombre de nieve asesino a la vida usando un sombrero mágico. El niño Jesús entonces salva el día decapitando al monstruo con su aureola.
Los ejecutivos de la cadena Fox vieron la película y la encontraron muy graciosa. En 1995 el ejecutivo Brian Graden contrató a Parker y Stone para crear un segundo corto animado para enviar a algunos amigos como una tarjeta navideña. Bajo el título The Spirit of Christmas, se parecía mucho más en estilo al estilo empleado más tarde en la serie, y presentaba un duelo de artes marciales (terminado en tregua) entre Jesús y Papá Noel, iniciado por una discusión sobre el verdadero significado de la navidad. El video fue esparcido rápidamente, tanto en copias de video como a través del entonces novedoso Internet. La producción de este corto llevó al planteamiento de la serie, primero con Fox y luego con Comedy Central. La serie fue estrenada el 13 de agosto de 1997.
En febrero de 1998 fue presentado el episodio número trece (y el último de la primera temporada), en el cual Cartman intenta encontrar a su padre. El episodio termina anunciando que el misterio sería revelado en cuatro semanas. Cuatro semanas más tarde fue presentado un episodio completamente dedicado a Terrance y Phillip (dos comediantes ficticios) causando un gran escándalo entre los fanáticos. Aparentemente se trató de una broma del día de los inocentes para la audiencia.
Al año siguiente, el muy aclamado largometraje animado, South Park: Más grande, más largo y sin cortes (en inglés South Park: Longer, Bigger And Uncut) fue estrenado. La película consiguió satirizar tanto a sí misma como a las reacciones de los moralistas conservadores.




Duckman. Duckman fue una serie cómica animada desarrollada por Jeff Reno y Ron Osborn, basada en personajes creados por Everett Peck en su comic Dark Horse. La serie consistió en 70 episodios desde 1994 a 1997 en USA Network. Los manejadores del show iniciales fueron Reno y Osborn, y el show fue producido por Paramount Television. La animación fue producida por Klasky Csupo, una compañía de Gabor Csupo y Arlene Klasky, aunque los mismos Csupo y Klasky tuvieron poco que ver con el desarrollo del show. Años más tarde, el manejo del show pasó a David Misch y Michael Markowitz. La música para la primer temporada la compuso y ejecutó Frank Zappa.
La serie sigue las aventuras de un lascivo pato detective privado, que vive con su familia y cuñada, llamada Bernice (gemela idéntica de su esposa). La esposa de Duckman, Beatrice, murió antes del comienzo del show. En una vuelta sorpresiva, se revela que Bernice y Beatrice tuvieron otra hermana, trilliza, llamada Beverely quien en un episodio, Duckman persigue creyendo que su esposa muerta ha vuelto de la tumba.
Jason Alexander, más famoso como George Costanza en Seinfeld, le da la voz al personaje principal, Duckman, cuyo misterioso primer nombre más tarde es revelado, Eric. Otros personajes son sus dos hijos, Charles y Mambo, cuyas cabezas comparten el mismo cuerpo, (voces: Dana Hill (hasta su muerte), seguida por Pat Musick, y Elizabeth Daily); su hijo mayor, adolescente, Ajax (voz: Dweezil Zappa), y su compañero de trabajo, un sorprendentemente talentoso cerdo llamado Cornfed (nombre completo: Willibald Fievel Cornfed) (voz: Gregg Berger). Nancy Travis le dio las voces a las trillizas Bernice, Beverly, y Beatrice.
También están Fluffy y Uranus (voz: Pat Musick), dos ositos de peluche asistentes de oficina de Duckman, quienes a pesar de ser constantemente asesinados, desmembrados, torturados, siempre mantienen una actitud alegre, como los ositos cariñosos; la abuela, la aparentemente comatosa, inmensa y flatulenta suegra; y el Rey Gallina (voz: Tim Curry), el arci-némesis de Duckman.
Al show eran invitadas regularmente estrellas de alto nivel, incluyendo David Duchovny, Heather Locklear, Burt Reynolds, Carl Reiner, Lisa Kudrow, Leonard Nimoy, Ben Stiller, Ben Stein, Janeane Garofalo, y Dan Castellaneta.




DR.KatzDr. Katz analista profesional (Dr Katz therapist professional) es una serie animada creada por Comedy Central en 1995 finalizando en 1999. Esta serie tiene como protagonista a Jonathan Katz.
Esta serie es conocida por ser de animación cruda, ya que en la serie solo las personas tienen color y los objetos inanimados son en blanco y negro. Esta tecnica es conocida como Squigglevision.Esta serie trata del Dr. Jonathan Katz, psicoterapeuta profesional (como menciona el titulo completo de esta serie). Dr. Katz tiene principalmente como pacientes estrellas, comediantes, etc. frustrados o simplemente muy malos para lograr la fama (por eso toman terapia). Durante todos los episodios se muestra la terapia de uno o dos pacientes a la par de los problemas familiares de la familia Katz. Benjamin Katz, es el unico miembro de la familia, pues su madre se separó de ellos. Ben es un parásito de la sociedad, pues no solamente no tiene un trabajo, si no que no sale de su casa para nada, únicamente para ir al consultorio de su padre. En el consultorio cruza palabras con su secretaria Laura, quien a pesar de las constantes insinuaciones de Ben, no le hace caso.En un episodio de South Park (otra serie de Comedy Central) titulado El Verano Apesta, aparece el Dr. Katz como terapeuta del Sr. Garrison.
-En el episodio 307 de Mr. Show, aparece el Dr. Katz tocando la guitarra junto a Kedzie Matthews, marcando el final del episodio.
-En Mayo del 2006 Comedy Central lanzó un DVD con la primera temporada de Dr. Katz.
-En un episodio de Padre de Familia ("Saving Private Brian")se muestra que Peter Griffin tiene como terapeuta al Dr. Katz
-En Duckman (también de Comedy Central), en cierto capitulo, Duckman mira un retrato del Dr. Katz y dice "Cuando te miran a ti, saben qué están viendo, cuando me miran a mi, cambian de canal".




Robin..Robin es un serie creada por el animador sueco Magnus Carlsson Y Dave Avellone. Cada episodio tiene una duracion de 5 minutos. El primer episodio se lanzo en 1993 trata de un desempleado adolescente llamado Robin y su amigo Martin que esta borracho la mayoria del tiempo. Cuando deciden salir a la calle se encuentran con problemas con las autoridades, y se ven envueltos en la mas estamboticas situaciones. Robin y Martin fueron protagonistas del videoclip de "Radiohead" Paranoid Android.



El rey de la colina. rey de la colina (Los Reyes de la Colina en Latinoamérica) (King of The Hill) es una serie satírica animada de televisión que se emite en Estados Unidos. Representa a la "típica" familia tejana, los Hills. Una familia conservadora, temerosa de Dios, orgullosa de su herencia tejana, los Hills residen en la ciudad ficticia Arlen. Al contrario que otras series animadas, ésta trata de ser realista; es una tragicomedia. Es emitida semanalmente por la FOX. La popularidad de la serie ha permitido que se vuelvan a emitir viejos capítulos por cadenas locales y FX.
El rey de la colina documenta la vida diaria de los Hill. En el proceso trata algunos de los tópicos más controvertidos de Estados Unidos. Entre otros temas, se han tratado la liberación femenina, la educación sexual, los exámenes anales, la diversidad étnica, la autoescuela, y los grupos de ayuda contra la adicción.
La serie es del mismo creador de Beavis and Butthead, Mike Judge, un residente formal de Garland, Texas, que posiblemente es su fuente de inspiración para el nombre de la ciudad ficticia Arlen. La ciudad en la que se basa Arlen se desconoce; de todos modos, apareció una vez una carta mostrando el código postal de Beeville, Texas. Después del éxito de Beavis and Butthead en la MTV, se volvió como co-creador de El rey de la colina con el guionista de Los Simpsons, Greg Daniels.
El tema inicial de la serie es del grupo The Refreshments.




