LEOPOLDO MARÍA PANERO, POESÍA COMO REDENCIÓN

Leopoldo María Panero (Madrid, 1948), poeta español, encuadrado dentro del grupo de los novísimos.

Panero es el arquetipo de un malditismo cultivado tanto como repudiado, pero ese malditismo no le ha impedido ser el primer miembro de su generación en incorporarse a la nómina de clásicos de la editorial Cátedra, contar con una espléndida biografía de J. Benito Fernández (El contorno del abismo, Tusquets, 1999) e insertarse en la historia literaria, las antologías y los programas académicos.

Hijo de Leopoldo Panero (1909-1962), poeta de sugerente voz, el joven Leopoldo María Panero, al igual que tantos descendientes de los prohombres del régimen franquista, se siente fascinado por la izquierda radical. Su militancia antifranquista constituirá el primero de sus grandes desastres y le valdrá su primera estancia en prisión. Tiene una formación Humanista, estudia Filosofía y Letras en la Universidad Complutense de Madrid y Filología Francesa en la Universidad Central de Barcelona. De aquellos años jóvenes datan también sus primeras experiencias con las drogas. Desde el alcohol hasta la heroína, a la que dedicaría una impresionante colección de poemas en 1992, ninguna le es ajena. En los años 70 es ingresado por primera vez en un psiquiátrico. Sin embargo,sus constantes reclusiones no le impiden desarrollar una copiosa bibliografía no sólo como poeta, sino también como traductor, ensayista e incluso narrador. A finales de la década de los 80, cuando por fin su obra alcanza el aplauso de la crítica entendida, se decide que ingrese de manera permanente en el psiquiátrico de Mondragón. Sin embargo, casi diez años después se establece, por propia voluntad, en la Unidad Psiquiátrica de Las Palmas de Gran Canaria. La vida de este poeta y su entorno familiar siempre ha desatado curiosidad en el ámbito cultural, como muestra la película de Jaime Chávarri, El desencanto (1974), un documental que refleja cómo era su familia, en plena desintegración del franquismo, acomodada e intelectual, pero también: desmembrada, autoritaria y en la que la figura de su padre pesaba aún con su ausencia. En la década de los 90 Ricardo Franco se fijaría de nuevo en Los Panero para filmar Después de tantos años pero esta vez, sin la presencia de la madre -ya fallecida-. En 2003 se le concede el Premio Estaño de Literatura por una antología poética de Túa Blesa, publicada dos años antes.


Sus distintas entregas poéticas aparecen con regularidad:

Por el camino de Swan (1968).
Así se fundó Carnaby Street (Ocnos, 1970). A partir de este poemario la melancolía de los mitos de su infancia corre pareja a un experimentalismo apasionado.
Teoría (Lumen, 1973).
Narciso en el acorde último de las flautas (Visor, 1979).
Last River Together (Ayuso, 1980).
El que no ve (La banda de Moebius, 1980).
Dioscuros (Ayuso, 1982).
El último hombre (Ediciones Libertarias, 1984).
Antología (Madrid.Ediciones Libertarias, 1985).
Poesía 1970-1985 (Visor, 1986).
Contra España y otros poema de no amor (Ediciones Libertarias, 1990).
Agujero llamado Nevermore (Selección poética, 1968-1992) (Cátedra, 1992).
Heroína y otros poemas (Madrid. Libertarias, 1992).
Piedra negra o del temblar (Madrid. Libertarias,1992).
Orfebre (Madrid. Visor, 1994).
Tensó (Ediciones Hiperion 1996). Con Claudio Rizzo.
El tarot del inconsciente anónimo (Valdemar. 1997).
Guarida de un animal que no existe (Visor.1998).
Abismo (Ediciones Endimión 1999).
Teoría lautreamontiana del plagio (Límite 1999).
Poemas del Manicomio de Mondragón (Hiperión, 1999).
Suplicio en la cruz de la boca (El Gato Gris, Ediciones de Poesía, 2000).
Teoría del miedo, (Igitur, 2000).
Poesía Completa (1970-2000) (Visor, 2001).
Águila contra el hombre : poemas para un suicidamiento (Valdemar, 2001).
Me amarás cuando esté muerto (Lumen. 2001). Con José Águedo Olivares.
¿Quién soy yo?: apuntes para una poesía sin autor (Pre-Textos. 2002). Con José Águedo Olivares.
Buena nueva del desastre (Scio, Lugo, 2002).
Poemas del manicomio del Dr. Rafael Inglot (Valdemar. 2002).
Conversación (Nivola. 2003).
Esquizofrénicas o la balada de la lámpara azul (Hiperión, 2004).
Erección del labio sobre la página (Valdemar. 2004).
Danza de la muerte (Igitur, 2004).
CD-Libro "Moviedisco Colección Lcd El Europeo". Carlos Ann, Bunbury, José María Ponce y Bruno Galindo (Barcelona : Moviedisco, D.L. 2004).
Poemas de la locura seguido por El hombre elefante ( Poemas de la locura seguido por El hombre elefante. 2005).
Presentación del superhombre (Valdemar Ediciones, S.A. 2005). Con Félix Caballero

Su obra narrativa incluye

En lugar del hijo (Tusquets, 1976), libro de relatos fantásticos.
Dos relatos y una perversión (Ediciones Libertarias, 1984).
Palabras de un asesino, (Ediciones Libertarias, 1999).
"Los héroes inútiles", [epistolario con el joven escritor Diego Medrano], (Ellago Ediciones, 2005)
También ha cultivado el ensayo:

Mi cerebro es una rosa, (Roger, 1998).
Prueba de vida. Autobiografía de la muerte, (Huerga y Fierro, 2002).
De una u otra manera, todas sus páginas, hasta sus traducciones, son autobiográficas. De hecho, las claves de su obra son la autocontemplación y la (auto)destrucción. Sin embargo, como ya señalara Pere Gimferrer en 1971, el tema de su poesía "no es la destrucción de la adolescencia: es su triunfo, y con él la destrucción y la disgregación de la conciencia adulta". Liberar la adolescencia como energía emocional, creándose una mitología propia, no oficial, es la actitud asumida desde el comienzo por Panero.



Last River Together
El poema La canción de croupier del Mississippi, incluido en su obra Last River Together (1980),es un buen texto en el que encontrar resumidas la mayor parte de las características de la poesía de Leopoldo María Panero.

Lo primero que llama la atención en este poema son los elementos culturalistas que van apareciendo de forma más o menos explícita:

El título, de clara evocación cinematográfica.
La cita que encabeza el texto: Quince hombres sobre el Cofre del Muerto/ Quince hombres sobre el Cofre del Muerto/ ¡Yahoo! ¡Y una botella de ron!, que es la canción que cantan los piratas en La Isla del Tesoro, de Robert L. Stevenson (evidentemente, también hay adaptación al cine).
Una evocación de La vida es sueño de Calderón de la Barca (Y sueño que he vivido...).
Menciones expresa a Pessoa y sus heterónimos (Me digo que soy Pessoa, como Pessoa era Álvaro Campos).
La referencia a Dulce pájaro de juventud (Sweet Bird of Youth, obra teatral de Tennessee Williams, que fue llevada al cine por Richard Brooks en 1962 y que cuenta cómo un vividor debe abandonar su pueblo, tras haber seducido a la hija del cacique. Instalado en Hollywood, se convertirá en el amante de una estrella otoñal).
La contradicción a Larra (Escribir en España no es llorar).
La referencia al filósofo centroeruopeo Ludwig Wittgenstein.
La mención al escritor francés Rémy de Gourmont (1858-1915) y su Le Livre des Masques. Portraits symbolistes, Gloses et Documents sur les Ecrivains d'hier et d'aujourd'hui, in-18, Société du Mercure de France, Paris, 1896.
Lo segundo son las múltiples repeticiones ya de palabras, ya de estructuras sintácticas, ya de versos más o menos completos. Repeticiones que parecen ser usadas tanto para crear una especie de ritmo obsesivo (tengamos en cuenta que el poema es una "canción") como para dar al texto una apariencia de monólogo interior.

En último lugar, habría que señalar los diferentes temas que van apareciendo a lo largo del poema: lo autobiográfico, lo blasfemo, la vida como sueño, el antiespañolismo (no en vano, uno de sus poemarios se tituló Contra España y otros poema de no amor), el malditismo (es tan bella la ruina). Temas que, de una forma u otra, se repiten, se modifican, se mezclan, para darle al poema ese carácter de obsesivo monólogo interior, ya mencionado en el párrafo precedente

Paginas de referencia para Panero

http://amediavoz.com/paneroLM.htm
http://www.13t.org/decondicionamiento/forum/viewtopic.php?t=150
http://www.13t.org/decondicionamiento/forum/viewtopic.php?t=147
http://www.youtube.com/watch?v=DKkkiYPobNA
http://www.youtube.com/watch?v=nV4I-s-Tt2w

TIM BURTON, UNA IMAGEN VALE MAS QUE MIL PALABRAS

Timothy William Burton nació el 25 de agosto de 1958 en Burbank, California. Tim Burton es uno de los cineastas más célebres del ultimo tiempo. Sus cintas, son de una delirante fantasía oscura y empáticos personajes, lo han convertido en un director de culto (sobre todo entre la juventud oscura y demás tribus urbanas). En el año 2006 recivió una nominacion para los Academy Awards por La novia cadáver.


Vida y obra [editar]Dibujante, escritor y artista plástico, Burton ha colaborado también en varias producciones animadas, comenzando su carrera en la Disney, donde fue parte del equipo de animadores de la película Tod y Toby (1981). Su primera película como director fue el cortometraje Vincent, que utilizaba una técnica de stop-motion (cuadro por cuadro con figuras tridimensionales). El guión narrado por Vincent Price, actor al que Burton admiraba desde su juventud, estaba escrito en rimas que rinden un claro homenaje a Edgar Allan Poe y contaba la historia de un niño que, como Burton, idolatraba al escritor. Burton trabajaría nuevamente con Price en Edward Scissorhands.

Desde entonces fue clara la inclinación de Tim Burton por lo gótico, lo fantástico y lo romántico. Sin negar sus influencias (mayoritariamente del escritor e ilustrador Edward Gorey) ha creado una estética muy personal en sus filmes y en sus trabajos literarios (que están en permanente deuda con Gorey). En estos, cuenta historias en tono infantil, pero cuyos personajes son siempre lisiados, fenómenos, seres excluidos de la sociedad o personajes populares que no se sienten en corcondancia con su estatus. En su filmografía también se hace evidente esta característica que es fundamental en el estatus de culto de Burton.

Su primer largometraje fue la adaptación al cine de Pee-Wee's Big Adventure (La gran aventura de Pee-Wee) (1985), célebre personaje de la televisión infantil. Desde su debut se podía detectar un estilo visual propio, oscuro y retorcido, que se confirmó con Beetlejuice (1988), disparatada comedia de fantasmas. Esta cinta, además de lanzarlo a la fama, fue la que dio a conocer mundialmente su particular visión y su no siempre comprendida estética.



Gracias a este trabajo se le encomendó llevar al cine a Batman (1989), mítico héroe del cómic. Eligiendo como protagonista a Michael Keaton (con quien ya trabajó en Beetlejuice) y como el villano a Joker (encarnado por Jack Nicholson), la película fue un éxito comercial que obligó a una secuela, igualmente dirigida por Burton. Batman Returns (Batman Vuelve) (1992), incorporó al elenco a Danny DeVito como El Pingüino y a Michelle Pfeiffer como Catwoman, quien, en una escena, metió en su boca un pájaro por unos cuantos segundos, sin necesidad de dobles o efectos especiales. La dirección de arte de Batman fue uno de los puntos claves de su éxito, de la mano de Anton Furst quien unos años más tarde se suicidó.