The Oblongs.Serie animada basada en una serie de personajes del libro La Siniestra Susie y otras historias para gente rara. Fue creada por Angus Oblong, responsable también del libro en que se inspira la serie. El tema central de la serie fue realizado por el duo They Might Be Giants.
La serie trata de las andanzas de una familia que vive en una comunidad en un valle, y que, como consecuencia de los residuos tóxicos presentes en el lugar, todos los integrantes de esta familia sufren alguna deformación o defecto físico. Todos estos desechos tóxicos son consecuencia de la forma de vida de una comunidad de más alta sociedad conocida como "La Colina".
Fue estrenada por la cadena The WB en Abril de 2001 y cancelada el mismo año. Consta de 13 episodios. Actualmente la serie es transmitida por Cartoon Network en el bloque Adult Swim en Estados Unidos (desde Agosto de 2002) y Latinoamerica (desde Febrero de 2006).
En España ha sido emitida por el programa Cuatrosfera del canal Cuatro.




Futurama. El mundo visualmente retrofuturista de Futurama no es una utopía pero tampoco una distopía. A diferencia de dibujos animados anteriores como Los Supersónicos, que mostraban un futuro eficiente, limpio y feliz, Futurama retrata una visión mucho menos idealista, donde los humanos siguen teniendo los mismos problemas básicos del siglo XX. La visión del futuro mostrada guarda muchas similitudes con el presente: los mismos políticos y famosos de la actualidad sobreviven como cabezas en tarros, método inventado por Ron Popeil; la televisión sigue siendo el principal medio de entretenimiento; Internet sigue siendo lenta y llena de pornografía; los mensajes publicitarios ahora también se pueden encontrar en nuestros sueños o pesadillas y problemas tales como el calentamiento global, la inflexible burocracia y la drogadicción siguen siendo acuciantes.
Los problemas raciales del año 3000 giran ahora en torno a las relaciones entre los humanos, los alienígenas y los robots. Un conflicto habitual entre los dos primeros son los inmigrantes alienígenas que llenan la Tierra. Un problema específico de la Tierra es su gran población de robots superinteligentes y superincompetentes (tales como robots sin techo y huérfanos, como Tinny Tim), que son generalmente vagos y maleducados, y con frecuencia poco dispuestos a ayudar a sus creadores humanos.




Bob and Margaret .Bob & Margaret es una serie animada basada en el corto Bob´s Birthday (1995), ganador de un premio Oscar. Fue creada por David Fine y Allison Snowden, responsables también del corto ya mencionado. Fue producida por la compañía Nelvana.La serie trata del diario vivir de un matrimonio conformado por un dentista llamado Bob Fish y una podóloga llamada Margaret Fish, junto a sus dos perros.
La vida de la pareja en las primeras dos temporadas se desarrolla en Londres, más tarde en las siguientes dos temporadas la vida de la pareja se desarrolla en Toronto, en Canadá.Fue transmitida inicialmente en Junio de 1998 por la cadena Global TV y finalizó en Noviembre de 2001. Consta de 4 temporadas, en total 52 episodios. En Latinoamérica actualmente es transmitida en Cartoon Network en el bloque Adult Swim, anteriormente fue transmitida en la ex-señal Locomotion, solo que Locomotion Latinoamerica al inicio la transmitio en el doblaje de España.


Baby Blues. Serie basado en una tira de comic Rick Kirkman y Jerry Scott sw 1990 con distintos tipos de registros de humor desde la satira mas sutil hasta el gag mas acido y corrosivo, Baby Blues muestra la doble cara y dificultad de ser padre en una sociedad occidental. Actualmete esta serie se emite en el programa Cuatroesfera de la cadena Cuatro.







Vaca y Pollo. Serie de animacion creada por David Feiss quien se unio a "Hanna y Barbera" como animador cuando tan solo era un adolescente, participo en "The Jetsons" asi como en la pelicula, posteriormente trabajo como director de animacion en "The Ren & Stimpy Show" ya en Cartoon Network, ideo "Cow and Chicken" y " Iam Weasel" . Tanto "Vaca y Pollo" y "Yo soy comadreja" estan provistos de un humor esperpentico, exagerado y puramente absurdo. La serie se caracteriza por una estilización grotesca de los personajes, los detalles grotescos y extravagantes, y una visión surrealista y degradada de la realidad.




The powerpuff Girls. Con un corte estilizado y netamente "Pop" Gendy Tartovsky creo las Supernenas.Es una serie animada infantil estadounidense producida en un principio por Hanna-Barbera Inc. y después pasa a ser propiedad de Cartoon Network Studios, después de que éste último adquiere a la primera compañía. Fue creada por Craig McCracken. Es transmitida en Estados Unidos por Cartoon Network y en Latinoamérica por Cartoon Network Latinoamérica, así como por televisoras nacionales mexicanas como Canal 5 y en Chile por Mega. En España se emite en Cartoon Network España y también dentro del programa Megatrix de Antena 3. El programa también fue transmitido en Telefé en Argentina en el 2005. Craig McCracken dibujó por primera vez a Las Chicas Superpoderosas a comienzos de los años 1990 para presentarlo en la Universidad de California (Cal Arts) en donde estudiaba arte y animación. En primer momento él las bautizó con el nombre de "Whoop-Ass Girls" (traducido como "Las chicas rompetraseros") y las había creado para que fueran "un éxito entre universitarios veinteañeros que fuman marihuana". Craig conoció en Cal Arts a Genndy Tartakovsky. Con él trabajó en Dos perros tontos para los estudios Hanna-Barbera y luego fue segundo de Genndy durante la creación de El Laboratorio de Dexter. Luego de unos años, en 1996, presentó el proyecto a los ejecutivos de Hanna Barbera los cuales lo aceptaron, quedando así a cargo de la serie sirviendo como creador, redactor y director. Mc Cracken, dice haberse inspirado en el Batman de Adam West, en Mister Magoo de George de la Selva y, por supuesto, en el animé japonés.




El Laboratorio de Dexter. serie de animación creada por Genndy Tartakovsky en 1996. La serie trata sobre un pequeño niño genio llamado Dexter, de aproximadamente 8 años de edad. Dexter tiene un laboratorio secreto donde guarda sus experimentos, al que accede diciendo varias contraseñas o activando los interruptores ocultos en un estante para libros, que es realmente una puerta. En muchas ocasiones accede a su laboratorio presionando un botón dentro de un libro en especial, y a veces identificarse leyendo la retina de sus ojos, o hasta identificarse con su voz. Dexter está casi siempre en conflicto con su desagradable y odiosa hermana, Dee Dee, a quien le encanta invadir el laboratorio de su hermano y destruir sus creaciones. Lo inexplicable es cómo logra Dee Dee entrar a su laboratorio. Muchos de los episodios giran alrededor de este tema. En una ocasión Dexter confió el secreto a sus padres para salvar una parte del mundo (principalmente Japón) pero después del incidente borró los acontecimientos de sus memorias.




Bobobo (, ボボボーボ・ボーボボ?, Bobobō-bo Bō-bobo) o algunas veces denominado como Bo x 7, Bo^7, o Bo-bobo, es una serie de animación japonesa creada por Yoshio Sawai y Toei Animation en 2003. La pretensión de sus creadores no es transmitir al espectador una historia profunda sino hacerle reír mediante constantes chistes y situaciones absurdas.[cita requerida] También existen parodias y referencias a numerosas series anime famosas, que son bien apreciadas por los otakus, aficionados a este género de animación.La serie de televisión está basada en el manga Bobobo (, ボボボーボ・ボーボボ?, Bobobō-bo Bō-bobo) que fue publicado en la revista Shōnen Jump. Vio la luz el 11 de agosto de 2003 y consta de 76 capítulos, los cuales ya han sido vistos en España. Su distribución en todo occidente se está realizando por el canal de televisión Cartoon Network, presente en numerosos países de América del Norte, iberoamericanos y europeos. La serie se quedó en 76 capítulos por la presión de las asociaciones japonesas de padres y profesores, las cuales consideraban Bobobo una serie "violenta y con chistes escatológicos", aunque el manga sigue publicándose.
La noticia de la cancelación de la serie no fue bien recibida por los fans de la serie. A fecha de octubre de 2006, ni la compañía de animación, ni la cadena televisiva, ni el autor del manga han revelado nada al respecto
En el año 300X la Tierra cae bajo el dominio del malvado emperador Bola de Billar IV.Y para afianzar su poder decide crear un ejército de Cazadores de Pelo, que se dedican a rapar a la gente de todo el mundo.
Bobobo, que desde pequeño tuvo la especial habilidad de comunicarse con el pelo de la gente y incluso con el suyo propio, se ve empujado a luchar contra Bola de Billar IV y toma el seudónimo de "El liberta-cabelleras". Con la ayuda de cada vez más personajes igual de variopintos que él, irá derrotando a las diferentes divisiones del ejército del malvado emperador, hasta crear un mundo en el que el pelo de la gente pueda ser libre




Fuei KuriFLCL (フリクリ, Furi Kuri?) (a veces romanizado como fooly cooly) es una serie de animación experimental japonesa de seis episodios OVAs, dirigida por Kazuya Tsurumaki del estudio Gainax, publicada por Gainax y Production I.G. en el 2000.La trama se enfoca en Naota Nandaba, un chico de 12 años que vive en una ficticia ciudad japonesa llamada Mabase. Cuando comienza la serie vemos a Naota con una chica, Mamimi Samemija, la ex-novia de su hermano que le acosa y provoca constantemente. Naota admira mucho a su hermano mayor, Tasuku, un excelente jugador de béisbol que fue a Estados Unidos a practicar este deporte. Naota vive con su loco padre, Kamon, y su abuelo, Shigekuni, que es el entrenador del equipo de béisbol de Mabase. En la serie se hacen muchas referencias a Tasukun pero él nunca aparece ni tiene un dialogo en la serie. Naota parece estar decepcionado de la vida y en el primer episodio reflexiona acerca de lo aburrido que es Mabase; a lo largo de la serie demuestra lo decepcionado y frustrado que esta con la ciudad y su vida en general.




Mision HillMission Hill era una serie animada creada por Warner Bros. en 1999. Fueron producidos sólo 13 episodios ya que fue cancelada a las seis primeras semanas de salir al aire. Fueron planeados 5 episodios más para completar la temporada pero no se pudieron terminar. Gracias al bloque nocturno Adult Swim de Cartoon Network fue retrasmitido en distintas partes del mundo como Australia, Europa oriental, América Latina y Estados Unidos donde se convirtió en una serie de culto. http://www.msnhill.com/




DR.Slumpes un comic y anime japonés de Akira Toriyama, el creador de Dragon Ball. Cuando apareció el manga en las páginas de la revista Shōnen Jump de Shūeisha en enero de 1980, su autor era un desconocido por el gran público. La aceptación del manga fue tan masiva que el 8 de abril de 1981, se estrenó el primer episodio de la serie de animación; haciendo así un nuevo tiempo récord entre la aparición del manga y la realización del anime.
El comic terminó de publicarse en mayo de 1985, con un total de 18 volúmenes. La serie de televisión sobrepasó los 240 episodios, terminando el 19 de febrero de 1986. En 1993 fueron retomados tanto el manga como el animé. Esta vez el manga, ahora a color, fue escrito por Takao Koyama y dibujado por Katsuyoshi Nakatsuru y publicado en la revsita V-Jump de Shūeisha, terminando éste en septiembre de 1996. El animé no alcanzó mucha popularidad y sólo contó con 40 episodios exclusivos para japón. También hubo una segundo temporada (tercera para Japón), esta vez bastante más popular, nuevamente escrita por Takao Koyama pero dibujada por Tadayoshi Yamamuro, saliendo al aire por primera vez el 27 de noviembre de 1996.





Aeon FluxAeon Flux, es una vanguardista heroína de ficción protagonista de una serie que comenzó a emitirse en la MTV en el año 1991 y vagamente adaptada al cine en 2005.Creada por el coreano Peter Chung, la serie animada Aeon Flux dio sus primeros pasos en 1991 con un episodio piloto de 12 minutos dividido en seis partes, dentro del espacio «Liquid Television» en MTV. En 1992 se produjeron cinco cortos independientes de escasa duración. Luego el desaparecido canal Locomotion.
La serie estaba enfocada al público adulto joven amante del anime y de la ficción científica. Aquella contundente mezcla de violencia, sexo y humor negro, en un marco de complicadas tramas, la convirtieron muy pronto en una exitosa serie de culto.
Su repercusión fue tal que los responsables de la cadena norteamericana decidieron adaptarla a un formato televisivo más convencional y estable. «Aeon Flux» se vio transformada entonces en una serie de 10 capítulos de 30 minutos de duración, con diálogos, que profundizaban en los personajes y sus relaciones en detrimento de la acción.




MaxxPersonaje protagonista de la historieta del mismo nombre, creada por Sam Keith, de la cual también se ha realizado una serie animada en 1995 via la cadena estadounidense MTV.The Maxx es un libro cómico y una serie animada escritos e ilustrados por Sam Kieth (con ayuda de Guillermo Messner-Loebs al principi de la serie y de Alan Moore en las últimas ediciones), y publicados por Image Comics. La primera edición fue publicada en marzo de 1993. La serie sigue la historia de Maxx, hombre sin hogar que cree que él es un super héroe. Maxx cambia de puesto entre el mundo verdadero y un mundo ideal, a que él se refiere como el interior, que es tan verdadero justo a él como el mundo verdadero. Julia Winters es una trabajadora social, se hace amiga de Maxx. Poco sabe que ella y Maxx tienen una conexión más profunda, e implica el mundo ideal dentro del cual el Maxx se dibuja constantemente.



The HeadEsta serie cuenta la historia de Jim, un estudiante de la escuela comercial que despierta una mañana y ve que su cráneo se ha agrandado a las proporciones de un mamut. Una semana después, Jim conoce a Roy, un forastero un poco purpúreo con un simpar sentido del humor que se ha instalado en su cabeza. Roy necesita un lugar para quedarse y adaptarse al ambiente de la Tierra mientras que su misión es salvar al mundo de un forastero hambriento llamado Gork. Jim esta acompañado por Roy, su novia, Madelyn, su doctor, Richard Axel, y un grupo de personas anormales. El grupo consiste en Ray, un hombre que tiene una hoja de cortacésped incrustada en su cráneo; Mona, una mujer que parece normal pero que tiene una cola; Ivan , un hombre que tiene una boca en su pecho; Raquel, una mujer que tiene una nariz enorme; y por último esta Buckteeth, un hombre que tiene una pecera en su



El Critico. fue transmitida por la ABC en 1994 y después por la FOX en 1995. El show fue creado por Al Jean y Mike Reiss, quienes trabajaron en Los Simpsons por 2 años. El show fue producido por Gracie Films en asociación con Columbia Pictures, y fue animada por Film Roman. La serie se enfoca en la vida del crítico de cine Jay Sherman. En cada episodio hay parodias de una o dos películas de estreno reciente. Muchas de las parodias aparecieron en el show con Jay Sherman, como ejemplo de parodias están Howard Stern's End (Howard's End), Querida, me comí a los niños, (Querida, Encogí a los niños), El silencio de los borregos (El silencio de los inocentes), EL Rey Cucaracha (El Rey León), Abraham Lincoln: Detective de mascotas(Ace Ventura: Detective de Mascotas), y Aroma de Burro (Aroma de Mujer). También hay parodias de peliculas clásicas como la película original del Willy Wonka y la fábrica de chocolates y El Padrino.
Muchos de los episodios tiene contenido explicito, como la escena en que Jay Sherman se está bañando (parodiando a Psicosis y Misery de Stephen King), y es supuestamente asesinado por una mujer psicótica y obsesiva. Fue cancelado 2 años después, se produjeron episodios para la internet, las cuales se incluyeron como extra al DVD.