Sin embargo, su consagración con un público que desde entonces lo sigue asiduamente llegó con Edward Scissorhands (Eduardo Manostijeras o El Joven Manos de Tijera) en 1991. La historia sobre un viejo inventor que crea a un joven a partir de una máquina de cortar galletas, pero muere antes de acabarlo. El chico, que se queda todavía con tijeras en lugar de manos, busca un lugar en una sociedad prejuiciosa e hipócrita. Las actuaciones de Johnny Depp, Winona Ryder y Dianne Wiest lograron para Burton una película de culto. Es tal vez su estética visual llevada al límite, tanto en la composición de cuadros como en los colores y los diseños de los lugares, los personajes, los objetos. Representa su clara visión del romanticismo más inocente, el de un joven que no sabía lo que era el amor, es tal el sentimiento que se ejerce que resulta emotivo y entrañable.



Desde 1990, Burton había trabajado como productor y director de arte en un proyecto que había esbozado desde sus años de animador con la Disney: The Nightmare Before Christmas (Pesadilla antes de Navidad o El extraño mundo de Jack) (1993), una cinta de animación cuadro por cuadro (Stop-motion) con muñecos tridimensionales. La película fue dirigida por Henry Selick y consiguió más seguidores para Burton, al que siempre se confunde como director de esta pelicula, la banda sonora fue compuesta por Danny Elfman, un músico que siempre ha estado al lado del director y cuyas canciones convirtieron a Pesadilla Antes de navidad en un gran musical. El diseño de las escenografías, los personajes y la historia hicieron de esta película una pequeña obra maestra no comprendida por la crítica. La historia del rey del país del Halloween que desea cambiar de aires y convertirse en un benévolo Papá Noel, sin embargo, fue bien recibida por el público y a la fecha los productos alusivos a la cinta se venden por millones, desde playeras hasta juguetes.

Burton tampoco negó la influencia de la ciencia ficción en sus cintas, sobre todo de aquella que venía del cine camp, de las películas de bajo presupuesto que se hacían en los años 50: cintas de monstruos, vampiros y otras atrocidades que se volvieron de culto con los años.



Esta influencia se volcó de lleno en su cinta Ed Wood (1994), de nuevo con Johnny Depp en el papel principal. Como el título lo indicaba, la cinta era la biografía (aunque en versión libre) del tristemente célebre director de cine Edward D. Wood Jr., quien por muchos es considerado "el peor director de cine de la historia". Las películas de Wood eran acartonadas, con malas actuaciones y torpes personajes que chocaban contra los decorados tirándolos; su temática era la ciencia ficción, el terror y el trasvestismo, pero inocentemente creía que era un director equiparable a Orson Welles. Esta es en sí la esencia del film de Burton, que deja ver el lado más sensible y original de Wood. Fue filmada en blanco y negro con un elenco envidiable, que incluía a actores como Martin Landau, Bill Murray, Jeffrey Jones y Lisa Marie con quien Burton tenía en ese entonces una relación sentimental. Esta cinta es considerada por muchos como lo mejor que ha hecho el cineasta, con un toque kitsch, rindiendo homenaje, de paso, al actor húngaro Bela Lugosi, quien hiciera el primer Drácula (1931) y quien en sus últimos años actuó en varias películas de Wood.

Inmerso en la iconografía kitsch de los años 50, el siguiente proyecto de Burton (conjunto a la producción de otra cinta de animación, James y el melocotón gigante) fue Mars Attacks!, que contaba con un elenco multitudinario, efectos especiales intencionadamente anodinos y marcianos verdes que venían a destruir la tierra. A pesar de su fracaso con esta cinta, Burton mantenía un estatus de poder y credibilidad en el cine. Eso se demostró con la gran acogida de su siguiente proyecto (para el que se demoró tres años), que era una revisitación de la obra maestra literaria de Washington Irving: Sleepy Hollow (Sleepy Hollow: la leyenda del jinete sin cabeza), para la que contó de nuevo con Johnny Depp y con actores de renombre como Christina Ricci, Christopher Walken, Michael Gambon y, nuevamente homenajeando a los clásicos actores de terror, Christopher Lee. Con una fotografía impecable y nominada al Oscar (de la mano del director de fotografía mexicano Emmanuel Lubezki) y una muy oscura concepción visual, la película reivindicó a Burton como un director con un estilo único e inigualable.



En el 2000 se anuncia a los medios un remake del clásico del cine de los 60, El planeta de los simios (Planet of the Apes). Poco después se anunció que quien lo dirigiría sería precisamente Tim Burton. Muchos se preguntaron si sería capaz de superar (o al menos igualar) a la versión original, así que Burton se vio en problemas para resolver una historia que, en la versión de Franklin J. Schaffner, terminaba de una manera insuperable. La visión de Burton no agradó del todo al público, que si bien alabó los efectos de maquillaje (que convertían a actores humanos en simios) no gustó del final alternativo del cineasta. Durante la filmación de ésta película, Burton conoció a la actriz Helena Bonham Carter, con la que luego contrajo matrimonio, dejando a su pareja de años, la modelo Lisa Marie. La batalla legal que ella interpuso después de que Burton la dejara no se resolvió hasta el año 2004.

Por esa época, el padre de Burton murió y él tuvo su primer hijo con Bonham Carter nacido en Londres el 6 de Octubre del 2003. Mantuvo un silencio casi abrumador en los medios, que se vio interrumpido en 2003 con los primeros rumores de su película Big Fish, que fue bien recibida. Con actuaciones de Helena Bonham Carter, Ewan McGregor, Jessica Lange, Albert Finney, Steve Buscemi y Alison Lohman, la película que fue un encargo de los estudios Disney, Tim intenta mucho devolver algo a la sociedad americana, ya que el mismo lo ha dicho "nuestra cultura es poca por que nuestro país, es un país de inmigrantes", una película intensa en cuanto a la relación Padre/Hijo.




La Novia Cadáver (Corpse Bride, en inglés). Esta película, pese a ser de animación, era una película muy adulta y de culto que muchos, por desgracia, no lograron entender esperando compararla erroneamente con The Nightmare Before Christmas. La Novia Cadáver esta basada en un cuento Ruso-Judío Ortodoxo, en la que un joven mientras juega con sus votos de matrimono en el bosque antes de pedirle matrimonio a su prometida, pero obviamente la película esta adaptada y con toques de humor.

Actualmente, Burton está trabajando en la versión cinematográfica del exitoso videojuego Grim Fandango, cuya filmación comenzará una vez terminada la producción de Sweeney Todd.

Uno de sus últimos proyectos es la creación de una firma de juguetes con sus propias historias que son los llamados Tragic Toys, que son niños algo desgraciados y poco comunes.




Filmografía

Sweeney Todd (2008)
Bones (video musical de The Killers) (2006)
La novia cadáver / El cadáver de la novia (Estrenada el 7 de septiembre de 2005 en el Festival Internacional de Cine de Venecia)
Charlie y la fábrica de chocolate (Charlie and the Chocolate Factory) (Estrenada el 18 de julio 2005)
Big Fish (2003)
El planeta de los simios (Planet of the Apes) (2001)
Sleepy Hollow (Sleepy Hollow) (1999)
Mars Attacks! (1996)
James y el melocotón gigante / Jim y el durazno gigante (1996) (como productor)
Ed Wood (1994)
Pesadilla antes de Navidad / El extraño mundo de Jack (1993) (como productor)(No dirigió)
Singles (Breve aparición como actor) (1992)
Batman vuelve (Batman Returns) (1992)
Edward Scissorhands (Eduardo manostijeras o El Joven Manos de Tijera) (1990)
Batman (1989)
Beetlejuice (1988)
La gran aventura de Pee Wee (Pee Wee's Big Adventure) (1985)
Para televisión en la serie Los cuentos de las estrellas (Faerie Tale Theater):
Aladino y la lámpara maravillosa (Alladin and his wonderful lamp) (1984)
Hansel y Gretel (1984)
Frankenweenie (cortometraje) (1984)
Vincent (corto animado) (1982)

DAVID LYNCH, MAS ALLA DEL SURREALISMO

Este pasado siglo XX nos deja un importante legado cinematografico, entre el que cabe destacar un puñado de directores norteamericanos incluyendo a Cronenberg, los hermanos Coen, Larry Clark, Tarantino, Solondz, Tim Burton y David Lynch. Sus peliculas extraños experimentos que parecen sacados de una moderna escuela surrealista no dejan indiferente a nadie. Desde "Cabeza Borradora" hasta "Inland Empire" sus peliculas son autenticas lecciones de como hacer cine alternativo. Su grandes obras maestra Erasehead Dune y el hombre elefante son experiencias casi misticas que trascienden nuestra vision cinematografica como espectadores para llevarlas a un terreno desconocido y sin explorar.

Su actividad artística se extiende asimismo al terreno de la pintura, la música, la fotografía e incluso el diseño mobiliario.
Su amor por el surrealismo queda demostrado en sus inquietantes películas, cuya total comprensión en su mayoría requiere un gran esfuerzo intelectual por parte del espectador. Como ejemplo de ello podemos citar Eraserhead y la serie de televisión Twin Peaks (serie). Posteriormente realizó algunas producciones más accesibles como The Straight Story, aunque manteniendo su firma personal. En la actualidad, algunos de sus proyectos cinematográficos y de animación son sólo accesibles a través de su página Web de pago, DavidLynch.com.
Sus películas tienden a describir pequeñas comunidades de los Estados Unidos, como es el caso de Twin Peaks (film) o Blue Velvet. Lynch siente también predilección por los secretos ocultos de los barrios periféricos de Los Ángeles, retratados en Lost Highway y Mulholland Drive. El sonido en sus películas es de gran importancia y por ello cada banda sonora es trabajada con esmero. El responsable de conseguir que ese sonido nos resulte tan especial es el compositor Angelo Badalamenti, colaborador habitual del director, creador entre otras de la fascinante banda sonora de la serie de televisión Twin Peaks (film) o de la inquietante y perturbadora Lost Highway. Reconocido admirador de Jacques Tati, Ingmar Bergman o Werner Herzog, Lynch ha conseguido destacarse como uno de los pocos directores actuales con un estilo personal y constituye un referente ineludible en el cine contemporáneo. Su nuevo film, que le ocupó varios años de rodaje, usando exclusivamente técnicas digitales, se titula INLAND EMPIRE (en mayúsculas) y su estreno se produjo en 2006.

Lynch podría considerarse el arquetipo del muchacho americano de clase media. Su padre, Donald, fue un científico adscrito al Ministerio de Agricultura norteamericano, y su madre, Sunny, era profesora de lengua. La familia vivió en distintos lugares, entre el noroeste del país y Carolina del Norte. Lynch fue boy scout y a los 15 años participó como acomodador en la toma de posesión del presidente John F. Kennedy.
Pronto experimentó impulsos artísticos y asistió al Corcoran School of Art en Washington, D..C mientras terminaba sus estudios secundarios en Alexandria, Virginia. Después se apuntó al School of the Museum of Fine Arts de Boston durante un año, antes de partir rumbo a Europa en compañía de su amigo y colega artístico Jack Fisk. Sus planes eran estudiar con el pintor del expresionismo austriaco Oskar Kokoschka (quien resultaría uno de sus principales referentes artísticos) durante tres años. Sin embargo, Lynch regresó a los Estados Unidos al cabo de sólo 15 días.
Philadelphia y sus primeros cortometrajes
En 1966, Lynch se instala en la ciudad Philadelphia, Pennsylvania, asistiendo al Pennsylvania Academy of Fine Arts (PAFA). Allí se dedicó en principio a la confección de complejos mosaicos a base de figuras geométricas, a los que él llamó Industrial Symphonies. Por aquel tiempo, tuvo sus primeros devaneos cinematográficos. Su primer corto recibió el título de Six Men Getting Sick ("Seis hombres enfermos, o enfermando") (1966). Él lo describió como "57 segundos de desarrollo y pasión, y tres segundos de vómito". Con esta pieza ganó el certamen anual de la Academia. Este pequeño éxito le permitió abordar su segundo cortometraje: The Alphabet.
A partir de 1970, Lynch se centró exclusivamente en el arte cinematográfico. Consiguió un premio de 5.000 dólares del American Film Institute por The Grandmother, ("La abuela") sobre un pobre chico de la calle que se las ingenia para conseguir una abuela a partir de una semilla. Esta película de 30 minutos de duración muestra ya muchos de los patrones característicos en su cine de madurez, incluyendo un sonido perturbador y envolvente y una potente imaginería enfocada a los deseos y al inconsciente reprimido, todo ello lejos de los métodos tradicionales de narrar.
Eraserhead
En 1971, Lynch se trasladó a Los Angeles para asistir a las clases del American Film Institute Conservatory. Fue allí donde empezó a trabajar en su primer largometraje, Eraserhead, aprovechando una ayuda de 10.000 dólares concedida por dicha institución. Este dinero no alcanzó para terminar el film y por este motivo la película no se remataría hasta el año 1977. Lynch tuvo que pedir dinero a amigos y familiares, incluyendo a su amigo de la infancia Jack Fisk, diseñador de producción y marido de la actriz Sissy Spacek, e incluso se dedicó a vender periódicos para financiarla.
Eraserhead, una de las películas más sombrías y enigmáticas de la historia del cine, plena de guiños surrealistas y elementos desasosegantes, fue muy apropiadamente rodada en blanco y negro. Cuenta la historia de un joven tranquilo (papel que incorpora el inefable Jack Nance) que vive en una especie de erial industrial y cuya novia da a luz a una rara bestezuela que no para de gemir. Lynch se refiere a la película como “mi historia de Philadelphia”, aludiendo al hecho de que refleja muy bien todas las crudas experiencias que vivió en esa ciudad en su etapa de estudiante, las cuales le marcaron profundamente.
Sobre la película, la crítica ha afirmado que sugiere o intenta sugerir los miedos y ansiedades del propio cineasta acerca de la paternidad, personificados en el grotesco aspecto del bebé, que se ha convertido en uno de los iconos del cine fantástico de todas las épocas. El director ha rehuido en más de una ocasión explicar cómo fue elaborada la criatura, pero la leyenda cuenta que fue construida a partir de un feto de vaca embalsamado.
Debido a sus extravagantes contenidos, al principio se pensó que Eraserhead no podría ser exhibida comercialmente, sin embargo, gracias al esfuerzo del distribuidor Ben Barenholtz, se convirtió pronto en un clásico, típico en salas especializadas en proyecciones de medianoche, fuera de las grandes audiencias. La crítica la alabó inmediatamente como obra maestra, lo que colocó al director a la cabeza de la vanguardia cinematográfica. El gran director Stanley Kubrick afirmó con admiración que era una de sus películas favoritas en la historia del cine. El éxito provocó que el equipo de actores y técnicos (entre ellos el cámara Frederick Elmes, el técnico de sonido Alan Splet, y el actor Jack Nance) siguieran trabajando con Lynch en años posteriores.
El hombre elefante y Dune
Eraserhead atrajó la atención del productor Mel Brooks, quien contrató a Lynch para dirigir la película de 1980 The Elephant Man (El hombre elefante), un biopic sobre la figura de Joseph Merrick, un tullido victoriano de clase alta. Esta película, rodada igualmente en blanco y negro, fue un gran éxito comercial y obtuvo ocho nominaciones a los Oscars, incluyendo el de mejor director y mejor guión adaptado para Lynch. Del mismo modo demostró la viabilidad comercial de sus propuestas.
Posteriormente, el cineasta aceptó dirigir una superproducción que adaptaba la novela de ciencia-ficción Dune. En un principio esta pelicula iba ser dirigida por Alejandro Jodorowsky contando con la colaboracion del Dibujante H.R.Giger y el dibunante de comics Moebieus, ademas de la participacion de Allan Delloin , Orson Welles, Mick Jagger y Salvador Dali en el papel de emperador, la pelicula se quedo en un proyecto sin saber muy bien el motivo . Dune es uan noveala del escritor Frank Herbert, para el productor italiano Dino De Laurentii, con la condición de que la productora se comprometiera a financiar un segundo proyecto sobre el cual Lynch mantendría control creativo total. Aunque el productor esperaba que Dune supondría algo así como la nueva Guerra de las galaxias, la película resultó un gran fiasco comercial, siendo además vapuleada por la crítica. Se calculó que ingresaría 45 millones de dólares que al final se quedaron en sólo 27,4. Para compensar pérdidas, el estudio elaboró una versión alargada para la televisión que desvirtuaba el montaje del director y que Lynch desautorizó inmediatamente.
Blue Velvet
La segunda película de Lynch producida por De Laurentiis fue Blue velvet ("Terciopelo azul", 1986), la historia de un joven universitario (representado por el actor que protagonizara Dune, Kyle MacLachlan) que descubre el lado oscuro de una pequeña ciudad, al investigar la procedencia de una oreja cortada que había encontrado casualmente en el transcurso de un paseo campestre. La película muestra actuaciones memorables de Isabella Rossellini, en el papel de una cantante atormentada, y de Dennis Hopper en el de un criminal psicópata, líder de una banda de matones de medio pelo.
Blue Velvet obtuvo un gran éxito de crítica y proporcionó a Lynch su segunda nominación al Óscar al mejor director. La película presenta algunos lugares comunes en su cine: una cuidadísima puesta en escena, ciertos episodios y conductas inexplicables, mujeres ultrajadas, los malsanos entresijos de una pequeña comunidad, y la utilización poco convencional de canciones antiguas. “Blue velvet”, de Bobby Vinton e “In dreams” de Roy Orbison suenan en este film extrañas y perturbadoras. Esta fue la primera ocasión en que Lynch trabajaba con el compositor Angelo Badalamenti, quien contribuiría en todas sus películas posteriores.
El director Woody Allen, cuya cinta Hannah y sus hermanas fue nominada como mejor película, afirmó que Blue Velvet era el mejor filme del año. La película, que es comúnmente considerada como una de las obras maestras del cine contemporáneo, ha llegado a convertirse en un icono de la cultura popular.



Twin Peaks, Wild at Heart, Industrial Symphonies, American Chronicles y Hotel Room
Al no obtener financiación para posteriores guiones, a finales de los 80 Lynch optó por colaborar con el productor televisivo Mark Frost en la serie televisiva Twin Peaks, acerca de una pequeña localidad de Washington donde ocurren extraños sucesos. La historia se centraba en las investigaciones realizadas por el agente especial del FBI Dale Cooper (de nuevo Kyle MacLachlan) en torno a la muerte de una conocida estudiante de secundaria llamada Laura Palmer, una investigación que iba revelando los escabrosos secretos de muchos ciudadanos aparentemente respetables. El cineasta dirigió seis episodios en total, incluyendo los dos primeros, y escribió o co-escribió algunos más, e incluso apareció como actor en algunos de ellos.
La serie se estrenó en la cadena ABC Network el 8 de abril de 1990 y poco a poco fue revelándose como todo un fenómeno cultural. Ningún otro proyecto de Lynch ha obtenido semejante aceptación. La serie fue vendida a infinidad de países, y algunos de sus latiguillos ingresaron en la cultura popular. Se hicieron parodias de la misma en el show Saturday Night Live y en la serie de caricaturas Los Simpsons. Lynch apareció en la portada de la revista Time en gran medida debido al gran éxito cosechado con Twin Peaks. El director incorporó el papel del vociferante y medio sordo jefe del agente Cooper, Gordon Cole.
Pese a todo, Lynch chocó con los responsables de la cadena por distintos motivos, en especial por la posibilidad de revelar o no la identidad del asesino de Laura Palmer. La cadena insistía en desenmascararlo ya en la segunda temporada, pero Lynch quería guardarlo en secreto hasta el final. Lynch pronto se desencantó de la serie y como resultado muchos miembros del reparto declararon sentirse “abandonados”.
Fue en aquel tiempo cuando Lynch empezó a colaborar con la editora, productora y su compañera en la vida real, Mary Sweeney, que había trabajado como asistente para él en Blue Velvet. Esta colaboración se prolongaría a lo largo de once proyectos. De su relación nació un hijo.
Su siguiente largometraje fue una adaptación de la novela de Barry Gifford, Wild at Heart (“Corazón salvaje”), una alucinante, sensual y atropellada “road movie” protagonizada por los actores Nicolas Cage y Laura Dern. La producción obtuvo la Palma de Oro en el Festival de Cannes de 1990, pero no contó con la aprobación de la crítica ni el respaldo del gran público. Se dice que algunos espectadores abandonaban la sala en las exhibiciones de prueba.
El eslabón perdido entre Twin Peaks y Wild at Heart, es el espectáculo musical Industrial Symphony No. 1: The Dream of the Broken Hearted, una nueva colaboración con Angelo Badalamenti en la que canta Julee Cruise y actúan varios actores de Twin Peaks, así como Nicolas Cage y Laura Dern. Lynch confesó que la obra reflejaba de alguna forma una relación sentimental rota. El director produjo en 1990 un video de 50 minutos sobre la obra.
Twin Peaks acabó sufriendo serios reveses de audiencia y fue retirada en 1991. Mientras tanto Lynch escribió una precuela sobre los últimos siete días en la vida del personaje de Laura Palmer, que dio lugar al largometraje Twin Peaks: Fire Walk with Me (1992), un desastre de taquilla que acarreó al director las peores críticas de su carrera.
Durante este periodo Lynch volvió a colaborar con Mark Frost en la serie de humor On the Air para la ABC, sobre los orígenes de la televisión. En EE.UU. sólo se emitieron tres episodios. Esta colaboración se prolongó en la serie documental American Chronicles.
Su siguiente proyecto fue una miniserie de escasa importancia para la cadena HBO titulada Hotel Room, la cual narraba los acontecimientos que se enmarcaban en una misma habitación de hotel a lo largo de varias décadas.
Lost Highway, The Straight Story, Mulholland Dr., INLAND EMPIRE
En 1997 Lynch volvió a la palestra con el complejo film de argumento no lineal Lost Highway ("Carretera perdida"), el cual poseía muchos elementos de cine negro. Fue co-escrito con Barry Gifford y protagonizado por los actores Bill Pullman y Patricia Arquette. La película fracasó comercialmente, pero recibió críticas contrapuestas. No obstante, gracias en parte a la banda sonora en que aparecían cantantes y grupos como Marilyn Manson, Rammstein, Nine Inch Nails y The Smashing Pumpkins Lynch obtuvo una nueva audiencia por parte de espectadores de la llamada Generación X
En 1999, sorprendió muy positivamente a sus fans y a la crítica con una película producida por la factoría Disney: The Straight Story ("Una historia verdadera"), que era, al menos aparentemente, una sencilla película sin pretensión alguna contando una historia real acerca de un hombre de pueblo (incorporado por el viejo actor Richard Farnsworth) que emprende un largo viaje de estado en estado, a bordo de un cortacésped, con el único fin de hacer las paces con su hermano enfermo. La película recibió muy buenas críticas y proporcionó a su autor nuevas audiencias.
Mulholland Drive (2001)
Ese mismo año Lynch tentó una vez más a la cadena ABC con la idea de un drama para la televisión. La cadena dio el visto bueno y se grabó el episodio piloto, de dos horas de duración. Pero controversias sobre el contenido y la duración de la serie la aparcaron definitivamente.
Con la aportación de 7 millones de dólares por parte de la productora francesa Studio Canal, el director convirtió ese episodio piloto en un largometraje. Mulholland Drive es una historia extraña que trata de ahondar en el la vertiente oscura de Hollywood, la “fábrica de sueños”. Está protagonizada por Naomi Watts, Laura Harring y el actor Justin Theroux. La película funcionó relativamente bien comercialmente en todo el mundo, mereciendo además reseñas positivas, lo que supuso a su director el premio al mejor director en el Festival de Cannes del año 2001 (este premio lo compartió con Joel Coen por El hombre que nunca estuvo allí) y otro premio al mejor director otorgado por la New York Film Critics Association.
En 2002, Lynch desarrolló una serie de cortos para Internet titulada Dumb Land. Los ochos episodios de que constaba, intencionadamente muy duros de contenido e interpretación, aparecieron posteriormente en formato DVD.
Lynch dedicó a sus incondicionales ese mismo año una comedia de situación a través de su página web. La serie se tituló Rabbits ("Conejos") y constó de ocho episodios plenos de surrealismo que se desarrollaban en un cuarto habitado por extrañas personas con cabeza de roedor. Posteriormente, el director rodó en vídeo digital el corto Darkened Room, a imitación del exitoso cine de terror japonés de los últimos años.
INLAND EMPIRE (2006)
En el Festival de Cannes correspondiente a 2005, el cineasta anunció que durante un año había estado rodando en Polonia, por medio de técnicas digitales, su último film. La película, titulada INLAND EMPIRE (en mayúsculas) supone casi un compendio del cine de este director audaz e inquietante desde sus comienzos. La historia, retorcida y con tintes pesadillescos, desarrolla distintos niveles argumentales entremezclados, sin aclarar nunca los nexos lógicos entre ellos. Abunda en primeros planos expresionistas (especialmente de la atribulada Laura Dern), el sonido es distorsionado y envolvente, y los efectos especiales unidos a las numerosas escenas cómico-grotescas que contiene producen un gran impacto visual. El reparto de la película incluye actores habituales de Lynch como la ya mencionada Laura Dern, Harry Dean Stanton, y el protagonista de Mulholland Drive Justin Theroux, con un cameo de Naomi Watts (supuestamente uno de los actores disfrazados de conejos en la serie del mismo nombre), además de la actuación estelar del británico Jeremy Irons. Lynch describió la película como "un misterio acerca de una mujer metida en grandes dificultades”. Se estrenó en diciembre de 2006, habiendo suscitado hasta el momento entre los críticos, como en ocasión de los más recientes largometrajes del director, grandes discrepancias y opiniones enfrentadas.