The Brothers Grunt. Serie creada por Danny Antonucci.La serie fue emitida en la MTV en el 94 suspendiendose la primera temporada. Existen 28 episodios de esta serie y en algunos circulos ya esta considerada de culto. Para mas informacion http://www.bcdb.com/cartoons/Other_Studios/A/a_k_a__Cartoon_Inc_/The_Brothers_Grunt/index.html

EarthWorm Jim serie creada por Dog Tenapel, la protagonista es una lombriz armada en un traje mecanico, tambien abundan en esta serie dosis concentardas de humor caustico, socarron y absurdo surrealista aderezado con fuertes mezclas de exageracion y animacion subersiva.



Bob Esponja.trasmitida a través de Nickelodeon dentro de su línea Nicktoons, que muestra la vida de una esponja marina. Su primera emisión oficial fue en julio de 1999, aunque el piloto fue mostrado durante los Nickelodeon Kids' Choice Awards el 1 de mayo de 1999. Su creador es Stephen Hillenburg. Es una de las series más populares y exitosas que ha tenido Nickelodeon, lo que ha provocado que incluso tenga película propia (estrenada el año 2004 en los cines).




Beavis&Butt-Head. Fue creada por Mike Judge, quien luego escribió y produjo la serie de televisión King of the hill (El rey de la colina) y la película Office Space. La serie influyó mucho en el lenguaje de la juventud estadounidense de los noventa.
Beavis and Butt-head comenzaron como un corto animado de Judge para el Spike and Mike Sick and Twisted Festival of Animation. Este corto, llamado "Frog Baseball" (Béisbol de rana), fue emitido por el apartado independiente de MTV Liquid Television.




Ren y Stimpy. serie animada de caricaturas para televisión creada por el animador canadiense John Kricfalusi, también conocido como John K..
Se transmitió originalmente en Estados Unidos de América desde 1991 hasta 1996, por el canal de televisión de paga Nickelodeon. Se ha transmitido en otros países en otras fechas.
Fue producida en un principio por Spümcø, compañía de animación dirigida por John Kricfalusi, de 1990 hasta 1992, y después de un diferendo respecto a los aspectos creativos de la serie entre su creador y los ejecutivos de Nickelodeon del que se originó el despido del propio Kricfalusi, la producción quedó a cargo de Games Amimation, subsidiaria de la propia Nickelodeon.
Los protagonistas son Ren Höek, un perro chihuahua neurótico, y Stimpson J. Gato, un gato bobalicón, que tienen aventuras carentes de cualquier sentido que recuerdan en ocasiones la era dorada de las caricaturas.
A pesar de pertenecer a la cadena de televisión infantil Nickelodeon, la caricatura mantuvo una reputación de subversiva. En efecto, la serie expandió los límites del buen gusto en sus días con un humor por demás grotesco, excedido únicamente por las bufonadas de Beavis and Butthead o The Brothers Grunt. A pesar de ser generalmente considerado de "poca cultura", la serie incluye también una inteligente sátira a la cultura y en ocasiones logró incomodar tanto a espectadores como a portavoces del gobierno. Nickelodeon eventualmente despidió a Kricfalusi de su propia creación y fue censurando la caricatura hasta convertirla en apenas un vestigio de sus inicios. Luego sería contratado Mario Baracus ("Mister T") para realizar las voces principales. Más tarde varios episodios fueron declarados inapropiados para su difusión y no han sido emitidos por Nickelodeon desde entonces.Por ello es que el ex canal de animación adulta Locomotion transmitió la serie en latinoamérica, hasta ser convertido en Animax
Últimamente con la repentina edición de series de TV y caricaturas en DVD, han editado las primeras 3 temporadas en este formato. Según parece, seguirán editando el resto de la serie en DVD.

powered by frazy.com

VALE TUDO, LUCHA SIN REGLAS,

Vale tudo (del portuges vale tudo, vale todo), es el estilo propio de pelea (aunque no por ello original) de un luchador, derivado de la combinación de varios sistemas de combate y artes marciales con el cual cada luchador enfrenta a sus rivales. Los luchadores deben dominar los estilos de pelea tanto de pie como en la lona; en algunas variantes de torneos de vale-todo se restringen las zonas donde no se puede golpear o el tiempo. En la actualidad es uno de los sistemas de pelea urbana más completos y es considerado como uno de los deportes más populares en muchos países como Japón, E.E.U.U. y Holanda, entre otros.

Vale tudo nace en Brasil como forma organizada de desafíos entre la escuela de la familia Gracie, creadora del Brazilian Jiu Jitsu, y escuelas de diferentes artes marciales y estilos de combate. Surge como una búsqueda de un lenguaje común en el que cada arte marcial pudiera desplegar su arsenal técnico sin verse restringida por un reglamento que beneficiase a unos sistemas sobre otros. De esta forma en estos campeonatos se permite golpear con manos, piernas, codos y rodillas, proyectar, luxar, estrangular. El luchador debe poder manejarse en un número casi ilimitado de circunstancias en una actividad de enorme demanda física. Esto hace que los luchadores de Vale tudo sean considerados como muy completos dentro del panorama de las artes marciales y deportes de contacto.
Excepto los testículos, la garganta y el bajo vientre, cualquier parte del cuerpo es golpeable. La total fighting (lucha extrema), mix fighting (lucha mezclada) o vale tudo (vale todo) se rige por unas reglas muy sencillas de seguir: no hay.
Las repúblicas de la ex Unión Soviética no son las únicas donde se practica este deporte, pero es allí donde los combates resultan más sangrientos. El exiguo reglamento ruso (sin homologar en aspectos como el uso de protectores o el tiempo de duración) permite a los contrincantes propinarse, entre otros golpes, rodillazos en la cabeza. "Se sanciona con una amonestación morder, escupir, arañar, desgarrar las orejas, golpear la ingle, meter los dedos en los ojos, atacar con los codos y golpear la garganta, el cuello o la columna. A la tercera, el infractor es descalificado", explica el campeón de Europa y del mundo Andrei Simionov, de 23 años. El árbitro puede suspender la lucha si uno de los contrincantes pierde la conciencia al menos un segundo, si considera que la superioridad de un luchador es manifiesta o la envergadura de las heridas salta a la vista. Sin embargo, esta premisa no siempre se aplica, sobre todo cuando el show ha sido patrocinado por algún magnate que se hace de oro a costa del morbo que despierta entre el público. Una entrada con cena incluida en zona VIP cuesta 18.000 pesetas, aunque en el mercado negro puede alcanzar las 250.000.



El 16 de marzo de 1998, en el Palacio de Deportes de Kiev, falleció el karateca estadounidense Douglas Dedge. Muchos señalan que la causa fue un fallo arbitral: su rival, el ucraniano Yevhen Zolotaryov, se ensañó con su nuca cuando su oponente yacía inerme en el suelo. El público gritaba: "¡Mata al yanqui!", "¡liquídalo!", mientras las cámaras de televisión registraban el suceso. Aunque el combate debía terminar al producirse el K.O., Zolotaryov vapuleó a su pálido contrincante hasta la muerte. "Por aquel entonces el deporte no estaba bien reglamentado. La culpa fue del árbitro, que no paró aquella pelea", asegura el luchador Simionov. El director de la federación peterburguesa discrepa: "La culpa fue de los organizadores. Invitaron a un participante sin la preparación adecuada. Lamentablemente, en el deporte profesional ocurren desgracias de este tipo de vez en cuando. En los 90 hemos registrado una o dos muertes, pero en el mundo del boxeo se produjeron más. No organizamos batallas de gladiadores".


En Estados UnidosRoyce consiguió su cinturón negro en Brazilian Jiu Jitsu a la edad de 18 años y pronto comenzó a pelear en defensa de los 100.000 $ del Desafío Gracie. El Desafío Gracie era un reto abierto a cualquier artista marcial para comprobar si era capaz de derrotar a un Gracie en un combate sin reglas. A pesar de que los Gracie han sido derrotados en combate, no hay informaciones de que ningún luchador haya ganado nunca el Desafío Gracie.
Posteriormente en 1993, una empresa, SEG SPORTS, organiza en EE.UU. un campeonato de vale-todo, el Ultimate Fighting Championship (UFC) bajo el eslogan "anything goes" o sea, vale todo, sin límite de peso, tiempo ni reglas, con el objetivo de demostrar qué arte marcial es más efectiva, reuniendo a algunos de los mejores combatientes mundiales de sus respectivas especialidades.

En los 4 primeros campeonatos de UFC participa un miembro de la familia Gracie, Royce, que consigue deshacerse de todos sus adversarios, en la mayor parte de las veces mucho más pesados que él. Gana un total de 3 campeonatos, ya que en el UFC 3 tras uno de los combates (también ganado, contra Kimo Leopoldo) no puede continuar en el siguiente debido a una lesión.
Este resultado de Royce Gracie hace replantearse a mucha gente el conocimiento de las artes marciales que se tiene en general y la efectividad de las mismas, destacando la importancia de la lucha en suelo, primordial en Brazilian Jiu Jitsu y en algunas otras artes marciales como el Judo, o deportes de lucha como el wrestling.
El concepto Vale tudo se ha adaptado de diferentes formas en distintos lugares. De este modo surgen diferentes eventos o torneos que, teniendo en cuenta la seguridad de los luchadores, limitan un tanto las acciones en el ring. Así, en algunos eventos no se puede patear al rival caído, en otros no se permite el uso de codos en la cara, golpear con las rodillas si el rival está en el suelo, etc.
El Vale tudo definitivamente ha evolucinado para salir de este ambiente de deporte-desafío para entrar de lleno en el deporte-espectáculo. Actualmente hay dos grandes eventos el Ultimate Fighting Championship, que se celebra en EE.UU. y el PRIDE Fighting Championships que se celebra en Japón, aunque hay más de 400 eventos documentados a lo largo y ancho del globo. Es en este último país donde el Vale tudo goza de una mayor popularidad, habiendo eclipsado a otras de las modalidades deportivas más populares. Aunque estas 2 competiciones han desechado el concepto original y el propio término "vale tudo", se las sigue considerando como tales, ya que las MMA (Mixed Martial Arts o Artes Marciales Combinadas) son la evolución deportiva del espectáculo que era el "vale tudo" teniendo hoy día un reglamento serio para proteger la integridad de los contendientes, y categorías de peso, así como límite de tiempo en rounds, haciendo del Vale tudo de hoy día un deporte de contacto como otro cualquiera, y que gana adeptos día a día debido a la intensidad de sus combates.

Ideado por Rorion Gracie y Art Davie y el director de cine John Milus, el Ultimate Fighting Championship (UFC) era un torneo de eliminación que iniciaban 16 combatientes, con pocas reglas, cuyo ganador ganaba 50.000 $. Entre los competidores se encontraban Patrick Smith, Ken Shamrock y el campeón mundial de Savate Gerard Gordeau.
A pesar de que Art Davie pensaba que Rickson Gracie, que era más fuerte y habilidoso que Royce, era la elección obvia para representar al Jiu Jitsu, Rorion Gracie eligió a Royce. Con 65 kilogramos y con una estatura mucho menor que el resto de los participantes, los Gracie creían que Royce sería el luchador perfecto para demostrar que el Jiu Jitsu podía ser empleado para derrotar a un oponente más fuerte.

En su primer combate, Royce derrotó a su oponente, el boxeador Art Jimmerson. Lo arrojó al suelo y ganó una posición montada sobre él. Jimmerson pronto concedió la victoria a Gracie, incapaz de escapar de dicha postura.
En la semifinal, Royce se vio las caras con Ken Shamrock, de más de 80 kilogramos, quien demostró unas excelentes habilidades de combate en su enfrentamiento previo con Patrick Smith. Royce se lanzó a por Shamrock, quien supo contrarrestar el ataque y colocarse sobre él. Shamrock, a continuación, le agarró el tobillo y se lanzó hacia atrás intentando acabar el combate de la misma manera que el anterior, pero Royce rodó hasta colocarse encima y consiguió estrangularle hasta que Shamrock se rindió.



Una de las más antiguas formas de combate abierto con pocas reglas fue el Pancracio griego, que se introdujo en los Juegos Olímpicos en el 648 A. C. Algunos espectáculos de combates sin reglas se realizaron a finales del siglo XIX, representando un amplio abanico de estilos de combate, incluyendo Jujutsu, lucha libre, lucha grecorromana y otros en torneos y desafíos a lo largo de toda Europa. El ímpetu de la lucha libre profesional se apagó después de la Primera Guerra Mundial, para renacer posteriormente en dos corrientes principales: La competición real y la que comenzó a depender más de la coreografía y el espectáculo, que desembocó en la lucha libre profesional.Las modernas artes marciales mixtas tienen su raíz en dos sucesos interconectados pero separados en el tiempo: Los eventos Valetudo de Brasil y el Shoot Wrestling japonés. El Valetudo comenzó en la década de los 20 del siglo pasado con el Desafío Gracie, lanzado por Carlson Gracie y después mantenido por Hélio Gracie y los hijos de ambos. En Japón, en la década de los 70, una serie de combates de artes marciales mixtas fueron organizadas por Antonio Inoki, inspirando el Shoot Wrestling, que posteriormente propició la formación de las primeras organizaciones de artes marciales mixtas, como Shooto. Las artes marciales mixtas conseguirían gran popularidad en los EE.UU. en 1993, cuando Rorion Gracie llevó el Desafío Gracie y creó el primer torneo de UFC. En 1997 en Japón, el interés por este deporte resultó en la creación de la organización de MMA más grande, el Pride Fighting Championship.



Es de destacar que si bien la familia Gracie fue promotora de torneos como el UFC (Ultimate Fighting Championship), el cual es el torneo de vale todo más famoso, las prácticas de jiujitsu brasileño no involucran normalmente el uso de golpes. La familia Gracie, tuvo, indudablemente, un papel estelar en la creación de torneos abiertos de vale todo y en su popularización a través de la televisión; sin embargo, antes de que se creasen torneos abiertos de vale todo, donde pueden combatir representantes de cualquier método de autodefensa, ya existían artes marciales mixtas tales como: el Jeet Kune Do, el Kajukembo y el Karate Nisei Goju Ryu
principios de los 90, tres estilos destacaron por su efectividad en las competiciones de artes marciales mixtas: Lucha libre, jujutsu brasileño y Shoot wrestiling. Esto puede ser debido al énfasis de estas disciplinas por el combate de agarres, el cual, probablemente, debido a la escasez de competiciones de artes marciales mixtas antes de los 90, habían sido descuidadas por la mayoría de los practicantes de las artes marciales basadas en golpes.Incluso con los combatientes de lucha libre y los pegadores dominando la lucha de pie en las AMM, quienes practicaban jujutsu brasileño tuvieron una distintiva ventaja en el suelo. Aquellos no familizarizados con el jujutsu brasileño demostraron no estar preparados para defenderse de las técnicas de agarre y presas. Los luchadores de Shoot wrestling poseían una base equilibrada de agarre y combate de pie, lo que les permitía tener un buen conjunto de habilidades.



A medida que las competiciones de AMM se hacían más comunes, aquellos luchadores con una base de disciplinas de golpe se hicieron más competitivos cuanto más se conocían a sí mismos frente a los agarres, presas y combates en el suelo, dando lugar a notables sorpresas contra los, por entonces, luchadores de agarre dominantes. Consecuentemente, los luchadores de agarre aprendieron de los puntos fuertes de sus rivales y comenzaron a incrementar su entrenamiento en los golpes. Este aumento general del entrenamiento cruzado resultó en luchadores de artes marciales mixtas mucho más polifacéticos.Los sistemas híbridos fueron desarrollados por peleadores veteranos en sus experiencias de combate y retomando lo mejor de cada técnica de combate, los sistemas más practicados en AMM son:

Jujutsu brasileño: Particularmente para submisiones y lucha en el suelo, además de inmovilizaciones si el oponente tiene dominado al peleador sobre sí, por ejemplo, cruzar las piernas y brazos en torno al oponente para inmovilizarle mientras le tiene dominado en el suelo.
Fighting Miletich Sistems: Desarrollado por el croata Pat Miletich, miembro del salón de la fama del UFC.