Lynch ha declarado a menudo admirar profundamente a los cineastas Stanley Kubrick y Federico Fellini, al escritor Franz Kafka y al pintor Francis Bacon. Sostiene que muchas de las películas de Kubrick se encuentran entre sus preferidas, y que las obras de Kafka y Bacon lo subyugan por su fuerza visual y su conmovedora sensibilidad. Igualmente ha citado al pintor expresionista austriaco Oskar Kokoschka como fuente de inspiración. Lynch se siente desde siempre hechizado por la película The Wizard of Oz ("El mago de Oz") y a menudo ha hecho clara referencia a la misma en cintas como Wild at Heart.
Una influencia temprana en él fue el libro The Art Spirit del artista y profesor norteamericano Robert Henri, del cual afirmó que le ayudó a decidir el curso que tomaría su trabajo plástico. Como Henri, Lynch se trasladó del campo a un entorno urbano para desarrollar su carrera artística. Henri era un pintor realista urbano, que adoptaba la vida en la ciudad como materia principal de su trabajo, lo que imitó Lynch en sus orígenes. Y si la obra de Henri sirvió de puente entre la Norteamérica agrícola del siglo XIX y la urbana del XX, las cintas de Lynch entremezclan la nostalgia feliz de los años 50 con la extrañeza existencial de los 80 y 90.
Tienen gran peso sobre su obra igualmente los cineastas Luis Buñuel, Werner Herzog y Roman Polanski, alguno de los cuales ha reconocido también al propio Lynch como referente.

En lo personal, Lynch ha mantenido relaciones sentimentales con la actriz Isabella Rossellini (a raíz del rodaje de Terciopelo azul), y ha estado casado tres veces: con Peggy Lentz (1967-1974; una hija, Jennifer Chambers Lynch, 1968, ahora directora cinematográfica). Con Mary Fisk (1977-1987) (un hijo, nacido en 1982, Austin Jack Lynch). Y con la editora y productora de sus películas Mary Sweeney (2006; un hijo nacido en 1992, Riley Lynch).

Filmografía
Six Figures Getting Sick (cortometraje) (1966)
The Alphabet (cortometraje) (1968)
The Grandmother (cortometraje) (1970)
The Amputee (cortometraje) (1974)
Eraserhead (Cabeza borradora) (1977)
The Elephant Man (El hombre elefante) (1980)
Dune (Duna) (1984)
Blue Velvet (Terciopelo azul) (1986)
The Cowboy and the Frenchman(1988)
Wild at Heart (Corazón salvaje) (1990)
Twin Peaks (serie de televisión) (1990-1991)
Twin Peaks(película europea) (1990)
Twin Peaks: Fire Walk With Me (1992)
Premonitions Following an Evil Deed (1996)
Lost Highway (Carretera perdida) (1997)
The Straight Story (Una historia verdadera) (1999)
Mulholland Drive (2001)
The Short Films of David Lynch (2002)
Darkend Room (2002)
Rabbits (serie de Internet) (2002)
Inland Empire (2006)

LA GENERACION BEAT

El término Beat Generation surge durante una conversación entre Jack Kerouac y John Clellon Holmes en 1948. La intención de sus miembros no era la de nombrarla, sino la de "desnombrarla". A finales de 1952 apareció en el New York Times Magazine un artículo de John Clellon Holmes titulado "This is the Beat Generation " que captó la atención del público. El término comenzó a utilizarse de tal manera, y sin discriminación alguna, hasta el punto de que en 1959 Kerouac considerara necesario corregir públicamente el abuso de esta denominación en los medios de comunicación, donde se empleaba con las connotaciones de "totalmente vencido", o fracasado, o en el sentido de "ritmo". Jack intentó mostrar el sentido correcto de beat sugiriendo su relación con palabras como "beatitud" y "beatífico", conexión que se explicaba porque, en sus ideales, el movimiento beat se sentía atraído por la naturaleza de la conciencia orientada a la comprensión del pensamiento oriental, hacia prácticas de meditación, etc. Esta "redefinición" que Kerouac hacía del término pretendía orientar hacia imágenes simbólicas del estilo de la derrota u oscuridad necesarias, precedentes a la apertura a la luz y la supresión del ego que conducen a la iluminación religiosa. Parece ser, que el término "beatnik" surgió por influencia del lanzamiento del satélite "sputnik", muy famoso en la época. Otra teoría defiende un origen en la terminación "-nik" sufijo despectivo proveniente del idioma yiddish, hablado por los judíos de Europa Central.

Allen Ginsberg, el más famoso de los poetas beatniks, observaba en el prólogo al libro "The Beat Book", editado por Anne Waldman y Andrew Schelling, otro posible significado: "acabado", "completo", en la noche oscura del alma o en la nube del no saber. E incluso "abierto", en el sentido whitmaniano de "apertura a la humildad". Pero, independientemente del significado que quiera dársele, el uso de Beat Generation pasa a designar un movimiento literario formado por un grupo de amigos que desde mediados de los años cuarenta habían trabajado juntos escribiendo poesía y prosa, y que compartían una idea de cultura y aficiones o fuentes de inspiración similares, tales como la música jazz.

El grupo inicial estaba formado por Jack Kerouac, Neal Cassady, William Burroughs, Herbert Huncke, John Clellon Holmes y Allen Ginsberg. En 1948 se unieron Carl Salomon y Philip Lamantia; en 1950 Gregory Corso; y en 1954 Lawrence Ferlinghetti y Peter Orlovsky.

Este grupo, que acabó denominándose la Generación Beat, revitalizó la escena bohemia cultural norteamericana. Su energía se desbordó hacia los movimientos juveniles de aquella época (On the Road -En el camino, 1957- de Kerouac, asumió carácter de manifiesto universal de una juventud que quería huir de lo establecido), y fue absorbida por la cultura de masas y por la clase media hacia finales de los años cincuenta y principios de los sesenta.

Sus ideales abogan por un arte como manifestación de las texturas de la conciencia. Su canto a la liberación espiritual derivó hacia una liberación sexual, particularmente homosexual, que hizo de catalizador en los movimientos de liberación de la mujer y de los negros. Llevados por una visión tolerante y no-teísta, un antifascismo cósmico, un eclecticismo... se interesaron por las sustancias psicodélicas como herramientas de conocimiento.

Centraron su lucha en contra de los valores tradicionalistas y puritanos de Estados Unidos, contra el "American Way of life", un repudio implícito a los valores comerciales, para cuyo reemplazo proponían los ideales expuestos por Whitman en "Hojas de hierba".

Los involuntarios miembros fundadores del movimiento rechazaron abiertamente la masificación y frivolización en la que acabaron los beatniks. El cine, especialmente, contribuyó a poner de moda una supuesta "estética beat" falsa, en la que todos los jóvenes bohemios vestían de negro, lucían barbas y perillas, llevaban boina y pasaban su tiempo en viejos cafés leyendo poesía, fumando y tocando los bongos.

W.S. BURROUGHS. Burroughs nació en el seno de una familia acomodada. Su abuelo inventó una máquina de sumar que serviría para fundar la Burroughs Adding Machines, empresa que aún existe, aunque es más conocida como Burroughs. Ya desde pequeño descubrió sus inclinaciones homosexuales y su pasión por las armas de fuego, que le acompañó toda su vida. Tras un periodo terriblemente autodestructivo durante los años 50 tras una primeriza incursión en la literatura pulp (es el caso de Yonqui), se dedicó a partir de los 60 a escribir con bastante continuidad.
Su obra tiene una importante carga autobiográfica, y en ella se plasma su adicción a diversas sustancias, como la heroína. La experimentación, el surrealismo y la sátira constituyen, además, algunos de los elementos más destacados de sus novelas.
Sus primeras publicaciones se engloban dentro de la Generación Beat, esto es, el grupo de intelectuales y artistas estadounidenses que definieron y dieron forma a la cultura tras la Segunda Guerra Mundial. No en vano, Burroughs mantuvo importantes contactos con escritores como Allen Ginsberg (del que se cree que fue amante), Gregory Corso, Jack Kerouac y Herbert Hucke. Pero la influencia de su literatura trascendió ampliamente este movimiento, dejándose sentir posteriormente en otras manifestaciones artísticas de tipo contracultural.


I
ngresó en la «American Academy and Institute of Arts and Letters» en 1984.

La obra de Burroughs comenzó siendo formalmente convencional aunque sus temáticas no lo eran. Es el caso de sus obras primerizas como Yonqui o Queer (Marica, que no fue publicada hasta 1985).
Posteriormente se entregó a la experimentación formal con mayor o menor éxito. Técnicas como el cut-up (que aprendió de su amigo Brion Gysin) consistente en collages narrativos o un esfuerzo denodado por destruir las normas sintácticas y semánticas sin perder el sentido de lo relatado. De esta época proceden Nova Express, La Máquina Blanda o El Almuerzo Desnudo.
No se debe considerar esta experimentación como algo sin objetivo. La peculiar filosofía de Burroughs, que en definitiva es la que ha dado trascendencia a su obra, es casi mesiánica.
Según Burroughs, el ser humano está alienado por el lenguaje. Considera que el lenguaje (y las normas gramaticales y sintácticas que le caracterizan) es un organismo parásito, un virus, que ha elegido nuestras mentes como hábitat. El lenguaje (y más aún la razón) aplasta nuestra naturaleza real y crea un universo para nosotros en el que existe el tiempo, la muerte y prácticamente todos nuestros males.
El problema se complica porque los seres humanos infectados no saben que lo están. Según su propia analogía, "la cárcel perfecta es aquella en la que no sabes que estás dentro de una cárcel". Para Burroughs el lenguaje es una cárcel perfecta porque parece increíblemente amplia y espaciosa. Sin embargo, el lenguaje sólo permite llegar a donde sus propias combinaciones y secuencias permite, dejando más allá el territorio real de la mente humana, que es el espacio y no el tiempo.
Para Burroughs, la auténtica revolución no es de índole social, sino mental. Deshacerse del virus lenguaje es el primer paso. La guerra contra este virus establece una continuidad en gran parte de su obra, donde los protagonistas (humanos, extraterrestres, seres inorgánicos, demonios) están claramente de un bando o de otro y se enfrentan violentamente, sin reglas de ningún tipo.
Los esfuerzos de este autor por trascender las reglas del lenguaje consiguen finalmente destruir esa tiranía inherente, de tal manera que Burroughs consigue expresar imágenes y mundos como nadie ha podido antes. No se puede afirmar, empero, que haya conseguido este objetivo desde el primer momento. Las obras anteriormente mencionadas en ocasiones rozan la ilegibilidad y exigen un esfuerzo considerable por parte del lector. No es sino hasta su madurez, con la trilogía Ciudades de la Noche Roja, El Lugar de los Caminos Muertos y Tierras del Occidente donde este autor consigue el equilibrio entre accesibilidad, experimentación y revolución.
En estos tres libros, auténticas obras maestras, la destrucción del lenguaje se lleva a cabo de manera tan sutil que en la práctica el lector no se da cuenta de que en realidad el texto está violando todas las reglas del lenguaje, logrando además que el texto se transforme en imágenes de modo fluido. Como ejemplo, esta cita de El Lugar de los Caminos Muertos.
"-Saca una foto de eso, es puro Venus, amigo mío... Y Urano, donde los uranianos se sientan en sus casas azules de pizarra en frío silencio azul... Kim quería explorarlos todos nuevos peligros nuevas armas, "mares peligrosos en desolados países de hadas" ansiaba drogas placeres desconocidos y una distante estrella llamada HOGAR.


"

Allen Ginsberg.Irwin Allen Ginsberg nacido en Paterson, New Jersey.
Enlace entre el movimiento beat de los cincuenta y los hippies de los sesenta, compartió amistad con, entre otros, Jack Kerouac, Neal Cassady, William S. Burroughs, Patti Smith, Gregory Corso, Herbert Huncke, Rod McKuen y Bob Dylan.
La poesía de Ginsberg estaba muy influida por el modernismo, el romanticismo, el beat y la cadencia del jazz, además de por su práctica del budismo Kagyu y su origen judío. Se consideraba heredero de William Blake y Walt Whitman. La potencia de los poemas de Ginsberg, sus largos versos y su exuberancia del Nuevo Mundo reflejaban la continuidad de la inspiración que reclamaba. Otras influencias incluían al poeta estadounidense William Carlos Williams.
La principal obra de Ginsberg, "Howl" ("Aullido"), es muy conocida por su frase de apertura: "He visto a las mejores mentes de mi generación destruidas por la locura". La obra se consideró escandalosa en el momento de su publicación por la crudeza de su lenguaje, que es a menudo explícito. Poco tiempo después de su publicación en 1956 por una pequeña editora de San Francisco, la obra fue prohibida. La prohibición fue un caso célebre entre los defensores de la primera enmienda de la Constitución estadounidense; fue anulada después de que el juez Clayton W. Horn declarara que el poema poseía importancia social redentora. Las ideas políticas libertarias y en general anti-sistema de Ginsberg atrajeron la atención del FBI, que lo consideraban como una gran amenaza para la seguridad.
Es en parte interesante resaltar que la segunda parte de Aullido estuvo inspirada y escrita principalmente durante una visión causada por el peyote. Ginsberg intentó escribir varios poemas bajo la influencia de varias drogas, incluyendo el LSD. Esta práctica era una manifestación específica de su enfoque experimental de carácter más general; por ejemplo, también "escribió" poemas recitándolos, grabándolos en cintas de cassette y transcribiendo los resultados.
En sus escritos y en su vida, Ginsberg defendía la libertad y la autenticidad. Muchos de sus poemas son extremadamente sinceros y directos. Por ejemplo, en "Kaddish" describe la locura de su madre en términos claros. En "Many Loves" ("Muchos amores"), describe su primer contacto sexual con Neal Cassady, que fue su amante y amigo. Alguno de sus poemas posteriores se centra en su relación con Peter Orlovsky, su amante de toda la vida a quien dedicó Kaddish and Other Poems (Kaddish y otros poemas).
Su viaje espiritual comenzó pronto con visiones espontáneas y continuó con un temprano viaja a la India y un encuentro casual en una calle de Nueva York con Chögyam Trungpa, Rinpoche, un budista tibetano maestro de meditación de la escuela Vajrayana, quien se convirtió en su amigo y maestro durante toda su vida.
En su vida política fue un iconoclasta, usando su ingenio y su humor para luchar por la causa de la libertad personal de los otros, a menudo arriesgándose el mismo. Ginsberg ayudó a financiar la School of Disembodied Poetics de Jack Kerouac en la Universidad de Naropa en Boulder, Colorado, una escuela formada por Chögyam Trungpa, Rinpoche. También fue co-fundador, junto al poeta francés Jean Jacques Lebel, de uno de los festivales de poesía más importantes del mundo, conocido como Poliphonix.
En 1993 el Ministerio de Cultura francés le nombró Caballero de la Orden de las Artes y las Letras.



Jack Kerouac. Su nombre original era Jean-Louis Lebris de Kérouac, descendiente de canadienses francófonos. No aprendió a hablar inglés hasta los seis años.
Jack Kerouac pronto destacó como deportista practicando fútbol americano, ganando una beca para la Universidad de Columbia (Nueva York). Sin embargo, una lesión en su pierna y una discusión con su entrenador frustraron su carrera, por lo que se enroló en la marina mercante.
Escribía constantemente cuando estaba en tierra. Asentado en la ciudad de Nueva York, donde conoció a los otros miembros de la Generación Beat, como Allen Ginsberg, Neal Cassady y William S. Burroughs.
Pasó varios años tratando de encontrar un estilo propio, al que finalmente llamó prosa espontánea o "kickwriting". Cuando le preguntaban acerca de sus opiniones respecto de la escritura, no se esforzaba en hacer diferencias entre la prosa y la poesía. Sostenía que sus ideas se aplicaban tanto a uno como otro género, la espontaneidad como método traspasaba los límites de las formas de la escritura. Le gustaba decir que cuando estaba trabajando en una novela cada párrafo era un poema dentro de un extendido texto que flotaba en el mar de la lengua inglesa.
La fama acabó con el tímido alocado de Kerouac, que tenía la costumbre de presentarse borracho a las entrevistas para intentar superar el difícil trance de explicar la mística de las novelas que había escrito muchos años atrás y nadie se había atrevido a publicar.
Murió a los 47 años debido a un derrame interno, producto de una cirrosis.

MICHEL GONDRY , EL CINE QUE ESTA POR LLEGAR

Michel Gondry, es la ultima senscacion del panorama cinefilo. Junto con Spike Jonze, David Fincher, Mark Romanek, Chris Chuningam, Jonathan Glazer y muchos mas forman la llamada generacion del videoclip. Autores instruidos en el campo de la publicidad y el videoclip que dan el salto a la gran pantalla. La publicidad y el videoclip son los lugares apropiados para formarse visualmente antes de dar el salto al cine, permiten instruirte en las diferentes tecnicas y herramientas que estos campos te facilitan, y si es bien aprovechado como el caso de Gondry pueden convertirte en autenticos especialistas de la materia. El caso de Gondry es la de un cineasta nato, una autentico especialista en el campo de la experimentancion visual. Sus "videoclips" y "spots" son autenticos ejercicios de artesano que prueban los diferentes registros con los que es posible tratar una imagen. Gondry como es el caso de Spike Jonze ha estado respaladado por Charlie Kauffman en la firma de los guiones de sus peliculas.

Michel Gondry es un director de cine, anuncios, y vídeos musicales, destacado por su innovador estilo visual y su manipulación de la puesta en escena. Su carrera como realizador comenzó con la dirección de vídeos musicales para la banda de rock francesa Oui Oui, de la cual era también batería. El estilo de sus vídeos llamó la atención de la cantante Björk, quien le pidió dirigir el vídeo para su canción Human Behavior. Esta colaboración se extendería bastante tiempo, con Gondry dirigiendo un total de seis vídeos musicales para Björk. Otros artistas con quien Gondry ha colaborado en más de una ocasión incluyen a The White Stripes, The Chemical Brothers y Kylie Minogue. Gondry también ha creado numerosos comerciales de televisión, siendo uno de sus más famosos el realizdo para Levi's, con el que ganó el Lion D'or en el Festival de Cine de Cannes de 1994. Fue pionero en la utilización de la técnica conocida como «bullet time», utilizada posteriormente en las cintas de la saga Matrix, notablemente en el vídeo Like A Rolling Stone de los británicos The Rolling Stones y en un comercial de 1998 para la marca de vodka Smirnoff.
Gondry suele ser citado, junto con los directores Spike Jonze y David Fincher, como representante de la influencia de los directores de vídeo musicales en la cinematografía mundial. Gondry hizo su debut en el séptimo arte el año 2001 con Human Nature, consiguiendo críticas dispares.Sus videos musicales son autenticos hitos y descubrimentos visuales, experimentando y creando todo tipo de recursos y efectos visuales. El guion lo firmo Charlie Kauffman, otro inovador, en este caso de guiones y planteamientos narrativos. Junta esto dos autores y conseguiras una de las peliculas mas originales de los ultimos diez años. Su segunda cinta, Eternal sunshine of the spotless mind (que es también su segunda colaboración con el guionista Charlie Kaufman) fue estrenada en el año 2004 y recibió numerosas críticas entusiastas. Eternal sunshine of the spotless mind utiliza muchas de las técnicas de montado de escenarios, uso de perspectiva y escasos efectos por computadora, sumado a largas tomas y un tratamiento pictórico de la imagen, herramientas con las que Gondry ha experimentado en sus vídeos musicales.
Su hermano Olivier Gondry también es un director de anuncios de televisión y vídeos musicales