UFC Primera edicion

Ruas Vale Tudo: Desarrollado por el brasileño Marco Ruas, y cuyo expositor más reciente es su amigo y compañero Pedro "La Roca" Rizzo.
Pitfighting: Modalidad de pelea semejante a la lucha callejera, ya que posee poca técnica y se basa más en la fuerza y simplicidad de sus movimientos. Es el mejor deporte que se puede hacer para defenderte en una pelea callajera.
Jun Fan Jeet Kune Do: Arte marcial creado por Bruce Lee.
Karate Nisei Goju Ryu.
Jiu Jitsu (tradicional).
Kajukembo: Combina Karate, Judo, Jujutsu y Kung-Fu. Fue creado en 1947 en Oahu Hawaii, tanto para combatir la delicuencia local como para ayudar a los habitantes a defenderse de los soldados de la U.S. Navy quienes bebían y peleaban con los habitantes. Los creadores de este arte fueron Sijo Adriano Emperado, Peter Y.Y. Choo, Joe Holck, Frank Ordoñez y Clarence Chang quienes se llamaron así mismos la Black Belt Society.



Karate estilo libre.
Krav Maga: Sistema de combate militar de origen israelita, el punto fuerte del Krav Maga es siempre basarse en lo más rápido y lo más eficaz, ya que las maniobras espectaculares son carentes de efectividad y en cierto modo inútiles. El Krav Maga posee técinas ideales para la defensa personal y asegurar una victoria rápida, con golpes rápidos y certeros, carentes de espectacularidad pero efectivos
Jujutsu brasileño: Particularmente para submisiones y lucha en el suelo, además de inmovilizaciones si el oponente tiene dominado al peleador sobre sí, por ejemplo, cruzar las piernas y brazos en torno al oponente para inmovilizarle mientras le tiene dominado en el suelo. La mayoría de los luchadores profesionales de UFC y Pride practican esta disciplina, que se considera la más efectiva para combate en suelo.
Judo: Sistema de llaves, contrallaves, inmovilizaciones y estrangulamientos. En la lucha de pie el judo se consolida como un estilo más efectivo que el sambo, lucha y en suelo ha demostrado una altísima utilidad.
Boxeo: Aunque el boxeo no es un arte marcial mixto es practicado por artistas marciales mixtos por ser ideal para el trabajo de puños; algunas otras técnicas de combate son algo irreales en el trabajo de puños en un combate sin reglas.
Muay Thai: Aunque el Muay Thai/Kickboxing no es un arte marcial mixto es practicado por artistas marciales mixtos por ser ideal para el trabajo de golpeo y pateo, ya que utiliza codos, rodillas y el sistema de pateo es más efectivo que en otras artes marciales, mientras que en otras técnicas de combate se limita a patear convencionalmente y regresar la pierna a su punto de partida, en estos sistemas se visualiza "atravesar" al oponente con la pierna descargando todo el peso del cuerpo en ella y atacando desde otros algunos de ataque.
Shootfighting: Deporte de contacto híbrido desarrollado en Japón con elementos del Kickboxing, Lucha libre, Boxeo, Judo, Jiu Jitsu, Sambo y otros deportes de contacto.
Lucha Libre, Grecorromana y/u Olímpica: para trabajo de lucha cuerpo a cuerpo, derribes y sumisiones, aunque el punto favorable de dominio es sobre el adversario, a diferencia del Jiu Jitsu, los sistemas occidentales de lucha poseen pocas o nulas inmovilizaciones.
Sambo: Sistema de combate desarrollado en Rusia en base a los estilos de lucha cuerpo a cuerpo de este país, del Judo y del Jiu Jitsu tradicional.
Las reglas de la mayoría de las competiciones de artes marciales mixtas han evolucionado desde los primeros días del Vale tudo. A medida que el conocimiento de las técnicas de lucha se extienden entre espectadores y luchadores se hace claro que los primeros sistemas de reglas minimalistas neecesitaban ser enmendados
Desde los inicios de los torneos de vale-todo existía la prohibición de golpes en los genitales, y la prohibición de ataques a los ojos; en algunos torneos y más recientemente, surgió la prohibición de patear a un oponente que se encuentre en el suelo si esta acción es efectuada por un oponente que está de pie). Los cabezazos fueron prohibidos debido a que eran golpes que requerían poco esfuerzo y técnica y podían convertir un combate en un espectáculo sangriento. Dar cabezazos era común entre los luchadores de lucha libre. Su fuerza les permitía arrastrar el combate al suelo, pero su falta de habilidades de sometimiento hacía que no pudiesen finalizarlo rápidamente




En la final, Royce estaba otra vez sobrepasado por 15 kilogramos, pero derrotó al campeón mundial de Savate Gerard Gordeau, lanzando a su oponente al suelo y asegurándose un estrangulamiento desde detrás. Esta victoria, junto con los futuros eventos de UFC, tuvieron un substancial impacto sobre la imagen pública de las artes marciales y los sistemas de lucha. Las artes de golpeo, como el Karate perdieron para algunos parte de su atractivo en favor de las artes de agarre como el wrestling, Sambo, Judo y el Brazilian Jiu Jitsu.
A lo largo del siguiente año, Royce Gracie continuó su racha de victorias en UFC, ganando victorias por rendición ante luchadores como Patrick Smith, el campeón europeo de Judo Remco Pardoel, de 113 kilos, y Kimo Leopoldo. Su victoria final en UFC fue en un combate que duró 16 minutos (no había rounds ni límtes de tiempo), donde continuamente se encontraba lanzado bajo el luchador de wrestling Dan Severn, de 118 kg. Al final de un largo y competitivo combate, Royce cerró sus piernas en un “triangle choke”, logrando una victoria por rendición. El combate, debido a su duración, fue recortado por las televisiones de pay per view. Los telespectadores que se perdieron el final reclamaron su dinero. Se deberían hacer cambios en el deporte si se buscaba que fuese rentable.

Los límites de tiempo fueron introducidos en 1995 y Ken Shamrock se convertiría en el primer luchador capaz de sobrevivir a un ataque de sometimiento de Royce y lograr un empate. El combate se prolongó 30 minutos antes de que se detuviese. Frustrado por las nuevas reglas (el límite de tiempo y el levantar a los luchadores si el combate se demoraba en el suelo y no había auténticas progresiones a jucio de los árbitros), Rorion vendió su parte del UFC y Royce no se subió nunca más al octógono.
La primera derrota registrada de Royce Gracie se produjo poco después de la finalización de su andadura en UFC, cuando fue estrangulado hasta la inconsciencia con un “clock choke” por Wallid Ismail en un torneo de Jiu Jitsu sin límite de tiempo en Brasil.
Se debe hacer notar también que el récord oficial de Royce en el UFC incluye una derrota. En la tercera ronda de UFC 3, Royce debía enfrentarse a Harold Howard en las semifinales. Cuando Royce subió al ring, se encontraba completamente exhausto después de su combate previo contra Kimo Leopoldo, y tuvieron que ayudarle a acceder al ring. Antes de que comenzara el combate contra Howard, la esquina de Royce tiró la toalla. Algunos reclamaron que la derrota no debía contar en el récord oficial de Royce, ya que el combate no había comenzado. Sin embargo, debido a que Royce subió al ring, el UFC considera oficial dicha derrota.