De imprescindible vision es la coleccion de videoclips de "director label" que junto a la Chuningam, Jonze, Glazer y Romanek es una obra de referencia en todo lo referente a tecnicas visuales de finales de este pasado siglo XX. http://www.directorslabel.com/




Videografía

Lista cronológica de vídeos musicales dirigidos por Gondry:
Declare Independence - Björk (2007)
King of the Game - Cody Chesnutt (2006)
Heard'em Say - Kanye West (2005)
The Denial Twist - The White Stripes (2005)
Ribbon - Devendra Banhart (2004)
Mad World (versión de la banda sonora de Donnie Darko) - Gary Jules (2004)
I Wonder - The Willowz (2004)
Light & Day (versión cinematográfica) - The Polyphonic Spree (2004)
Walkie Talkie Man - Steriogram (2004)
Ride - The Vines (2004)
The Hardest Button To Button - The White Stripes (2003)
Come Into My World - Kylie Minogue (2002)
Star Guitar - The Chemical Brothers (2002)
Dead Leaves & The Dirty Ground - The White Stripes (2002)
Fell In Love With A Girl - The White Stripes (2002)
Knives Out - Radiohead (2001)
Let Forever Be - The Chemical Brothers (1999)
Gimme Shelter - The Rolling Stones (1998)
Music Sounds Better With You - Stardust (1998)
Another One Bites The Dust - Wyclef Jean (1998)
Bachelorette - Björk (1997)
Jóga - Björk (1997)
Deadweight - Beck (1997)
Everlong - Foo Fighters (1997)
Around The World - Daft Punk (1997)
A Change (Would Do You Good) - Sheryl Crow (1997)
Feel It - Neneh Cherry (1997?)
Sugar Water - Cibo Matto (1996)
Hyperballad - Björk (1996)
Like A Rolling Stone - The Rolling Stones (1995)
She Kissed Me - Terence Trent D'Arby (1995)
Isobel - Björk (1995)
Protection - Massive Attack (1995)
Army of Me - Björk (1995)
High Head Blues - Black Crowes (1995)
Lucas With the Lid Off - Lucas (1994)
Fire On Babylon - Sinéad O'Connor (1994)
Little Star - Stina Nordenstam (1994)
Human Behaviour - Björk (1993)
Snowbound - Donald Fagen (1993)
Believe - Lenny Kravitz (1993)
La Tour De Pise - Jean Francois Coen (1993)
Je Danse Le Mia - I AM (1993)
Big Scary Animal - Belinda Carlisle (1993)
Hou! Mamma Mia - Les Négresses Vertes (1993)
She Kissed Me - Terence Trent D'Arby (1993)
This is it, Your Soul - Hot House Flowers (1993)
Voila, Voila, Qu'ça R'Commence - Rachid Taha (1993)
How the West was won - Energy Orchard (1992)
Paradoxal Système - Laurent Voulzy (1992)
Comme un ange (qui pleure) - Les Wampas (1992)
Two Worlds Collide - Inspiral Carpets (1992)
Les Voyages Immobiles - Etienne Daho (1992)
Close but no cigar - Thomas Dolby (1992)
Blow me down - Mark Curry (1992)
La Ville - Oui Oui (1992)
Ma Maison - Oui Oui (1990)
Les Jupes - Robert (1990)
Les Cailloux - Oui Oui (1989)
Dô, l'enfant d'eau - Jean-Luc Lahaye (1988?)
Les Objects - Sarah (1988?)
Bollide - Oui Oui (1987?)
Junior Et Sa Voix D'Or - Oui Oui (1987

CHARLES BUKOWSKI, LA SENDA DEL PERDEDOR

Bukowski es para la poesia lo que Godard al cine o Dali a la pintura un rebusirvo mas que necesario heredero directo de los poetas beats como Ginsberg o Burroughs, de Rimbaud o Apollonaire. El ultimo de la generacion maldita de los escritores norteamericanos. Su obra tiene mucho que ver cons sus admirados Hemingway y Henry Miller. Su desgarradora manera de escribir, con un estilo realista y directo es el arquetipo del anti-heroe, siempre de la mano del perdedor. Tambien tiene mucho que ver su manera de escribir con muchos de los llamados escritores beats como Jack Kerouac, con un estilo de relatos cortos casi improvisados cargados de una fuerte dosis de rebeldia. Escribo poesia y no leo tanto como deberia, de lo poco que conozco Bukoswki y Machado son los que me han gustado con diferencia.

Charles Bukowski (1920-1994) fue el último escritor "maldito" de la literatura norteamericana. Ha sido comparado con Henry Miller, Céline y Hemingway, entre otros autores, y ha inspirado numerosas películas como Barfly de Barbet Schroeder y Ordinaria Locura de Marco Ferreri. Durante cinco décadas, sus libros fueron mordientes crónicas de sus propias experiencias personales le ganaron millones de devotos lectores en todo el mundo. Pero como él mismo indica en alguno de sus libros autobiográficos (como en su diario o en el relato de su gira europea) fue en Europa donde lo descubrieron. Los lectores americanos siempre tuvieron miedo. En un artículo publicado en el periódico californiano San Francisco Chronicle se puede leer la siguiente reseña: "Ningún escritor norteamericano contemporáneo ha descalificado el sueño americano con tanta perseverancia como Charles Bukowski." Seguramente fue por la osadía de Buk que surgieron sus lectores en América: murió en una gran casa de Hollywood a los 73 años. Vivía con una hermosa mujer y estaba rodeado de gatos.

Charles Bukowski nació en Andernach, en Alemania, en 1920. Lo trasladaron a los dos años a Los Angeles, donde residió siempre. Su infancia estuvo marcada por constantes enfrentamientos con su padre y desaveniencias con su madre, en un entorno familiar acosado por la violencia, el paro y el enrarecido ambiente patriótico norteamericano durante la Segunda Guerra Mundial. También estuvo marcada por una terrible infección de acné en la piel, que le dejó marcas en la cara para el resto de su vida, y por su afición al boxeo y a las bibliotecas. Durante muchos años sobrevivió en la jungla urbana, entre empleos episódicos, peleas y borracheras sin destino. Durante muchos años, y tras un breve paso por la universidad, se ganó la vida con trabajos manuales temporales, espaciados por los periodos de vacaciones que se tomaba cuando tenía suerte en las apuestas del hipódromo, afición que reflejó continuamente en su obra. Empezó a escribir cuentos muy joven pero, tras un primer relato publicado por una revista en 1944, abandonó la literatura por un espacio de diez años, en los que sentó los cimientos de su leyenda alcohólica.Empezó a publicar poesías y relatos cortos en revistas underground, hasta que a los 49 años, después de haber trabajado los últimos 20 en el servicio de correos (como repartidor), dejó el trabajo y se dedicó sólo a escribir, su fruto fue Cartero (1970), su primera novela. A ésta seguirían otras cinco, todas protagonizadas por Henry «Hank» Chinaski, alter ego del propio Bukowski. El éxito lo convirtió en escritor de culto y poco a poco su popularidad se extendió más allá del nuevo continente. Las lecturas de poesía y esporádicos viajes (uno de ellos a Europa, visitando su pueblo natal y reencontrándose con familiares lejanos) convirtieron sus últimos años de vida en una constante lucha contra la comodidad y el aburguesamiento, y fruto de ello publicó Peleando a la Contra, un auténtico testamento oficial y la auténtica biografía de Charles Buk

Sus primeras obras se publicaron en la década de 1960 en editoriales y revistas underground; a esta época pertenecen colecciones de poemas como «Crucifijo en una mano muerta» (1965) o la que para muchos es su mejor obra en verso, «Los días pasan como caballos salvajes sobre las colinas» (1969). La poesía de Bukowski, al que le gustaba vanagloriarse de haber escrito su primer poema con 35 años, está marcada por abundantes datos autobiográficos,. Nunca abandonó su producción en verso que, con los años, se fue haciendo más directa, más sobria, como en «El amor es un perro del infierno» (1974) o «La última noche de la tierra» (1992). Bukowski escribió más de treinta poemarios, que le han acreditado como gran poeta; sin embargo, pocos de sus poemas se han traducido al español.
Su primera novela, «Cartero» (1970), le permitió abandonar la oficina de correos en la que trabajaba. A ésta seguirían otras cinco, todas protagonizadas por Henry Hank Chinaski, alter ego del propio Bukowski, entre las que cabe destacar «La senda del perdedor» (1982). Los cuentos de Bukowski están reunidos en varios volúmenes. El más conocido, «Erecciones, eyaculaciones, exhibiciones» (1972), recoge relatos aparecidos en varias revistas underground. La prosa de Bukowski es, si cabe, más autobiográfica, en un 90% según el propio autor, que su poesía, y es la que le ha dado fama entre los lectores de habla hispana; todas sus obras en prosa están publicadas en español. El alcohol, el sexo, la soledad y los aspectos más absurdos y sórdidos de nuestra civilización ocupan un lugar de honor en la obra de Bukowski, que siempre evitó los ambientes literarios; prefería los bares y las habitaciones lúgubres.

los mejores de la raza

no hay nada quediscutir no hay nada querecordar

no hay nada que olvidar
es tristey no es triste
parece que la cosa mas sensata que una persona puede hacer es estar sentada con una copa en la mano mientras las paredes blanden sonrisas de despedida
uno pasa a traves de todo ello con una cierta cantidad de eficiencia y valentia entonces se va
algunos aceptanla posibilidad de Dios para ayudarles en su paso
otros lo aceptan como es
y por estos
bebo esta noche.

TAKESHI MIIKE, BONG JOON-HO, PARK CHAN WOOK, SANGRE NUEVA PARA EL CINE ASIATICO

El cine asiatico esta experimentando una etapa dorada.Son multitud los realizadores provenientes de Taiwan China, Japon y Korea que ponen al cine asiatico en un lugar de vanguardia en la cinematografia actual. Atras quedan los años en los que asia exportaba a Occidente unicamente cine de serie -B y artes marciales. Autores como el japonés Takeshii Miike o el chino Kang Hai o el korenao Kim Ki Duk le estan dando una nueva significación al cine de autor. Me gustaria señalar tres nombres en concreto, pero podrian ser cientos los nombres a remarcar, los seleccionados son los koreanos Chan Wook y Joon Ho y el japones Miike. El cine que se hace en Asia en su mayoria es diferente, elgente y sofisticado, le esta dando una nueva prespectiva en la manera de hacer películas, se experimentan formas que en Europa o Estados Unidos podrian parecen impensables, son el complemento perfecto para muchos titulos que podemos disfrutar en Europa . Un capitulo aparte mereceria hablar del trabajo del penultimo presidente del jurado de Cannes el chino Wong Kar Hai

Takeshi Miike. Director eclectico y provocador donde los haya. Su manera de concebir el cine no tiene comparacion con ninguna referencia actual. Sus peliculas crean sensaciones antagónicas en el espectador, Algo parecido al austriaco Hanecke , por un lado crea una sensacion de repulsion y rechazo en el espectador pero por otra parte aflora una parte de fascinacion y atraccion por lo que se esta viendo. Ningun tema es considerado Tabu por Miike, incesto, aborto, violencia extrema, sadomasoquismo son temas recurrentes en la filmografia de Miike, pero no vistos una desde una perspectiva sensancionalista y de violencia gratuita, tampoco pretende hacer un analisis de la sociedad y tratar estos temas tal como lo haria un intelectual, sencillamente muestra a sus personajes tal y como son sin hacer ningun tipo de juicio de valor sobre ellos, no busca ningun tipo de culpable, Miike nos muestra el lado mas oscuro del ser humano donde nuestro peor enemigo somos nosotros mismos. Es de señalar tambien que la mayoria de las veces que trata el tema de la vioelncia lo hace desde el humor. un humor muy "negro" y con "muy mala leche" si se quiere, pero humor al fin y al cabo algo que no hay que tomarse demasiado en serio. Al igual que pasa con Tarantino en occidente , Miike con sus mas de 30 años de experiencia como realizador ha levantando todo tipo de polemicos en los estrenos de sus trabajos, se ha tenido que topar con todo tipo de censores, moralistas, asociaciones feministas, y de todo tipo de defensores del estado de "derecho" consideran la violencia y la deshuanizacion de sus peliculas como una mala influencia para la juventud y la sociedad en general. El cine de Miike (y el cine en general), no creo que pretendar dar ningun tipo de leccion moral ni alentar en ningun apsecto, si se puede extraer algun mensaje de sus peliculas es la de no tomarse nada en serio. El cine de Takesshi Miike no es para todos los gustos, como pasa con los mejores directors, sus peliculas se odian o se veneran como autenticos titulos de culto. Si te atreves merece la pena acercarse al menos una vez al cine de Miike.

Dead or Alive..No confundir con DOA la adaptacion del videojuego, que bajo ciertas circunstancias podria llegar a ser hasta interesante(circunstancia de haberse fumado un porro de maria antes de verla).
Dead or Alive Pelicula eclectica donde las haya, del siempre interesante director nipón. Cine de "Yakuza" llevando hasta un extremo al que nadie antes se ha atrevido a llegar. Hay imagenes que por su belleza, plasticidad y crudeza son dificiles de olvidar. Miike demuestra que la exageracion y la violencia bien utilizados como recurso estetico pueden llegar ser muy efectivos incluso hermosos. DOA esta cargada de pesonajes bizarros y grotescos, que se mueven en una atmosfera repleta de violencia extrema, situaciones surrealistas y el tan caracteristico humor absurdo de sus peliculas.

Gozu.El gran maestro del cine post-moderno Takeshi Miike vuelve a dar una lección de como hacer cine sin compromisos ni ataduras morales, soprendiéndonos de principio a fin en una película que se aleja de todo tipo de convencionalismos. En su film Gozu del año 2003 el director japonés nos muestra una pelicula moderna con una fuerte carga de nihilismo, humor absurdo ademas de su correspondiente dosis de violencia. En esto se parece a otros compañeros de oficio suyos como el austríaco Michael Hanecke o el Argentino afincando en Francia Gaspar Noe. En palabras de Hanecke la violencia en sus películas no se presenta como en el cine convencional donde tan frecuente es ver escenas explicitamente violentas, en la que vemos una "violencia de consumo" debidamente exagerada y teatralizada para su comercialización. Dejando aparte el debate de la violencia en el cine, la violencia se nos presenta en estas películas atraves del sufrimiento de los personajes, tristemente real y cercana, sin exageraciones ni artificios dejando en el espectador una reacción cuando no menos inquietante. El cine de Miike es como un viaje sin retorno a la locura. Es una muestra sin concesiones de la parte más oscura del ser humano. No es para todos los gustos son ese tipo de películas que se odian o se veneran pero aun asi merece la pena acercarse por lo menos una vez al cine de Miike

Masters of Horror (2005-2006) (episodio "Imprint")
Yôkai daisensô (2005)
Izo (2004)
Three Extremes (2004)
Paato-taimu tantei 2(2004)
Zebraman (2004)
Chakushin ari (Llamada perdida)(2004)
Kôshônin (2003)
Kikoku (Yakuza Demon) (2003)
Gokudô kyôfu dai-gekijô: Gozu (Gozu) (2003)
Jitsuroku Andô Noboru kyôdô-den: Rekka (Deadly Outlaw: Rekka)(2002)
Shin jingi no hakaba (Graveyard of Honor) (2002)
Dead or Alive: Final (2002)
Katakuri-ke no kôfuku (The Happiness of the Katakuris) (2001)
Araburu tamashii-tachi (Agitator) (2001)
Koroshiya 1 (Ichi the Killer) (2001)
Bizita Q (Visitor Q) (2001)
Dead or Alive 2: Tôbôsha (Dead or Alive 2: Birds) (2000)
Hyôryuu-gai (The City of Last Souls) (2000)
Dead or Alive: Hanzaisha (Dead or Alive) (1999)
Ôdishon (Audition) (1999)
Chûgoku no chôjin (The Bird People in China) (1998)
Full Metal gokudô (Full Metal Yakuza) (1997)
Gokudô sengokushi: Fudô (Fudoh: The New Generation) (1996)

Park Chan Wook. El salvador del cine post-moderno. Sus peliculas son de genero, adaptaciones de comics o ideas propias, pero visto de una perspectiva nunca nates explorada. Su llamada trilogia de la venganza, tiene un hueco privelegiado en el llamado cine "Post -moderno" el cine de Chan Wook va un paso por delante de la post_modernidad, instaurado en una vanguardia que esta empezando a aflorar a cominezos de este siglo y que otros autores como Miike , Ho, o Kang Hai le estan ayundando a consolidar como movimiento. Sus peliculas son revisiones clasicas del genero de terrror, con us particular vison del ver el cine. Wook es capaz de sintetizar diferentes estilos cinematograficos, verdaderamente este realizador koreano es capaz de honrar en su manera de seleccionar temas y eludir otros. Viendo "Oldboy" o "Sympathy for Mr Vengance" me cuesta imaginar algun titulo del cine contemporaneo que les supere. Tal vez Chan Wook consiguiera con Oldboy todo lo que no hiciera Trantino en su "Kill Bill".

Park Chan Wook es un cineasta Koreano. Estudio filosofia en la universidad de Seul. Viendo "Vertigo" decidio que queria dedicarse al cine. Despues de graduarse comenzo a escribir articulos de cine en revistas especializadas, y se convirtió en asistente de direccion en "Kkamdong" de Yu Yeong-Jin y "Watercolor painting in a Rainy Day" de Kwak Jae-yon. Su debut fue con "The Moon Is....the Sun,s Dream" y despues de cinco años hizo su segundo film "Trio", la respuesta por parte de publico y crítica fue mas bien fria. Despues de su tercer película "Joint Security Area" Park era mas reconocido como critico de cine que como cineasta. El exito conseguido en "Joint Security Area" pelicula comercial al fin y al cabo, Wook consiguio reunir dinero suficiente para financiar su proxima película, un tiutlo mas personal e independiente "Simpathy for Mr. Vengance" primer titulo de la llamada trilogía de la venganza, Esta pelicula es una cronica dura y sin conscesiones del secuestro de una menor y sus terribles consecuencias. Con un estilo eclectcio, un ritmo pausado y reflexivo, y fuertes cargas de violencia y nihilismo Chan Wook, fue configurando su estilo. Estilo que haria eclosion en sus dos proximas películas "Oldboy" y "Sympathy for Lady Vengance". En 2004 "Oldboy" gano la palma de oro en el festival de Cannes, Tarantino formaba parte del jurado y se confenso seguidor inconmesurable del trabajo del realizador Koreano. Respondiendo a la preguinta de un periodista en Cannes acerca de la venganza en sus films como tema recurrente. Park contesto que decidio hacer tres titulos consecutivos con la venganza como tema central.Se podria pensar que Park estaba haciendo un alegato a favor de la venganza, nada mas lejos de la realidad el director Korenao presenta una critica sin concesiones, sus peliculas tratarn de demostrar la futilidad de las misma y como desmorona la vida de las personas que hacen acopio de ella. En 2005 realizo un proyecto conjunto de tres historrias contada por tres realizadores ( T.Miike , Fruit Chan y el propio Wook) en "Three Exremes". Se le ofrecio dirigir el Remake del clasico de Sm Raimi "The Evil Dead" pero deisitio a favor de su nuevo proyecto "Im a Cyborg thats Ok" de inminente estreno en las carteleras europeas.

Director
Moon Is the Sun's Dream (1992)
Saminjo (1997)... aka Trio
Judgement (1999) (short film)
Joint Security Area (2000)
Sympathy for Mr. Vengeance (2002)
If You Were Me (2003) (segment "Never Ending Peace And Love")
Oldboy (2003)
Three... Extremes (2004) (segment "Cut")
Sympathy for Lady Vengeance (2005)
I'm a Cyborg, But That's OK (2006)
Evil Live (2007) (pre-production)

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Guionista

Moon Is the Sun's Dream (1992)
Saminjo (1997)...aka Trio
Judgement (1999)
Anarchists (2000)
Joint Security Area (2000)
The Humanist (2001)
Sympathy for Mr. Vengeance (2002)
A Bizarre Love Triangle (2002)
If You Were Me (2003)
Oldboy (2003) (screenplay)
Three... Extremes (2004) (segment "Cut")
Sympathy for Lady Vengeance (2005)
Sonyeon, Cheonguk-e gada (2005)
I'm a Cyborg, But That's OK (2006)
Evil Live (2007)

Boong Joon Ho. Director Sur Coreano amigo de Park Chan Wook. Se dice que fue Wook quien le regaló la novela de "Memories of Murder" titulo del cual haria una adaptcion para cine. Bautizado como el Spielberg asiatico, Wook ha sabido revitalizar mejor que nadie el ya mas que reciclado genero del Thriller y de Terror.

Antes de dar el salto a la gran pantalla Bong realizo multitud de cortometrajes aclamados por la critica, su debu fue con una comedia tiulada " Barking Dogs Never Bite" del año 2000. En 2003 estreno " Memories of Murder" basada en hechos reales, durante la dictadura de Corea del sur en los 80, cuenta la historia de como la incompetente policia del estado sigue el rastro de un escurridizo asesion en serie sin ningun exito. La pelicula gano el equivalnete a los "goya" de Korea del Sur. Su titulo mas conocido es "The Host" pelicula de mosntruos, que revitaliza el genero de terror.

Director
Barking Dogs Never Bite (2000)
Memories of Murder (2003)
The Host (2006)

EL CINE DE MARTIN SCORCESE

Martin Scorcese es el ultimo clasico contemporaneo del siglo XX. Proveniente de la generacion de los 70, donde se hacia un cine realmente de autor financiado por los grandes estudios. Junto a Coppola, Lucas, De Palma, Spielberg, Schrader, Milus y Hill esta generacion de directores influenciados por el cine europeo y asiatico (Nouvelle Vague, Kurosawa, Buñuel...) y la revolucion sexual, le dieron un nuevo lavado de cara al ya mas que reciclado panorama cinematográfico de la época. El cine de "Gangsters" de Scorcese renueva por completo el cine negro y policial, "Mean Streets" "Goodfellas" y "Casino" es la culminacion del genero. Scorcese mezcla la tradicion del Neorrealismo Italiano y el cine negro clasico, dandose un resultado cuando no menos espectaular. Con explosivas actuaciones , un montaje increible y solidos guiones, el cine negro de Scorcese pasa junto a los grandes clasicos del cine. Las colaboraciones entre Schrader y Scorcese en"Taxi Driver" y "Raging Bull" son un episodio aparte en la historia del cine.