Ultimate Fighting Championship (UFC) es una organización estadounidense de artes marciales que promueve un torneo entre los peleadores de deportes de contacto en los Estados Unidos que se lleva a cabo en una jaula en forma de octágono. Fue fundado por Royce Gracie en patrocinio de empresarios americanos con tal de dar a conocer el arte marcial desarrollado por su padre Helio Gracie: El Jujutsu brasileño o Jujutsu Gracie.
Antes del Ultimate, Royce Gracie y sus hermanos ya tenian una larga trayectoria de victorias en combates sin reglas en Brasil, con todo tipo de rivales: boxeadores, karatecas, judokas, luchadores, capoeristas, etc.
Una vez nacido el Ultimate, Royce dio catedra de sus habilidades en Jujutsu venciendo a rivales como Dan Severn y Ken Shamrock, su segundo combate con este último, llevado a cabo en el Ultimate Fighting V duró 36 minutos y terminó en empate técnico.
Posteriormente dieron lugar a otros peleadores que se catalogaron en grandes leyendas, como Marco Ruas, Scott Ferrozzo, Mark Coleman y David Tank Abbott, y posteriormente le siguieron las estrellas de la nueva generación del Ultimate: Tito Ortiz, Kevin Randleman, Vitor Belfort, Chuck Liddell, Randy Couture, Frank Shamrock, Pat Miletich, Matt Hughes, Don Frye, Pedro Rizzo, entre otros...mas



Existen otras comperticiones de artes marciales como el K1 mas seguidas por los puristas El K-1 es un deporte de combate que combina técnicas que provienen de diversos deportes como Muay Thai, Karate, Taekwondo, Kick boxing, Boxeo... El K-1 fue creado por Kazuyoshi Ishii quien en 1980 formó la organización Seidokaikan karate en la ciudad de Osaka. La Seidokaikan karate organizó numerosos combates contra otras escuelas de artes marciales, usando reglas basadas en las del Kyokushin Knockdown, aunque gradualmente fueron adaptando estas reglas a las del kickboxing. En 1993 Kazuyoshi Ishii funda la organización K-1, y en ese año se celebra el K-1 Grand Prix en el Yoyogui Stadium.
La organización K-1 está actualmente encabezada por el "Fighting and Entertainment Group" (FEG) de Japón

En estos ultimos años se han restringido las normas en el ultimate fighting,. Esta competición ha ido degenerando convirtiendose en un deporte de masas, y alejandose del espiritu de la primera edicon en la que Royce Gracie, dio algun significado a este tipo de competiciones, lucha no sin reglas, sino sin limitaciones ni restricciones. En los ultimos años han ido apareciendo competiciones de peleas callejaras , que se realizan en entronos urbanos como las “felony fights”,



Paginas de interes
http://www.ufc.com/
http://www.pridefc.com/
http://www.k-1.co.jp/
http://www.roycegracie.tv/
http://www.kimbo-fights.com/
http://www.felonyfights.com/
Ultimate Fighting Championship -
UFC 1 - Wikipedia, the free encyclopedia
http://www.goldenglory.com/index.html
http://www.k-1.co.jp/k-1gp/index.htm

PERFORMANCE, TEATRO CALLEJERO Y POETICA VISUAL

El término performance es una palabra inglesa cuyos significados son: ejecución, desempeño, cumplimiento, obra, acción, hecho y representación.
Jacques L Monod, biólogo francés premiado con el Nobel, en su ensayo "El Azar y la Necesidad" utiliza el término performance en un sentido próximo a logro, a ejecución conseguida.
No obstante, tal palabra se ha difundido en las artes a partir de la expresión inglesa “performance art” y proviene de la concepción del "arte en vivo" como "arte conceptual" contemporáneo y heredero de los "happenings", "actions" ,"fluxus events" y "body art" a finales de los años 1960 y con auge durante los 70.


La historia del "performance art" empieza a principios del siglo XX, con las acciones en vivo del futurismo, el constructivismo, dadaísmo y surrealismo, por ejemplo las exhibiciones no convencionales llevadas a cabo en el Cabaret Voltaire por Richard Huelsenbeck, Tristan Tzara y otros.
El arte de la performance es aquél en el que el trabajo lo constituyen las acciones de un individuo o un grupo, en un lugar determinado y durante un tiempo concreto.
La Performance o acción artística puede ocurrir en cualquier lugar, iniciarse en cualquier momento y puede tener cualquier duración.
Una acción es cualquier situación que involucre cuatro elementos básicos: tiempo, espacio, el cuerpo del performer y una relación entre el performer y el público. En este sentido se opone a la pintura o la escultura, por ejemplo, en las que un objeto constituye el foco de la obra artística.
La performance tiene parentesco con la acción poética, la intermedia, la poesía visual y otras expresiones del arte contemporáneo. Algunos llaman a tales expresiones (idénticas o muy similares a la performance): live art, action art, intervenciones y manoeuvres.
El sniggling es una forma activista y engañosa de performance art en público, que típicamente se desarrolla de modo que los espectadores inicialmente no se dan cuenta de que se está ejecutando una performance.
En el arte contemporáneo- que siempre busca redefinír sus formas y maneras-, nos referimos a acción poética cuando distinguimos una performance de una acción basada en el sentido poético del arte, la literatura o la cultura.

Algunos autores destacados de la performance son Alexander Brenen, artista de performances ruso. Sus actuaciones incluyen defecar frente a una pintura de Vincent van Gogh en el Museo de Bellas Artes de Moscú, practicar el sexo en la calle, interrumpir lecturas de poesía y vandalizar obras de arte.
Brener se masturbó en público desde el trampolín de un piscina construida durante la etapa soviética en el emplazamiento de una iglesia ortodoxa destruida.
Durante la campaña rusa contra Chechenia, Brener apareció en la Plaza Roja de Moscú vestido de boxeador gritando hacia el Kremlin: '¡Yeltsin, sal!'
Fue encarcelado en 1997 por pintar un signo de dólar verde sobre la pintura Suprematismo 1920-1927 de Kasimir Malevich, que mostraba una cruz, en el Museo Stedelijk Museum de arte Moderno de Ámsterdam, Holanda. En su defensa en el juicio, Brener dijo:
"La cruz es un símbolo de sufrimiento, el signo del dólar es un símbolo de comercio e intercambio.
¿Desde un punto de vista humanitario son las ideas de Jesucristo de mayor valor significancia que las del dinero?
Lo que yo hice no fue contra la pintura. Veo mi acto como un diálogo con Malewitz".
Recibió una condena de cárcel, donde escribió Obosani pistolet. En este texto explica sus opiniones y resume su acciones.


Chris Burden, Para su tesis de 1971 presentó Five Day Locker Piece, en la que se encerró durante cinco días en su taquilla, lo que produjo polémica entre el personal docente. En otro trabajo de ese mismo año, Shoot, un amigo le disparó en el brazo. Otras de sus obras han sido crucificarse sobre un Volkswagen, gatear sobre vidrios rotos o meterse en un saco bajo un coche en medio de la calle. Actualmente es profesor de la Universidad de California.
Wolf Vostell Tanto sus obras materiales como acciones estaban impulsadas por un mismo principio, la estética de la destrucción, que pretendía recoger el carácter negativo y agresivo del mundo contemporáneo, También es pionero del Happening y del movimiento Fluxus en Europa. Vostell trabaja la técnica del emborronado creando obras en las que refleja la vida socio-política del momento, objetivo que también logra con sus ambientes y esculturas.


Otro caso remarcable es el artista del performance y poeta Norteamericano Bob Flanagan. De muy joven padecio los efectos de la fibrosis cística. Con tan solo 6 años empezaron a realizarle multitud de pruebas para intentar tratar su enfermedad. Los doctores accedían a los pulmones clavándole múltiples agujas y por medio de jeriguillas se le drenaban los pulmones. Bob se tiró toda su infancia de hospital en hospital. Ya en la adolescencia, descubrió que su cuerpo no sólo podía producirle dolor, sinó que también podía darle algo de placer: el onanismo era su única salida al brutal dolor que sentía continuamente. En esa etapa relacionaría los dos conceptos par los que se dio a conocer: el placer y el dolor, algo que para él ya era una cosa indivisible. Bob se acaba conviertiendo en un masoquista extremo. Cuando tiende a recuperarse de su enfermedad, empieza su carrera como "performer". En 1980 coincide con la fotógrafa underground Sheere Rose Sheere ampieza a fotografiarle mientras lleva a cabo sus actividades y así se gana una reconocida fama en la comunidad underground de Los Angeles. Poco después ya es requerido para que monte sus escenas en público y no sólo para su fotógrafa. El show, entre otras lindezas, consiste en coserse los genitales con hilo y aguja, para terminar clavándolos en un tablero con puntas más bien grandes. Y todo aderezado con las bromas de Bob y un discurso sobre sexo, la inhibición, la represión...El espectáculo es un éxito, y ya en 1988 presenta "NAILED", una performance mucho más dura que la anterior. En Nailed se muestran manipulaciones corporales, cortes con cuchillos, suspensiones de cadenas y el ya típico numero de clavarse los genitales en una tabla. Al mismo tiempo que presenta el nuevo show, publica un libro autobiográfico, "Fuck Journal" y varios libros de poemas como "Slave Sonets", o "Why", una extensa lista donde razona y justifica su comportamiento masoquista. Bob acostumbra a recitar dichas razones con 50 pinzas repartidas por su cuerpo, a las que se le iba vertiendo agua para que a causa del peso, le formaran múltiples hematomas en la piel.También participó en el videoclip "Happines in Slavery" de la banda Nine Inch Nails, o en el documental "Sick", donde se recogen sus últimos días, antes que la enfermedad que le creó tal y como era acabase con él en enero de 1996.

Yang Zhichao, , es un artista de performance extremo y revolocionario,Después de la licenciatura de la Universidad de Arte de la Manchuria del Norte, , comenzó su arte como un pintor, pero se vio enredado en la política Marxista y Maoísta del prefecto multiracial del Este Guanghzou en el cual él vive. Él intenta denunciar cuestiones sociales a traves de sus performances y ha alcanzado la notoriedad por acciones extremas como la marcación de su número de ID sobre su cuerpo, plantación de la hierba sobre su espalda, y la implantancion quirurgica de objetos en su pierna y estómago.

En el caso de Orlan, ella trabaja con el arte corporal. Su obra implica una denuncia contra las presiones de una sociedad fetiche-consumista que impone arquetipos físicos de una estética "correcta" sobre el cuerpo. Ella ejecuta sobre su propia imagen una "puesta en escena", un performance de operación quirúrgica estética. Sus performances consiste en someterse en vivo y a todo color a cirugías plásticas del rostro ¿Qué implican los performances de Orlan? En primer lugar, una reivindicación feminista: el rechazo, no de la cirugía plástica como artificio, sino de los cánones de belleza impuestos a las mujeres. También, un planteamiento estético: el cuerpo es lenguaje, es herramienta de provocación visual y moral. Fuera de la ambigüedad que introduce en las nociones de identidad y alteridad, su proyecto denuncia entonces la represión ejercida sobre el cuerpo femenino y sobre la obra de arte "convencional''. En palabras de Orlan " A veces percibo vislumbres del horror que conlleva la normalidad. Todos estos inocentes que nos encontramos por la calle están agobiados por el terror de su propia vulgaridad. Harían lo que fuera con tal de ser únicos.Otros autores como Franko B, y Ron Avery, usan su propia sangre como un medio de expresión.

Dentro del llamdo teatro Callejero, "La Fura del Baus" comenzo dentro de este ambito Fura dels Baus es un grupo de teatro catalán. Creado en Barcelona en 1979, se define desde muy pronto como un grupo de teatro urbano que busca un espacio escénico distinto del tradicional. La base de su trabajo está formada por una gama de recursos escénicos que incluyen música, movimiento, uso de materiales naturales e industriales, aplicación de nuevas tecnologías y la implicación del espectador directamente en el espectáculo. Todo está dominado por una creación colectiva donde el actor y el autor eran una misma entidad. Esta estética creará su propia definición con el término "lenguaje furero".
En los años 70 el artista chileno Alejandro Jodorowsky forma junto al escritor Fernado Arrabal, y el dibujante surrealista Roland Topor el "Movimiento Panico". Grupo de teatro de corte dadaista-surrealista. El grupo "Panico" intenta romper con todo convencionalismo del teatro clásico. Las obras se podian llevar a cabo en cualquier lugar. El nombre se inspira en el del dios Pan, y estaba influenciado por el cine de Luis Buñuel y el Teatro de Crueldad de Antonin Artaud.El grupo hizo performances teatrales caóticos y surrealistas diseñados para ser impactantes y encauzar las fuerzas destructivas hacia la paz y la belleza. Jodorowsky disolvió el movimiento Pánico en 1973.


La accion poetica En el Arte contemporáneo - que siempre busca redefinir sus formas y maneras-, nos referimos a acción poética cuando distinguimos una representación artística de una acción basada en el sentido poético del arte, la literatura o la cultura.
Podemos definir acción poética como:
1. Una obra de arte fugaz y cerrada en sí misma:
- Es arte porque parte de la creatividad, emplea diferentes expresiones artísticas para materializarse (música, gestualidad, fotografía, escritura, net.art, plástica...) y comunica diferentes emociones, actitudes, sueños o realidades de los “actores” poéticos. Ver performance
- Es cerrada en sí misma porque no tiene ni principio ni final, es una obra acabada desde un inicio; una visión global de un hecho emocional o racional que se explica en un instante, muere en un instante y no necesita de testigos para producirse.
2. Un análisis artístico de hechos cotidianos bien simples.
- No es sobrecargada (aunque puede usar el rococó para vestirse, si es necesario): es una esencia, un instante sublime, una fotografía en movimiento hecha con un filtro artístico y poético que la hace diferente de un simple retrato descriptivo.
- No es necesario ser una persona con conocimientos profundos para hacer una acción poética, no hay que ser rebuscado; todo (el arte y la vida) es pura poesía, sólo hace falta darle la vuelta a las cosas más banales, a los gestos más mecánicos, a los pensamientos más grises. Tenemos que observar al bies, como quien mira una lámina en 3D, para descubrir la esencia poética de la sencillez.
3. Principio de acción-reacción y principio de intromisión:
- No busca tener público ni la aprobación de los supuestos espectadores, interpelando la reacción de los asistentes; los epata de algún modo.
- Aunque puede entrometerse de manera repentina en la vida del viandante, no lo molesta directamente (no es ofensiva, preocupante ni insultante, en todo caso, defensiva, reactiva y pasivo-agresiva)
- No es teatro ni clown (no sobreactuamos ni buscamos aplausos), no es individualista ni busca la satisfacción unipersonal, porque parte del trabajo grupal, se ofrece en grupo y se defiende y revive (feedback) en grupo.
- No es un regalo "hecho por nosotros mismos" al público que no conocemos. Solo cuesta el esfuerzo propio y nuestro amor artístico hacerlo, es realizado gratuitamente al primero que pasa, sin preocuparnos por como será recibido.
4. Principio de transgresión:
- Es transgresora sin buscar el escándalo barato ni la provocación absurda. Es una transgresión desde el hecho cotidiano, es un atreverse a vivir "con los cinco sentidos" y con cierta desmesura, siempre con una cierta curiosidad poética por la vida y por las personas que nos rodean.
- Sólo hace falta mirar y veremos que estamos rodeados de actos ilógicos, extravagantes, poéticos que hacemos cada día. La acción poética coge estos actos y los transforma en acción consciente, en juego lúdico, en espejo de feria que deforma la realidad: da risa, asusta, ridiculiza sin herir...

Paginas de interes:
http://www.franko-b.com/

http://www.ronathey.com/

http://www.orlan.net/

http://es.geocities.com/dada1391/autoresdada.htm

http://www.rebelion.org/noticia.php?id=44638

http://vv.arts.ucla.edu/terminals/flanagan/flanagan.html

http://www.lafura.com/entrada/index2.htm

www.thelizardman.com

:Allen Falkner

Cultura Alternativa: Suspensiones

Wikipedia en BMEZINE

LINKS RECOMENDADOS