Originalmente, Scorsese planeaba ordenarse como sacerdote, lo que se nota en muchas de sus películas que reflejan una crianza católica. Fue atraído hacia el cine a edad temprana, y admite estar "obsesionado" con las películas; obsesión que se aprecia en el documental de 1995 A Personal Journey with Martin Scorsese Through American Movies (Un viaje personal con Martin Scorsese a través de las películas de Estados Unidos). Siendo un niño enfermizo, pasaba mucho tiempo en recuperación en casa, observando lo que ocurría en la calle, desde su ventana. Gran parte de su infancia la pasó en cines, lo cual contribuyó a su determinación en ser cineasta.

Carrera

Décadas de 1960 y 1970 Martin Scorsese pertenecía a una familia de la clase trabajadora; su padre era planchador de pantalones. Sus padres fueron el tema de su documental Italoamericano, y tuvieron numerosas apariciones en las películas de su hijo como actores secundarios.
Durante varios años, su madre trabajó como la proveedora oficial de comida en todas las producciones de Scorsese, mientras su padre trabajaba en el departamento de vestuario. En la película Goodfellas (Uno de los nuestros), Scorsese dijo que nadie planchaba cuellos como su padre lo hacía.



Scorsese asistió a la Universidad de Nueva York, obteniendo una licenciatura en la escuela de cine en 1964, y una maestría en la misma disciplina en 1966. Realizó su primer largometraje (Who´s knocking at my door?, 1969) con su compañero de estudios Harvey Keitel, y a partir de entonces formó parte de la "banda" de cineastas de la década de 1970: Francis Ford Coppola, Brian De Palma, George Lucas, y Steven Spielberg. De Palma fue quien le presentó a Robert De Niro, lo cual resultó en una cercana amistad que los llevó a compartir muchos proyectos.
En este periodo, Scorsese también trabajó como editor de la película Woodstock.
En 1972, Scorsese dirigió Boxcar Bertha por encargo de productor de películas de serie B Roger Corman, quien había ayudado a muchos directores a comenzar sus carreras, entre otros Francis Ford Coppola, James Cameron y John Sayles. Con Bertha, Scorsese aprendió a hacer filmes rápidamente y de forma económica, lo cual lo preparó para su primera película con De Niro, Mean Streets (Malas Calles). La película resultó un éxito que lanzó a Scorsese y De Niro al estrellato. Entonces, la actriz Ellen Burstyn escogió a Scorsese para dirigirla en la película Alice Doesn't Live Here Anymore (Alicia ya no vive aquí), de 1974. Burstyn ganó un Oscar a la mejor actriz por esta película.
A continuación, Scorsese exploraría sus raíces étnicas en el documental Italianamerican, sobre sus padres Charles y Catherine Scorsese.
Dos años después, Scorsese asombró al mundo con Taxi Driver. La película tenía actuaciones brillantes de De Niro y Jodie Foster, en uno de los más violentos y sombríos retratos de la vida neoyorquina plasmado en cine. Taxi Driver ganó la Palma de Oro en el Festival de Cannes, y recibió cuatro nominaciones al Oscar, incluyendo el premio a la mejor película de habla inglesa.
Algo que hacía única a la película, era el uso de las tomas "Punto de vista", que se han convertido en una constante en las películas de Scorsese.



El éxito de Taxi Driver, animó a Scorsese a proseguir con su primera película de alto presupuesto: New York, New York. Este tributo musical a la ciudad natal de Scorsese, fue un rotundo fracaso de taquilla. Para entonces, Scorsese ya había desarrollado una grave adicción a la cocaína. Entre su adicción y la depresión provocada por el último filme, Scorsese aún encontró la creatividad suficiente para hacer The Last Waltz (El último vals, 1978), un documental bellamente fotografiado sobre un concierto de The Band. Ese mismo año, apareció otro documental dirigido por Scorsese, titulado American Boy.

Década de 1980 Convencido de que estaba haciendo su última película, Scorsese invirtió todas sus energías en Raging bull (Toro Salvaje). La película se estrenó en 1980, y es considerada como una obra maestra, además de haber sido votada la mejor película de la década de 1980, por la revista británica Sight and Sound. Como era de esperarse, la película recibió varias nominaciones al premio Oscar, incluyendo Mejor Actor (Robert de Niro), y la primera nominación para Scorsese como Mejor Director. De Niro ganó su estatuilla, pero Robert Redford se llevó ese año el Oscar al mejor director.
The Last Temptation of Christ (La última tentación de Cristo, 1988) está basada en el libro de Nikos Kazantzakis "La última tentación" (1951). Originalmente, la película iba a ser producida bajo el sello Paramount Studios en 1983 con Aidan Quinn en el papel de Jesús y Sting en el de Poncio Pilatos. Sin embargo, Paramount se retiró días antes de comenzar la filmación, argumentando presiones de grupos religiosos, por lo que el proyecto tuvo que esperar casi cinco años.
Una vez pasado el colapso del proyecto, Scorsese notó que el mundo del Hollywood de la década de 1980 estaba siendo cada vez más comercial, y los filmes personales y altamente estilizados que él y sus colegas produjeron una década antes, no disfrutarían del mismo recibimiento. Así, Scorsese decidió emprender un nuevo camino con su carrera. Con After hours (¡Jo, qué noche!, 1985) Scorsese efectuó un cambio estético encaminándose hacia un estilo prácticamente "underground". La película fue hecha con un presupuesto extremadamente austero, de noche y en localizaciones del barrio del SoHo en Manhattan.
Después, Scorsese dirigió el vídeoclip Bad (1987) para Michael Jackson. En 1986, dirigió The color of money (El color del dinero), protagonizada por Paul Newman, Tom Cruise y Mary Elizabeth Mastrantonio. El filme es una secuela de The hustler (El Buscavidas, de Robert Rossen), también protagonizada por Newman. Este último ganó el Oscar al Mejor Actor de 1986.
Con el dinero obtenido por El color del dinero, Scorsese pudo filmar The last temptation of Christ en 1987, con un presupuesto modesto, pues Scorsese sabía que el filme no iba a arrasar en las taquillas. Sin embargo, Scorsese no anticipó el furor y la controversia que iban a desatarse cuando el filme fue estrenado al año siguiente. Las protestas en todo el mundo llegaron a la quema de varias salas, y a su prohibición durante más de quince años en algunos países. Por este filme, Scorsese recibió su siguiente nominación al Oscar al Mejor Director; nominación que tampoco ganó. Sin embargo, el respaldo que varias figuras del mundo político le dieron a esta película le dio a Scorsese el ímpetu para su siguiente trabajo: Goodfellas (Uno de los Nuestros o Buenos Muchachos, 1990).

1990 a la fecha Con Goodfellas Scorsese volvió a su nativa Nueva York, y se reencontró con Robert De Niro y Joe Pesci. Esta película sobre la vida de un gángster ha sido llamada la mejor película de mafiosos desde El Padrino, y le dio a Scorsese su tercera nominación al Oscar como Mejor Director; Oscar que perdió, esta vez frente al novato Kevin Costner por "Bailando con lobos".
Scorsese prosiguió haciendo un remake de la película de 1962 Cape Fear (El Cabo del Terror o Cabo de Miedo), lo cual probó que Scorsese podía ser un éxito de taquilla en Hollywood. Los siguientes años los pasó haciendo películas de bajo éxito pero aclamadas por la crítica (The Age of Innocence, Kundun), e involucrándose en apoyar los proyectos de otros cineastas, como Quiz Show, Search and Destroy, Mad Dog and Glory y Clockers. Scorsese dirigió en ese periodo la película Casino, y volvió al mundo de Taxi Driver en 1999, dirigiendo Bringing Out The Dead(Al límite).
En 1990, Martin Scorsese actuó en el papel de Vincent van Gogh en el filme Dreams (Sueños) de Akira Kurosawa. En 1999, trabajó en un documental llamado Il Mio Viaggio in Italia (Mi viaje en Italia).



En 2002, Scorsese dirigió Gangs of New York (Bandas de Nueva York), la cual hasta ese entonces había sido su empresa más arriesgada, con presupuesto superior a los cien millones de dólares; el presupuesto más alto en la carrera de Scorsese. La reacción de la crítica hacia la película, fue moderadamente positiva, y, aunque no fue un gran éxito de taquilla, el filme tampoco fue un fracaso. Además, recibió diez nominaciones al Oscar, incluyendo Mejor Película, Mejor Director, y Mejor Actor (para Daniel Day-Lewis). Scorsese perdió nuevamente, esta vez frente a Roman Polanski.
El siguiente filme de Scorsese fue The Aviator (El aviador), película biográfica del excéntrico multimillonario y pionero de la aviación Howard Hughes. El filme fue lanzado a finales de 2004, con aclamación de la crítica. Ganó tres Globos de Oro, incluyendo Mejor Película Dramática. En la entrega de los premios Oscar, El aviador fue la película con más nominaciones (once, incluyendo Mejor Película, Mejor Director y Mejor Actor para Leonardo Di Caprio). Esta vez, Scorsese también salió con las manos vacías, al ver a Clint Eastwood llevarse el Oscar al Mejor Director y a la Mejor Película.
Scorsese es Presidente de Film Foundation, una fundación sin fines de lucro dedicada a la preservación del material fílmico en deterioro.
El 5 de enero de 2005, Scorsese recibió el reconocimiento Légion d'honneur de parte del gobierno de Francia, por sus contribuciones al cine.
Después de presentar su documental sobre Bob Dylan en 2005, sorprendió a todos en 2006 con su galardonada pelicula Infiltrados, con la cual ha cosechado numerosos elogios. En esta cinta policial se reunió nuevamente con Leonardo Di Caprio y, por primera vez, con Jack Nicholson. El 25 de febrero de 2007, la academia de las artes de Hollywood le entregaba el Oscar al mejor director (y otros 3 Oscars para esta película) con lo que se hacía justicia con uno de los más grandes directores de los EE.UU., que había sido nominado 8 veces y nunca había ganado, ni como director ni como guionista.
Para el año 2007 tiene planeado estrenar un documental acerca de los Rolling Stones.

Filmografía selecta

Director

The departed, (Infiltrados) (2006)
No Direction Home: Bob Dylan - A Martin Scorsese Picture (2005)
The Aviator (El aviador), (2004)
Gangs of New York (Pandillas de Nueva York), (2002)
Bringing Out the Dead (Al límite), (1999)
Il Mio Viaggio in Italia (1999)
Kundun (1997)
Casino (1995)
The Age of Innocence (La edad de la inocencia) (1993)
Cape Fear (El cabo del miedo), (1991)
Goodfellas (Uno de los nuestros) (1990)
New York Stories (Historias de Nueva York primer capítulo) (1989)
The Last Temptation of Christ (La última tentación de Cristo), (1988)
The Color of Money (El color del dinero), (1986)
After Hours (¡Jo, qué noche!), (1985)
The King of Comedy (El rey de la comedia), (1983)
Raging Bull (Toro Salvaje), (1980)
The last waltz (El último vals), (1978)
New York, New York (1977)
Taxi driver (1976)
Alice Doesn't Live Here Anymore (Alicia ya no vive aquí), (1974)
Italianamerican (1974)
Mean Streets (Malas calles), (1973)
Boxcar Bertha (1972)
Street scenes (1970)
Who's that knocking at my door? (1967)
The Big Shave (cortometraje) (1967)



Actor

Shark Tale (El cazatiburones) (2004)
Gangs of New York (2002)
Quiz Show (El dilema), (1994)
Dreams (1990)
Guilty by Suspicion (1990)
Round Midnight (1986)
Taxi Driver(1976)